«Английские живописцы с главой об американских живописцах»

ЭДВАРД ГЕНРИ ВЕХНЕРТ (1813—1868), ФРЭНСИС УИЛЬЯМ ТОПХЭМ (1808—1877), ААРОН ЭДВИН ПЕНЛИ (1806—1870), ЭДВАРД ДАНКАН (1803—1882), Джордж Шалдерс (1826—1873), ДЖОРДЖ ХЕЙДОК ДОДЖСОН (1811—1880) — все они были членами того или иного Общества акварелистов и добились известности на различных поприщах искусства.

Староанглийское гостеприимство. Работы ДЖОРДЖА КАТТЕРМОЛА. 1839 г. н. э.

ГЛАВА VIII. АНГЛИЙСКОЕ ИСКУССТВО В XIX ВЕКЕ. — СЭР ТОМАС ЛОУРЕНС И ЕГО СОВРЕМЕННИКИ.

Прослеживая развитие британской живописи, мы видели, что в начале XVIII века английская публика выше всего ценила иностранных художников. Не было никакой веры в способность англичан создавать оригинальные произведения, а потому не давалось никакого поощрения борьбе с «рабством черных мастеров». Никто не осмеливался вывесить современную английскую картину, претендующую на оригинальность. Если требовался портрет, художник считал необходимым подражать Кнеллеру. Если нужен был пейзаж, считалось правильным искать его в Италии. Если живописец желал преуспеть, он был вынужден быть скорее домашним декоратором, чем художником. Мы видели также, как это заклятие было развеяