«Английские живописцы с главой об американских живописцах»

ЧАРЛЬЗ ЛАНСДИР (1799—1879), старший брат более знаменитого сэра Эдвина Ландсира, был учеником Хейдона и школ Королевской академии художеств. В 1836 году появилась его картина «Разорение Бейзинг-Хауса» (ныне в Национальной галерее). В следующем году он был избран ассоциированным членом Академии, в 1845 году стал ее действительным членом, а в 1851 году — хранителем. Среди других его удачных работ — «Кларисса Гарлоу в долговой тюрьме» (Национальная галерея), «Карл II в маскарадном костюме бежит из дома полковника Лейна» и «Канун битвы при Эджхилле».

ЧАРЛЬЗ ЛЮСИ (1814—1873) начал жизненный путь учеником аптекаря в своем родном городе Херефорде. Он вскоре оставил прилавок и отправился в Париж изучать живопись. Прибыв в Лондон, он выставил картину «Каратак со своей семьей перед императором Клавдием» — работу, положившую начало длинной серии исторических полотен, среди которых примечательны «Расставание Карла I с детьми», «Расставание лорда и леди Рассел» и «Бонапарт в беседе с учеными», и все они экспонировались в Академии. Люси снискал большую репутацию в Европе и Америке.

ДЖОН ФИЛЛИП (1817—1867) был одним из лучших колористов английской школы. Уроженец Абердина, он начал жизнь рассыльным у того, кого шотландцы называют «жестянщиком», а впоследствии стал учеником маляра и стекольщика и, судя по всему, получал уроки в своем раннем стремлении к искусству от портретиста из своего родного города по фамилии Форбс, который был очень щедр к нему. Картина работы Филлипа обеспечила ему покровительство лорда Панмура, который отправил его в Лондон. В 1837 году молодой художник поступил в школы Академии. Он выставил два портрета в 1838 году, а два года спустя вернулся в Абердин, экспонировав в Королевской академии художеств полотно «Торжествующий Тассо рассказывает о своих преследованиях сестре». Вновь возвратившись в Лондон, Филлип выставил «Катехизис» и несколько картин из шотландской жизни, таких как «Крещение», «Гадалка», «Свободная кирха». Болезнь вынудила его посетить Испанию в 1851 году, и здесь он создал множество прекрасных полотен из испанской жизни, которые значительно укрепили его репутацию и принесли ему прозвище «Дон Филлип Испанский». «Визит в цыганский квартал», «Письмовник из Севильи» и «Прогулка» служат примерами его испанских картин. В 1857 году Филлип был избран ассоциированным членом Королевской академии художеств и выставил картину «Тюремное окно в Севилье». Избранный действительным членом в 1859 году, он в следующем году написал по повелению королевы «Свадьбу королевской принцессы». «Ла Глория», одно из самых знаменитых его произведений, появилось в 1864 году. Его картины сочетают правильность рисунка с живостью, если не изяществом, колорита, что редко встречается в творениях наших лучших мастеров.

АЛЬФРЕД ЭЛМОР (1815—1881), ирландец по рождению, снискал себе славу как живописец исторических сцен и бытового жанра. Среди его работ — «Риенци на форуме»; «Изобретение чулочно-вязального станка» и «Изобретение чесальной машины»; «Мария-Антуанетта в Тюильри»; «Мария-Антуанетта в Тампле»; «Офелия»; а также «Мария Стюарт и Дарнли». Он был избран действительным членом Королевской академии художеств в 1857 году.

ГЛАВА XI. ЖИВОПИСЦЫ БЫТОВОГО ЖАНРА.

Можно сказать, что бытовая живопись, или бытовой жанр, в Англии зародилась с Хогартом, однако после его смерти она развивалась медленно вплоть до начала девятнадцатого столетия. Исторические полотна крупного формата не были ни популярными, ни прибыльными. Корпорации не стремились тратить деньги на украшение своих гильдейских залов, а у обычных обывателей не хватало места для больших картин. Англичанине по сути своей домоседы, и картины, достаточно миниатюрные для небольших домов и иллюстрирующие домашний быт, соответствуют их потребностям и затрагивают их чувства гораздо сильнее, чем необъятные холсты, изображающие баталии или священную историю. В бытовом жанре нидерландская школа всегда занимала видное место; ей мы несомненно обязаны значительной долей популярности этого направления искусства в Англии, где наши художники выбирали знакомые сюжеты, не опускаясь до грубых или чувственных происшествий, которыми так увлекались некоторые старые нидерландские мастера. Бытописецы нашей страны черпали сюжеты главным образом у национальных поэтов и прозаиков, а также из повседневной жизни англичан, порой склоняясь к тривиальности, но в целом создавая приятные произведения, которые, как было метко сказано, «относятся к историческому искусству так же, как рассказ или роман — к истории».

ДАВИД УИЛКИ (1785—1841) родился в пасторате своего отца в Калтсе, графство Файфшир. Предполагалось, что Уилки пойдет по стопам отца и станет пастором Шотландской кирхи, но этому не суждено было сбыться. По его собственному настоятельному желанию он был определен в Академию попечителей в Эдинбурге и там в 1803 году оправдал правильность этого выбора, завоевав премию в десять гиней за лучшую картину того времени, сюжет которой составляла «Калисто в банях Дианы». В следующем году молодой Уилки навестил родные места и написал «Ярмарку в Пильтасси», которую продал за 25 фунтов. Он писал портреты и на вырученные деньги отправился в Лондон в 1805 году. Записавшись в студенты Академии, Уилки вскоре привлек к себе внимание картиной «Деревенские политиганы», экспонировавшейся в Королевской академии художеств в 1806 году. Сотня его полотен время от времени появлялась на стенах Академии; каждое новое раннее произведение прибавляло славы его автору. Все его ранние работы относились к бытовому жанру. Его любимые сюжеты отражены в полотнах «Слепой скрипач», «Игроки в карты», «День квартплаты», «Варган», «Порезанный палец», «Деревенский праздник», «Жмурки», «Рекомендательное письмо», «Дункан Грей», «Пенсовая свадьба», «Чтение завещания», «Церковный сторож» и «Челсийские пенсионеры» (последняя написана для герцога Веллингтона). Уилки был избран ассоциированным членом Академии в 1809 году, а действительным — в 1811-м. Он ездил за границу в 1814 году и снова в 1825-м, когда посетил Германию, Италию и Испанию. Изучение старых мастеров, особенно Корреджо, Рембрандта и Веласкеса, оказало заметное влияние на Уилки, который изменил и свой стиль, и сюжеты. Он оставил бытовой жанр ради истории и портрета, заменив тщательную манеру исполнения ранних работ легким, эффектным стилем письма. «Проповедь Джона Нокса» (Национальная галерея) служит хорошим образцом этого второго периода творчества Уилки. В 1830 году он сменил сэра Томаса Лоуренса на посту придворного живописца короля, а шесть лет спустя был возведен в рыцарское достоинство. В 1840 году Уилки посетил Восток и написал портрет султана Абдул-Меджида. В следующем году, находясь далеко от дома на борту парохода у берегов Гибралтара, он скончался и нашел последнее пристанище в морских пучинах. Одиннадцать его картин хранятся в Национальной галерее. Ее Величество владеет большинством полотен, написанных Уилки в Испании, такими как «Геррильский военный совет» и «Сарагосская дева». Другое испанское полотно, созданное в Англии — «Два испанских монаха в соборе Толедо», принадлежит маркизу Лансдауну. В нем обращает на себя внимание живопись рук, полных жизни и движения — качества, в котором Уилки преуспел. «Его раннее искусство безусловно произвело огромное впечатление на английскую школу, показав, как можно национализировать нидерландское искусство, придав сюжет и настроения сценам обыденной жизни, трактуемым с правдивостью и индивидуальностью. Что касается его зрелого периода, то такие картины, как „Джон Нокс“, также оказали влияние на школу, причем новый способ письма, поддержанный авторитетом Уилки, оказал самое пагубное влияние, дискредитируя английские картины полным отсутствием долговечности. Его методы и использовавшиеся им пигменты вскоре были отвергнуты в Англии, но в свое время они повлияли и продолжали влиять на его соотечественников еще долго после его смерти». (Редгрейв.)

Сарагосская дева. Работа УИЛКИ. 1827 г. В собственности королевы.

УИЛЬЯМ ФРЕДЕРИК УИДЕРИНГТОН (1785—1865) сочетал в своем творчестве пейзаж и бытовой жанр. Свою первую картину «Тинтернское аббатство» он выставил в 1811 году, а его последующие работы представляли собой преимущественно сочетание пейзажей и фигурных сцен. Уидерингтон был избран ассоциированным членом Академии в 1830 году, а десять лет спустя стал ее действительным членом. Благоприятными образцами его сугубо английских и приятных картин являются «Пошаговые камни» и «Венок из хмеля» в Национальной галерее, а также «Хмелевой сад» в собрании Шипшанкса в Южном Кенсингтоне.

АБРАХАМ КУПЕР (1787—1868), сын содержателя гостиницы, родился в Лондоне и рано проявил исключительное мастерство рисовальщика. Гостиничные конюшни предоставили ему первые и любимейшие сюжеты, а портрет любимого конька, принадлежавшего сэру Генри Мьюксу, привлек к нему первого покровителя. В 1814 году Купер выставил в Британском институте картину «Тэм о’Шентер», которая была приобретена герцогом Мальборо. В 1817 году «Битва при Марстон-Муре» обеспечила ему избрание ассоциированным членом Академии; в 1820 году он стал академиком. В сюжетах произведений этого художника мало разнообразия. Наиболее известны «Гордость пустыни», «Соколиная охота в старые времена», «Мертвый кавалерист», «Ричард I и Саладин в битве при Аскалоне» и «Захват Ботвеллом Марии, королевы Шотландии».

УИЛЬЯМ МАЛРЕДИ (1786—1863), самый способный жанровый живописец в Англии после Уилки, родился в Эннисе, графство Клэр. Хотя его творения знакомы большинству из нас до боли, о его жизни известно мало подробностей. Мы знаем, что его отец был изготовителем кожаных бриджей и приехал в Лондон вместе с сыном, когда тому было около пяти лет. Утверждают, что ребенок очень рано проявил присущую ему художественную силу. Он позировал в качестве модели для Соломона Джону Грэму, иллюстрировавшему Библию Маклина, и, вероятно, обстановка студии стимулировала художественные инстинкты юного Малреди. По рекомендации скульптора Бэнкса он получил доступ в академские школы; в пятнадцатилетнем возрасте он уже не нуждался в материальной помощи родителей. Малреди трудился в школах Академии, как трудился всю жизнь, всем сердцем и душой. Он заявлял, что всегда писал так, будто участвует в конкурсе на приз, а когда начал самостоятельный путь в мире, пробовал силы во всем — «от карикатуры до панорамы». Он всю жизнь преподавал, и этим, возможно, объясняется тщательная завершенность его картин. Малреди женился очень молодым и не обрел счастья. Он начинал с пейзажей, но в 1807 году создал «Старого Каспара» по поэме Саути «Битва при Бленхейме» — свою первую сюжетную картину. Годом позже появилась «Погремушка», ознаменовавшая заметный шаг вперед. Обе картины свидетельствуют о том, что их автор изучал нидерландских мастеров. В 1815 году Малреди был избран ассоциированным членом Академии, но еще до того, как его имя успело появиться в каталоге, он достиг ранга действительного члена. Это произошло в 1816 году, когда он выставил полотно «Прерванная драка» (собрание Шипшанкса). С той поры он стал любимцем публики, а его картин, коих он выставлял в среднем едва ли по две в год, ждали с нетерпением. Можно выделить «Волк и ягненок», «Последний пришедший», «Ярмарочное время», «Переход через брод», «Младший брат», «Мишень», «Угостить кусочком», «Выбор свадебного платья» и «Продавец игрушек» (все находятся в Национальной галерее или Музее Южного Кенсингтона). «За исключением, пожалуй, некоторого ухудшения в колорите, который в последние годы приобрел назойливый пурпурный оттенок, он наслаждался полным расцветом своих великих способностей на протяжении более полувека. […] Он отличался превосходством своих натурных штудий, три из которых выполнены красным и черным мелом и подарены Обществом искусств и хранятся в галерее». (Каталог Национальной галереи.)

Выбор свадебного платья. Работа МАЛРЕДИ. 1846 г. В галерее Шипшанкса в Музее Южного Кенсингтона.

АЛЕКСАНДР ФРЕЗЕР (1786—1865), уроженец Эдинбурга, выставил свою первую картину «Зеленая лавка» в 1810 году. Обосновавшись в Лондоне, он стал ассистентом своего соотечественника Уилки и на протяжении двадцати лет писал детали натюрморта на полотнах Уилки. В картинах Фрэзера заметно влияние искусства его учителя; обычно они основываются на шотландских сюжетах и сценках, как, например, «Интерьер горской хижины» (Национальная галерея) и «Сэр Вальтер Скотт обедает с одним из эдинбургских нищих в синих плащах». Другие примеры — «Сапожник за ленчем», «Черный дрозд и его учитель» и «Деревенский вывесочник».

Санчо Панса и герцогиня. Работа ЛЕСЛИ. 1844 г. В Национальной галерее.

ЧАРЛЬЗ РОБЕРТ ЛЕСЛИ (1794—1859) родился в Лондоне, вероятно, в Клеркенвелле, в семье американцев. Его отец был часовщиком из Филадельфии, который вернулся с семьей в Америку, когда будущему художнику исполнилось пять лет. Мальчик был отдан в ученики к книготорговцу, но его истинное призвание определилось благодаря портрету Кука, английского трагика, гастролировавшего в Филадельфии, который он исполнил. Эта работа привлекла столько внимания среди друзей Лесли, что была организована подписка с целью отправить его в Англию, причем его хозяин-книготорговец внес щедрый вклад. В 1811 году Лесли стал студентом Королевской академии художеств и получал наставления от своих соотечественников Вашингтона Олстона и Бенджамина Уэста. Тем не менее Лесли считал обучение малополезным. Он говорил, что при наличии материалов человек сам себе лучший учитель, и упоминал «мудрое пренебрежение Фюзели» к студентам Академии. Вероятно, под влиянием примера Олстона и Уэста Лесли начал с обращения к классическому искусству. Он упоминает, что читал «Телемака» с целью найти сюжет, и среди его ранних работ были «Саул и аэндорская волшебница». Даже когда он приступил к созданию сюжетов по Шекспиру, он обратился прежде всего к историческим пьесам и написал «Смерть Ратленда» и «Сцену убийства из „Макбета“». В отличие от Уилки и Малреди, Лесли не стремился создавать сюжеты для своих картин. Он предпочитал бродить по литературе и отыскивать для своего холста сцену или эпизод. Уилки выдумывал сценки, иллюстрирующие праздники низших классов, Малреди выбирал подобные же происшествия; Лесли же выпало перенять «высокую комедию». Подобно своему соотечественнику и советчику Вашингтону Ирвингу, он несомненно посетил немало уголков тихой английской провинции, и один из них воспроизведен на его известном полотне «Сэр Роджер де Кэверли по дороге в церковь», экспонировавшемся в 1819 году. Ранее он уже продемонстрировал свое мастерство в комических сюжетах, написав «Энн Пейдж и Слендер». Лесли открыл свое истинное призвание и продолжил трудиться в области высокого бытового жанра с неизменным успехом. Покровительство лорда Эгремонта, для которого он написал в 1823 году «Санчо Пансу в покоях герцогини», послужило средством получения множества заказов. Картина в Национальной галерее, репродукцию которой мы приводим, представляет собой авторское повторение с небольшими изменениями, выполненное много лет спустя. Он женился в 1825 году, а годом позже стал действительным членом Академии. В 1831 году он выставил «Обед в доме Пейджа» по пьесе «Виндзорские насмешницы» — одно из лучших своих произведений. Ни один художник не знакомил нас столь близко с восхитительным старым пьяницей Фальстафом, с Бардольфом и той веселой компанией, что пила сакере в таверне «Кабанья голова» в Истчепе. В собрании Шипшанкса хранится повторение «Обеда в доме Пейджа», слегка отличающееся от первого и несущее следы влияния Констебла. В 1833 году Лесли был назначен преподавателем рисунка в Американской академии в Вест-Пойнте и вместе с семьей переселился туда. Это было ошибкой, и в течение года художник вернулся в Англию. Он иллюстрировал Шекспира, Сервантеса, Голдсмита и Стерна, причем последний подарил ему сюжет для «Дяди Тоби и вдовы Уэдман». В 1838 году Лесли по просьбе королевы написал «Коронацию Ее Величества» — картину, весьма непохожую на привычные изображения государственных церемоний. В 1841 году ему заказали полотно «Крещение королевской принцессы». Семейная жизнь Лесли протекала мирно и счастливо, пока смерть дочери не нанесла ему удар, от которого он так и не оправился. Он скончался 5 мая 1859 года. Мистер Редгрейв говорит о его искусстве: «Лесли проник в подлинный дух писателя, которого иллюстрировал. Его персонажи предстают теми самыми людьми, что заполнили наше сознание. Красота, изящество и утонченность — разнообразные, полные характера или искрящиеся мягким юмором — очаровательно запечатлены его кистью; в то же время более гротескные персонажи иного толка благодаря его тонкому пониманию юмора переданы не менее правдиво и притом при полном отсутствии какого-либо налета вульгарности. Трактовка сюжета настолько проста, что мы теряем ощущение картины и чувствуем, будто созерцаем событие так, как оно непременно должно было произойти. Он рисовал правильно и с врожденным чувством изящества. Его колорит приятен, костюмы просты и уместны».

Капитан Мэхит. Автор: НЬЮТОН. 1826 г. Находится в собрании маркиза Лансдауна.

Д ЖИЛБЕРТ С ТЮАРТ Н ЬЮТОН (1794—1835), связанный с Лесли дружбой и общностью вкусов, родился в Галифаксе, Новая Шотландия. В 1817 году, путешествуя по Европе, Ньютон встретился с Лесли в Париже и вернулся с ним в Лондон. Он был студентом Академии и вскоре привлек к себе внимание картинами «Покинутая», «Ссоры влюбленных» и «Недогадливый автор», которые экспонировались в Британском институте. Ньютон начал выставляться в Академии в 1823 году и восхитил публику полотнами «Дон Кихот в своем кабинете» и «Капитан Мэхит, усовещеваемый Полли и Люси». В 1828 году он превзошел эти работы картиной «Викарий Уэйкфилдский мирит свою жену с Оливией» и был избран ассоциативным членом Королевской академии художеств (А.Р.А.). За ними последовали «Йорик и гризетка», «Корделия и враг», «Порция и Бассанио» и подобные им произведения. В 1832 году Ньютон стал действительным членом Академии, посетил Америку, женился и вернулся с женой в Англию. Короткий оставшийся период его жизни был омрачен великим горем: рассудок изменял ему, и после выставки своей последней картины, «Абеляр в своем кабинете», он окончательно сошел с ума.

О ОГЮСТ ЛЕОПОЛЬД ЭГГ (1816—1863) родился на Пикадилли и, став живописцем, выбирал сюжеты, подобные тем, что писали Лесли и Ньютон. Он был лишен юмора Лесли; более того, большинство сюжетов Эгга меланхоличны. Его первые работы представляли собой виды Италии и иллюстрации к романам Скотта, которые не привлекли особого внимания. «Жертва» обещала большее. Эгг выставлял картины в галерее на Саффолк-стрит, а в 1838 году «Испанская девушка» появилась в Королевской академии художеств. Ухудшение здоровья заставило его проводить зиму за границей, и 23 марта 1863 года он умер в Алжире, где и был похоронен на уединенном холме. За три года до смерти Эгг стал действительным членом Академии. Отмечают, что у него было большее чувство цвета, чем у Лесли, хотя в этом отношении он уступал Ньютону. По манере исполнения он далеко превзошел шаткую манерность последнего. Женские образы в его работах лишены сладкой красоты и мягкости, присущих Лесли. В Национальной галерее хранится «Сцена из "Хромого беса"», в которой заметна виртуозность исполнения Эгга. В поздние годы он частично разделял взгляды прерафаэлитов, и их влияние прослеживается в картине «Пепис представляет Нелл Гвинн» и в сцене по роману Теккерея «Эсмонд». Другими примечательными картинами являются «Жизнь и смерть Бекингема»; «Петр Великий впервые видит Екатерину, свою будущую императрицу»; «Ночь перед битвой при Нейзби»; и «Екатерина и Петруччо».

Э ДВИН Г ЕНРИ Л АНДСИР (1802—1873) занимал выдающееся положение среди английских анималистов. Ни один художник не сделал больше для того, чтобы научить нас любить животных и утвердить истину о том, что —

"He prayeth best who loveth best

All things both great and small."

Капитан Мэхит. Автор: НЬЮТОН. 1826 г. Находится в собрании маркиза Лансдауна.

Ландсир не только соперничал с некоторыми голландскими мастерами XVII века в передаче шерсти и перьев, но и изображал животных с таким сочувствием, словно верил, что «немые, погоняемые стада» обладают душами. Его собаки и другие животные настолько очеловечены, что кажутся способными говорить. Живописец был сыном Джона Ландсира, гравёра, и родился в Лондоне. Он брал уроки искусства у своего отца и уже ребенком делал наброски ослов, лошадей и коров на Хэмпстед-Хит. Некоторые из этих набросков, выполненных, когда Ландсиру было пять, семь и десять лет, хранятся в Кенсингтоне. Ему было всего четырнадцать, когда он выставил головы «Суки и щенка пойнтера». В возрасте от шестнадцати до семнадцати лет он создал картину «Дерущиеся собаки», которая была выгравирована отцом художника. Еще большей популярностью пользовались «Собаки на перевале Сент-Готард, спасающие путника в беде», появившиеся, когда их автору было восемнадцать. Ландсир не был учеником Хейдона, но получал от него периодические советы. Он препарировал льва. Как только ему исполнилось двадцать четыре года, его избрали ассоциативным членом Академии (A.R.A.), и он выставил в Академии «Охоту на Чейви-Чейз». Это произошло в 1826 году, а в 1831 году он стал действительным членом Академии. Ландсир побывал в Шотландии в 1826 году, и с этого времени прослеживается изменение в его стиле, который отныне стал гораздо менее плотным, правдивым и детальным, обретя большую свободу и смелость. Введение в картины оленей, как, например, в «Детях тумана», «Поиске убежища» и «Загнанном олене», знаменовало влияние шотландских впечатлений. Ландсир был возведен в рыцарское достоинство в 1850 году, а на Всемирной выставке в Париже в 1855 году был удостоен единственной большой золотой медали, присужденной английскому художнику. Процветающий, популярный и желанный гость у высочайших особ королевства, около 1852 года он перенес болезнь, которая заставила его отойти от общества. Он оправился от нее, но последствия железнодорожной катастрофы 1868 года привели к рецидиву. Он умер в 1873 году и был похоронен в соборе Святого Павла. После смерти сэра Чарльза Истлейка в 1865 году ему предлагали пост президента Королевской академии художеств, но от этой чести он отказался. В Национальной галерее хранятся «Спаниели породы короля Карла», «Низменная и высокая жизнь», «Шотландская музыка» (горский волынщик срывает звуком волынки трапезу группы из пяти голодных собак), «Загнанный олень», «Мир» (репродукцию которого мы приводим), «Война» (умирающие и мертвые лошади, а также их всадники, лежащие среди горящих развалин хижины), «Достоинство и наглость», «Александр и Диоген», «Поражение Комуса» — эскиз для фрески в летнем павильоне королевы в Букингемском дворце. Шестнадцать работ Ландсира находятся в коллекции Шипшанкса, включая трогательное полотно «Главный плакальщик старого пастуха», о котором мистер Раскин сказал, что оно «определяет его автора не как аккуратного имитатора текстуры шкуры или складок драпировки, а как человека мысли».

Мир. Автор: ЛАНДСИР. 1846 г. В Национальной галерее.

У ИЛЬЯМ БОКСАЛ (1800—1879), после обучения в школах Королевской академии художеств и в Италии, выставил в Королевской академии в 1829 году свою первую картину — «Примирение Мильтона с женой» — и продолжал участвовать в ее выставках до 1866 года. Хотя его первые работы носили исторический и аллегорический характер, в конце концов он прославился как портретист и числил среди своих моделей некоторых из самых выдающихся людей того времени — поэтов, художников, искусствоведов и других, например Копли Филдинга, Дэвида Кокса, Кольриджа, Вордсворта. В 1852 году Боксал стал кандидатом в члены, а в 1864 году — действительным членом Королевской академии художеств; с 1865 по 1874 год он был директором Национальной галереи; а в 1871 году был удостоен звания рыцаря в знак признания его ценных заслуг перед искусством.

П АУЛ Ф АЛКОНЕР П УЛЬ (1810—1879), мастер бытового жанра высокого класса, а также исторической живописи, выставил свою первую картину в Академии в 1830 году — «Колодец, сцена в Неаполе». В 1838 году он написал «Отъезд эмигрантов». Среди других его картин — «Майская королева, готовящаяся к танцу», «Бегство Главки и Ионы», «Седьмой день Декамерона». Среди исторических работ этого художника — «Видение Иезекииля» (Национальная галерея) и другие. Пуль стал действительным членом Академии в 1860 году.

Д ЖОРЖ Х ЕММИНГ М ЕЙСОН (1818—1872), уроженец Витли, графство Стаффордшир, обнаружил, что на пути искусства лежат сплошные трудности. Его отец настаивал на том, чтобы он посвятил себя медицине, и определил его к доктору Уоттсу из Бирмингема. Когда дом доктора посетил портретист, молодой Мейсон одолжил его коробку с красками и без посторонней помощи создал картину такого многообещающего качества, что художник посоветовал ему заняться искусством. Мейсон покинул дом доктора, отправился в Италию и без каких-либо учителей выработал оригинальный стиль, отличающийся простотой композиции, утонченностью колорита, деликатностью светотени и выразительным пафосом. В 1868 году он был избран ассоциативным членом Академии (A.R.A.), но умер от болезни сердца, не успев стать действительным членом. Самые известные работы Мейсона — «Кампанья ди Рома», «Гусь», «Возвращение с пахоты», «Потерянная подкова», «Вечерний гимн» и незавершенный «Жатвенный месяц».

Р ОБЕРТ Б РАЙТВЕЙТ М АРТИНО (1826—1869), сын одного из мастеров канцелярского суда и племянник мисс Мартино, начал свой жизненный путь в качестве клерка по контракту у стряпчего. После четырех лет изучения права он оставил его ради более яркой сферы искусства и поступил в школы Академии. В 1852 году Мартино выставил в Академии картину «Урок письма Кита» по мотивам «Лавки древностей», которая обозначила круг излюбленных им сюжетов. Его полотна «Последний день в старом доме» и «Последняя глава» благодаря оригинальности замысла и изысканной живописи принесли художнику славу, которой ему не довелось долго наслаждаться. Он умер от болезни сердца.

Д ЖОН Ф РЕДЕРИК Л ЬЮИС (1805—1876), сын выдающегося лондонского гравёра, начал свой путь в искусстве с написания этюдов животных, а в 1828 году был избран членом Общества акварелистов. Впоследствии он путешествовал по Испании и Италии, написав множество полотен, таких как «Испанская корида», «Проповедь монахов в Севилье» и др., а оттуда отправился на Восток, где провел несколько лет. Он вернулся в Англию в 1851 году, а четыре года спустя стал президентом Общества акварелистов. В 1856 году он выставил «Франкский лагерь в пустыне Синайской горы», которую мистер Раскин назвал «кульминацией акварельного рисунка». В том же году он начал писать масляными красками и часто выставлял картины из восточной жизни, такие как «Встреча в пустыне», «Турецкая школа», «Кафе в Каире» и др. В 1859 году он стал ассоциированным членом Королевской академии художеств, а в 1866 году — действительным членом. В Музее Южного Кенсингтона хранятся два акварельных рисунка Льюиса — «Привал в пустыне» и «Крестьяне Шварцвальда», а также несколько его этюдов с натуры.

Арабский писец. Автор: ДЖОН ФРЕДЕРИК ЛЬЮИС. 1852 г.

Э ДВАРД М АТТЬЮ У ОРД (1816—1879) стал студентом Академии по совету Уилки, который видел его первую картину — портрет мистера О. Смита в образе Дон Кихота. В 1836 году Уорд учился в Риме. Оттуда он направился в Мюнхен и изучал фресковую живопись под руководством Корнелиуса. В 1839 году он вернулся в Англию и выставил «Чимабуэ и Джотто». Участвуя в конкурсе на роспись зданий парламента, он создал картину «Боудика», которая была отмечена поощрением, но не получила премии. Широкую известность ему принесло полотно «Доктор Джонсон читает рукопись "Викария Уэйкфилдского" Голдсмита». За ним последовала картина «Доктор Джонсон в приемной лорда Честерфилда», и художник был избран ассоциативным членом Академии (A.R.A.). Это произведение, а также «Опала лорда Кларендона», «Крах Компании Южных морей» и «Яков II получает известие о высадке Вильгельма Оранского» находятся в Национальной галерее. В 1852 году и позже Уорд исполнил восемь исторических картин в коридоре Палаты общин. В 1855 году он был избран королевским академиком. Его картины слишком хорошо известны, чтобы нуждаться в описании; самыми популярными среди них являются «Шарлотта Корде на пути к казни», «Казнь Монтроза», «Последний сон Аргайла», «Мария-Антуанетта расстается с дофином», «Последние минуты Карла II», «Ночь убийства Риццо», «Граф Лестер и Эми Робсарт», «Судья Джеффрис и Ричард Бакстер».

Ф РЕДЕРИК У ОЛКЕР (1840—1875) умер как раз тогда, когда оправдал надежды, подававшиеся в юности. Проведя некоторое время в конторе архитектора и землемера, он оставил это чуждое ему поприще ради занятий искусством. Он время от времени учился в школах Академии и начал свой творческий путь с иллюстраций к роману Теккерея «Филипп» в журнале «Корнхилл», заслужив тем самым большую похвалу. Он стал членом Старого общества акварелистов и ассоциативным членом Академии (A.R.A.). Его многообещающая карьера оборвалась из-за смерти в Сент-Филленсе, Пертшир, в 1875 году: молодой художник был похоронен в своем любимом Кукхэме на Темзе. Его главные работы — «Потерянная тропа», «Купальщики», «Бродяги», «Старые ворота», «Плуг», «Убежище» и «Право прохода». Мистер Редгрев сказал: «Его гений был подлинно и поразительно оригинален. Его работы отмечены собственным методом; рисунок, колорит и исполнение — все одинаково присуще только ему. Они одновременно изысканны и трогательны по настроению и новаторски трактуют природу и ее эффекты. Его фигуры несут в себе истинное чувство деревенской жизни в сочетании с грацией линий античности».

Наша деревня. Автор: ФРЕДЕРИК УОЛКЕР. Экспонировалось на выставке Общества акварелистов. 1873 г.

Г АБРИЕЛЬ Ч АРЛЬЗ Д АНТЕ Р ОССЕТТИ (1828—1882), поэт и живописец, писавший на религиозные сюжеты и сцены по мотивам произведений Данте, был сыном итальянского патриота, политического эмигранта, который стал профессором итальянского языка в Королевском колледже в Лондоне. В 1849 году он выставил в Портлендской галерее свою первую картину, «Юность Девы Марии», и стал основателем братства прерафаэлитов, в которое вошли Милле, Холман Хант и другие ныне знаменитые художники. Самые известные картины Россетти — «Сон Данте» (ныне в Ливерпуле), «Дева Святого Грааля», «Последняя встреча Ланселота и Гвиневеры», «Возлюбленная» (иллюстрация к «Песни песней») и «Прозерпина». Он редко выставлял свои полотна публично, но их видели художественные критики, один из которых писал (в 1873 году): «Почти во всем, что создает мистер Россетти, проявляются избыток мощи, избыток поэзии богатого порядка, благородные технические дарования, мощь замысла и удивительно широкий диапазон мысли и изобретательности».

Он был одинаково знаменит как автор сонетов и переводчик итальянской поэзии.

В задачи данного труда не входит рассмотрение живущих ныне художников. Чтобы рассказать обо всех знаменитых живописцах, потребовался бы еще один том. За прошедшее десятилетие искусство неуклонно продвигалось вперед, и мы можем с уверенностью сказать, что никогда еще ряды королевских академиков и двух обществ акварелистов не пополнялись столь достойно, как в наши дни. Последняя четверть XIX века сулит стать золотым веком в истории британского искусства.

ЖИВОПИСЬ В АМЕРИКЕ. ——— А ВТОР: С. Р. КЁЛЕР.

ЖИВОПИСЬ В АМЕРИКЕ. ВВЕДЕНИЕ.

История искусства в Америке в действительности представляет собой лишь летопись затухания последних отголосков течений, зародившихся в Европе. Хотя западный континент породил новые политические идеи и новые формы правления, ни одно из его государств — даже величайшее из всех, Соединенные Штаты Северной Америки, которым будет посвящена эта глава — до сих пор не создало национального искусства или какого-либо заметного влияния, за единственным исключением, на формирование мирового искусства. И этому не стоит удивляться. Новизна страны, изначально смешанный состав населения и непрекращающийся приток иностранцев вместе с нехваткой учебных заведений и, как следствие, необходимостью искать образования в Европе — вот причины, достаточные для объяснения этой видимой аномалии. Даже те из отечественных живописцев Соединенных Штатов, которые вообще держались вдали от Старого Света или посетили его слишком поздно, чтобы испытать сильное влияние, обнаруживают лишь немногие следы решительной оригинальности как в замысле, так и в исполнении. Они также находились под обаянием, несмотря на то, что оно не могло воздействовать на них напрямую. Предпринимались попытки объяснить это положение дел, предполагая неспособность к искусству у народа этой страны и неблагоприятную для его развития атмосферу, порожденную окружающими обстоятельствами. Однако эти выводы неверны. Что касается технического мастерства, американцы — как коренные, так и натурализованные — всегда демонстрировали замечательную способность к обучению, и скорость, с которой плотники, маляры карет и вывесок, особенно в ранний период истории страны, превращались в респектабельных портретистов почти без всякого обучения, всегда будет вызывать изумление. Из тех, кто отправился за границу в то время, Англия вновь приняла четырех человек, ставших знаменитыми (Уэст, Копли, Ньютон, Лесли), и она до сих пор с гордостью указывает на них как на наиболее заметных в своем списке художников. Не утрачено это качество и с течением времени. Напротив, ему способствовало усердное применение; и успехи, достигнутые американскими студентами, зафиксированы в анналах Французского салона. Однако есть одна любопытная черта, которая будет становиться все более очевидной по мере прослеживания истории искусства в Америке, а именно — отсутствие национального элемента в разрабатываемых сюжетах. Если исключить кратковременную вспышку патриотического духа в искусстве того, что можно назвать периодом Революции, и явное предпочтение, отдаваемое американским пейзажам пейзажистами примерно середины нынешнего столетия, можно сказать, что художники этой страны, как правило, заимствовали вместе с техническими приемами и сюжеты Старого Света; что они предпочитали горы Италии и тихие деревушки Франции холмам Новой Англии и Скалистым горам Запада, араба — индейцу, а историю Старого Света — летописи собственных предков. Даже борьба за уничтожение последних пережитков рабства, ставшая великим делом, порученным этому поколению, вызвала столь малые проявления в искусстве (причем немногие из них выпадают за рамки настоящей главы), что было бы недалеко от истины сказать, будто она не оставила после себя никаких следов. Все это, впрочем, не вина художников, за исключением того, что они сами являются частью нации. Вина лежит на народе в целом, чьи сокровенные мысли и высшие устремления художникам всегда суждено воплощать в видимой форме. Нет сомнений, судя по свидетельствам, уже данным американскими живописцами, что они справятся с этой задачей, если им когда-либо придется применить свое мастерство в создании произведений монументального искусства.

Историю живописи в Америке можно разделить на четыре периода: — 1. Колониальный период — до эпохи Революции; 2. Период Революции — художники, бывшие очевидцами и участниками Войны за независимость; 3. Период внутреннего развития — примерно с начала века до гражданской войны; 4. Период современности. Как видно, названия этих разделов взяты из политической, а не из художественной истории страны. И в самом деле, было бы трудно найти другие отличительные признаки, позволяющие дать краткую номенклатуру. Что касается влияний, действовавших в различные периоды, можно сказать, что колониальный и революционный полностью находились под господством Англии. В начале третьего периода влияние Англии продолжалось, но к нему добавилось влияние Италии. Позднее ряд американских художников учился в Париже, не подпав, однако, под влияние романтической школы, а к середине века многие из них увлеклись Дюссельдорфом. Некоторое влияние оказали и английские прерафаэлиты, но оно нашло выражение скорее в литературном плане, чем в реальном художественном исполнении. Наконец, в четвертом, современном периоде первенство перешло к колористическим школам Парижа и Мюнхена, которым присягнули на верность почти все молодые художники.

ПЕРВЫЙ, ИЛИ КОЛОНИАЛЬНЫЙ ПЕРИОД.

Картины колониального периода, дошедшие до наших дней и имеющие отношение к Америке, почти без исключения представляют собой портреты. Многие из них, разумеется, были привезены из Англии и Голландии; но о том, что в Колониях уже в 1667 году жили свои живописцы, свидетельствует отрывок из «Магналии» Коттона Мэзера, процитированный Таккерманом. Совершенно естественно, что эти «миниатюристы» (limners — любимое обозначение, применявшееся тогда к художникам) были не самого высокого покроя. Мастера с репутацией не чувствовали призвания жить в глуши, и потому произведения начала этого периода большей частью грубы и жестки. Несколько таких ранних портретов можно увидеть в Мемориальном холле Гарвардского университета в Кембридже, шт. Массачусетс.

Первые художники, чьи имена дошли до нас, родились не на этой земле. Честь стоять во главе списка принадлежит Д ЖОНУ У ОТСОНУ (1685—1768), шотландцу, обосновавшемуся в Перт-Амбое, шт. Нью-Джерси, в 1715 году. Ни один из его портретов в настоящее время неизвестен, но на Хронологической выставке американского искусства, проходившей в Бруклине, шт. Нью-Йорк, в 1872 году, экспонировался выполненный им на пергаменте рисунок тушью «Венера и Амур». Лучшая участь выпала на долю произведений Джона Смайберта, еще одного шотландца, приехавшего в Род-Айленд в 1728 году с деканом, а впоследствии епископом Беркли, в предполагаемом колледже которого он должен был преподавать (вероятно, это был первый шаг в области художественного образования, предпринятый в Колониях). Смайберт обосновался и женился в Бостоне, где умер в 1751 или 1752 году. Он не был выдающимся художником, хотя его важнейшая работа, «Семья епископа Беркли» — большая группа, в которую он включил собственный портрет, находящаяся ныне в собрании Йельского колледжа в Нью-Хейвене, шт. Коннектикут, — показывает его смелым и не лишенным таланта. Однако не все картины, приписываемые ему, соответствуют этому уровню. Весьма скверный пример с его именем можно увидеть в портрете Джона Ловелла в Мемориальном холле Гарвардского университета. Влияние, оказанное Смайбертом на развитие искусства в Америке, объясняется скорее случайностью, чем реальным преподаванием. Он привез с собой копию головы кардинала Бентивольо работы Ван Дейка, выполненную им в Италии и до сих пор хранящуюся в упомянутом Холле. Именно эта копия впервые вдохновила Трамбулла и Оллстона любовью к искусству и дала им представление о цвете. Из других иностранцев, посетивших Колонии в этот период, более известны БЛЭКБЕРН, англичанин, бывший современником или непосредственным преемником Смайберта, которого некоторые считают учителем Копли; УИЛЬЯМС, другой англичанин, живописавший примерно в то же время в Филадельфии и, как полагают, оказавший значительное влияние на молодого Уэста; и КОСМО АЛЕКСАНДР, шотландец, приехавший в Америку в 1770 году и бывший первым учителем Стюарта.

Самым ранним отечественным живописцем, оставившим после себя заметный след, является Роберт Феке, чья жизнь окутана тайной романтики. Происходя из квакерской семьи и порвав со своими близкими из-за религиозных разногласий, он покинул дом и каким-то образом оказался пленным в Испании, где, как говорят, выполнял грубые картины, на выручку от продажи которых сумел вернуться домой. Феке писал в Филадельфии и других местах примерно в середине прошлого столетия, и его портреты, по словам Таккермана, считаются лучшими колониальными семейными портретами после работ Уэста. Образцы его творчества можно увидеть в собраниях Боудин-колледжа в Брансуике, шт. Мэн; Атенеума Редвуд в Ньюпорте, шт. Род-Айленд; и Исторического общества Род-Айленда в Провиденсе, шт. Род-Айленд.

Ближайший к Феке по времени — хотя его более поздние современники Уэст и Копли были раньше известны как художники, а первый даже стал его учителем в Англии — МАТТЬЮ ПРАТТ (1334—1805), начавший свой путь в качестве маляра вывесок в Филадельфии. О творчестве Пратта часто отзываются небрежно, и оно обычно не получает той похвалы, которой заслуживает. Его портрет в полный рост лейтенант-губернатора Кадвалладера Колдена, написанный для Нью-Йоркской торговой палаты в 1772 году и до сих пор находящийся в ее залах, показывает его весьма респектабельным художником с чувством цвета, опережающим то, что демонстрировал Копли в своих ранних работах. Еще один отечественный художник этого периода, Генри Бембридж, представляет интерес главным образом потому, что он, как утверждают, учился у Менгса и Баттони, что делает его одним из первых американских живописцев, побывавших в Италии. Он, судя по всему, писал преимущественно в Чарлстоне, шт. Южная Каролина, и его портреты описываются как исключительно строгие по своему виду.

Однако самыми знаменитыми живописцами этого периода и единственными, чья слава выходит за рамки местной, являются Джон Синглтон Копли и Бенджамин Уэст. Но поскольку оба они покинули свою страну в раннем возрасте и никогда больше не возвращались, они принадлежат скорее Англии, чем Америке.

К ОПЛИ (1737—1815) был уроженцем Бостона и не отправлялся в Европу до 1774 года, когда его репутация была уже прочно установлена. В 1760 году его доход в Бостоне составлял триста гиней. Сначала он отправился в Италия, а оттуда в Лондон, где и обосновался. Высказывались различные предположения относительно возможных учителей Копли. Несомненно, он получал некоторую помощь от своего отчима Петера Пелема, школьного учителя и весьма посредственного гравёра в технике меццо-тинто; также предполагалось, что он мог пользоваться наставлениями Блэкберна. Однако это представляется маловероятным, судя как по фактам, так и по преданиям. Копли, несомненно, был по сути самоучкой, и модели, на которых он, вероятно, формировал свой стиль, сохранились до сих пор. Некоторые из них включены в коллекцию Мемориального холла Гарвардского университета. Один из этих портретов — портрет Томаса Холлиса, благотворителя университета, умершего, когда Копли было всего шесть лет, настолько похож на работы последнего не только по замыслу, но даже по бледности телесных оттенков и холодному серому цвету теней, что его легко принять за одно из его ранних произведений. В Англии Копли стал живописцем аристократии и исполнил значительное число крупных исторических полотнам, в основном на современные сюжеты. Он скорее изящен, чем мощен, и весьма успешен в передаче тканей. Его колорит, поначалу холодный и довольно негармоничный, улучшался с опытом, хотя его называли несовершенным в этом отношении даже в более поздние годы. Самая знаменитая картина Копли — «Смерть графа Чатема». Множество образцов его мастерства портретиста можно увидеть в Музее изящных искусств в Бостоне и в Мемориальном холле Гарвардского университета, причем последняя коллекция включает прекрасный портрет миссис Томас Бойлстон. Публичная библиотека Бостона владеет одной из его крупных исторических картин — «Карл I требует выдачи пяти членов парламента».

Б ЕНДЖАМИН У ЭСТ (1738—1820) родился в семье квакеров в Спрингфилде, шт. Пенсильвания, и в возрасте восемнадцати лет успешно работал портретистом в Филадельфии. В 1760 году он отправился в Рим, и считается, что он был первым американским художником, появившимся там. Три года спустя он переехал в Лондон, где стал ведущим историческим живописцем, любимцем короля и президентом Королевской академии художеств. Его великие религиозные и исторические композиции, из которых сравнительно немного можно увидеть в его родной стране ( «Король Лир» в Музее изящных искусств в Бостоне; «Смерть на бледном коне» и «Христос Отверженный» в Пенсильванской академии в Филадельфии), представляют его амбициозным и расчетливым, а не вдохновенным художником с ярко выраженным чувством цвета. Его влияние на искусство в целом проявилось в отказе изображать участников его «Смерти генерала Вулфа» в классических костюмах, согласно обычаю. Облачив их в их реальные одежды, он продвинул искусство на шаг вперед в реалистическом направлении — это единственный отмеченный случай руководящего импульса, данного искусству американцем, но вполне отвечающий духу Нового Света. Влияние Уэста на искусство собственной страны отныне ограничивалось горячим участием, которое он принимал к многочисленным студентам следующего поколения, стекавшимся в Англию для учебы под его руководством.

Смерть на бледном коне. Автор: УЭСТ. 1817 г. В Пенсильванской академии, Филадельфия. [Авторское право, 1879, Harper and Brothers.]

ВТОРОЙ, ИЛИ РЕВОЛЮЦИОННЫЙ ПЕРИОД.

Период Революции во многих отношении является самым интересным разделом не только в политической, но и в художественной истории Соединенных Штатов. Это так не только потому, что он оставил нам живописную летопись людей и событий важнейшей эпохи в развитии человечества, но и потому, что он породил двух художников, которые, будучи глубоко американскими по своим устремлениям, в то же время обладали художественными качествами высочайшего порядка. Гилберт Стюарт и Джон Трамбулл, упомянутые два живописца, имеют право считаться лучшими среди американских художников прошлого и всегда будут занимать видное место в истории своего искусства, даже если бы можно было забыть о тех бурных событиях, с которыми они были связаны.

Генерал Нокс. Автор: ГИЛБЕРТ СТЮАРТ [Авторское право, 1879, Harper and Brothers.]

Г ИЛБЕРТ С ТЮАРТ родился в Наррагансетте, шт. Род-Айленд, в 1755 году и умер в Бостоне в 1828 году. Он был шотландского происхождения, и уже упоминалось, что Космо Александр, шотландец, был его первым учителем. После нескольких визитов в Европу, во время второго из которых он учился у Уэста, Стюарт окончательно вернулся в 1793 году и начал писать серию национальных портретов, которые навсегда сделают его дорогим сердцу патриотичного американца. Среди них наиболее знамениты его многочисленные изображения Вашингтона, существующие во многих копиях его собственной работы. Наибольшей популярностью пользуется, пожалуй, так называемая атенейская голова, которая вместе со своим парным портретом миссис Вашингтон является собственностью Атенеума Бостона и передана этим учреждением в Музей изящных искусств того же города. Однако первенство оспаривается «Вашингтоном Гиббса», который в настоящее время также можно увидеть в упомянутом музее. Он написан раньше другого и производит впечатление большей реалистической правдивости, тогда как атенейская голова кажется несколько идеализированной. Творчество Стюарта весьма неравномерно, так как он не был строгим хозяином своих финансов и часто писал только ради денег. Тем не менее в его лучших произведениях присутствуют поистине восхитительная чистота и богатство колорита в сочетании с силой характеристики, возвышающей портретную живопись до высшей сферы искусства. Следует, однако, сказать, что он концентрировал свое внимание почти исключительно на голове, часто пренебрегая руками и кистями рук, особенно у своих моделей-женщин, до неприятного предела. Множество превосходных образцов его работ, помимо портретов Вашингтона, можно найти в Музее изящных искусств в Бостоне и в собрании Нью-Йоркского исторического общества, причем последнее включает прекрасный портрет Эгберта Бенсона, написанный в 1807 году. Его шедевр — портрет судьи Стивена Джонса, принадлежащий мистеру Ф. Г. Ричардсу из Бостона, замечательно энергичная голова старика, теплая и сияющая по колориту, которую, как говорят, художник написал для собственного удовлетворения. Самая знаменитая работа Стюарта в Англии — «Мистер Грант на коньках». Когда этот портрет экспонировался как работа Гейнсборо на выставке «Старые мастера» в 1878 году, его происхождение было забыто, и его поочередно приписывали всем великим английским портретистам, пока он наконец не был возвращен своему истинному автору.

Смерть Монтгомери при штурме Квебека. Автор: Дж. Трамбулл. В Йельском колледже. [Авторское право, 1879, Harper and Brothers.]

Еще большее национальное значение имеет ДЖОН ТРАМБУЛЛ (1756—1843), поскольку он был историческим живописцем и портретистом, лично участвовал в качестве офицера американской армии во многих событиях Революции и был близко знаком со многими героями своих батальных полотен. Америка обладает в этом отношении преимуществом, которым не может похвастаться ни одна другая страна — тем, что у нее был художник, современник важнейшей эпохи ее истории, способный и желавший запечатлеть разворачивавшиеся вокруг него события. Полковник Трамбулл, сын Джонатана Трамбулла, колониального губернатора Коннектикута, учился в Гарварде и рано проявил склонность к искусству. В девятнадцать лет он вступил в американскую армию, но в 1780 году, оскорбленный мнимым пренебрежением, сложил с себя полномочия и отправился во Францию, а оттуда в Лондон, где учился у Уэста. О Трамбулле нельзя судить как о художнике по его крупным картинам в вашингтонском Капитолии, заказ на которые он получил только в 1817 году. Чтобы узнать его, нужно изучать его по меньшим работам и эскизам, собранным ныне в галерее Йельского колледжа, где можно увидеть его «Смерть Монтгомери», «Битву при Банкер-Хилле», «Декларацию независимости» и другие революционные сцены вместе с серией восхитительных миниатюрных масляных портретов, написанных с натуры в качестве материалов для его исторических произведений, а также рядом более крупных портретов, включая портрет Вашингтона в полный рост. Как портретист Трамбулл также представлен с лучшей стороны ростовым портретом Александра Гамильтона в залах Нью-Йоркской торговой палаты. Самое удачное из его крупных исторических полотен, «Вылазка из Гибралтара», написанное в Лондоне, находится в Музее изящных искусств в Бостоне. Гете, видевший небольшую картину «Битва при Банкер-Хилле» у гравёра Мюллера, высоко оценил ее, но раскритиковал колорит и мелкость голов. Правда, рисунок Трамбулла несколько условен и он питался слабость к удлиненным фигурам. Но его колорит, каким он предстает сегодня в его удачных ранних картинах, весьма ярок и гармоничен, хотя и вполне реалистичен. Однако в его более поздних работах, как показывают библейские сюжеты, также хранящиеся в Йельской галерее, наблюдается заметный упадок как в силе рисунка, так и в колорите. Из-за несчастливого стечения обстоятельств Трамбулл не получил должной оценки даже со стороны собственных соотечественников. Теккерей сразу признал его достоинства и предостерегал американцев никогда не презирать и не пренебрегать Трамбуллом — совет, который лишь теперь начинает привлекать заслуживающее его внимание.

Среди портретистов этого периода ЧАРЛЬЗ УИЛСОН ПИЛ (1741—1827) занимает лидирующее положение скорее благодаря количеству, чем качеству. Пил был типичным представителем определенной грани американского характера, воплощая беспокойство и поверхностность, заставляющие людей легко переключаться с одного занятия на другое. Он был зубным врачом, мастером на все руки по работе с самыми разными материалами, орнитологом и таксидермистом, дослужился до чина полковника в американской армии и основал музей естественной истории и искусства в Филадельфии. Но самой сильной его любовью, судя по всему, оставались изящные искусства. Среди четырнадцати портретов Вашингтона, которые Пил написал, согласно Таккерману, находится единственный портрет отца отечества в полный рост: он изображает его до Революции в мундире офицера колониальных сил Великобритании. Большое количество портретов работы Пила можно увидеть в Пенсильванской академии и в Зале Независимости в Филадельфии. Нью-Йоркское историческое общество владеет, помимо прочих его работ, портретом Вашингтона и групповым портретом семьи Пил из десяти фигур. Многие работы Пила грубы, но все его головы производят впечатление хорошего сходства.

Среди множества других художников этого периода мы можем выделить лишь нескольких, чьи имена сияют дополнительным блеском благодаря их связи с Вашингтоном.

Д ЖОЗЕФ У РАЙТ (1756—1793) был сыном Пейшенс Райт, моделировавшей головы из воска в Бордентауне, шт. Нью-Джерси, до Революции. Находясь в Англии, он написал портрет принца Уэльского. В 1783 году Вашингтон позировал ему после прохождения предварительной процедуры снятия гипсовой маски. Таккерман отзывается об этом портрете как о неэлегантном и нельстивом и характеризует художника как неидеального, но совестливого. Портрет Джона Джея работы Райта в залах Нью-Йоркского исторического общества позволяет вынести более благоприятное суждение. Он действительно несколько суров, но жизненен, хорошо скомпонован и выдержан в холодных тонах.

Э. Сэвидж (1761—1817) был, по-видимому, почти столь же разносторонен, как и Пил, подражая ему также в создании музея — сначала в Нью-Йорке, затем в Бостоне. Его портрет генерала Вашингтона в Мемориальном холле Гарвардского университета тщательно написан и ярок по колориту, но несколько безжизнен. Его «Семья Вашингтона» в Бостонском музее (развлекательном заведении, которое не следует путать с Музеем изящных искусств), которую он выгравировал сам, обладает схожими качествами. Его небольшая картина, также хранящаяся в Бостонском музее и изображающая «Подписавших Декларацию независимости в Карпентерс-холле», интересна по своему сюжету, но не имеет большого художественного достоинства. Портрет доктора Ханди, напротив, приписываемый ему и находящийся в Нью-Йоркском историческом обществе, — весьма достойная работа, хорошая по колориту, с лучистой кожей и простой лепкой форм.

В ИЛЬЯМ Д АНЛАП (1766—1839), наконец, также может быть упомянут здесь в связи с его портретом Вашингтона (написанным, когда художнику было всего семнадцать лет), хотя он больше принадлежит к следующему периоду и имеет большее значение как писатель, нежели как живописец. В 1834 году он опубликовал «Историю видов искусства в Соединенных Штатах» — книгу ныне весьма редкую и разыскиваемую. Групповой портрет самого себя и своих родителей, исполненный в 1788 году, находится в собрании Нью-Йоркского исторического общества.

ТРЕТИЙ ПЕРИОД, ИЛИ ПЕРИОД ВНУТРЕННЕГО РАЗВИТИЯ.

Пример Трамбулла не нашел последователей. Единственным другим американским художником, сделавшим своей специализацией историю своей страны, похоже, был ДЖОН БЛЕЙК УАЙТ (1782—1859), уроженец Чарлстона, шт. Южная Каролина, писавший такие сюжеты, как «Миссис Мотт вручает стрелы», «Мэрон приглашает британского офицера на обед» и «Битвы при Нью-Орлеане» и Ютау, помещенные в Капитолии Южной Каролины. Однако слава Уайта носит сугубо местный характер, и потому невозможно точно оценить его достоинства. Если бы художников, обращавшихся к подобным сюжетам, было больше, могла бы возникнуть национальная школа; но ни народ, ни правительство не проявляли интереса к планам полковника Трамбулла. Пришлось прибегнуть к всевозможным ухищрениям, чтобы побудить Конгресс дать художнику заказ, и результат принес разочарование всем вовлеченным; и когда позже было решено продолжить украшение вашингтонского Капитолия, резиденции правительства, для этой работы был выбран КАРЛО БРУМИДИ (1811—1880), итальянский художник старой школы. Здоровый импульс к реалистической исторической живописи, заданный Трамбуллом, таким образом угас, и все, что имеется в области исторической и фигуративной живописи в рассматриваемый период, в основном подчинено ложному идеализму, главным представителем которого является Вашингтон Оллстон. Соперничать со старыми мастерами, делать то, что уже было сделано до них, бежать от реального и близкого к нереальному и далекому, смотреть на монахов, рыцарей, разбойников и венецианских сенаторов как на воплощение поэтического (вопреки предупреждениям поэтов об обратном) — таков был теперь порядок дня; и потому вполне естественно, что немалая часть художников, отправлявшихся тогда в Европу, устремлялась в Италию. Именно в этот период были предприняты первые попытки создания академий художеств в Филадельфии и Нью-Йорке — попытки сами по себе вполне благие, поскольку эти учреждения были призваны обеспечить обучение на родине для подрастающего поколения, но все же указывавшие в том же направлении простого подражания угасающим фазам европейского искусства.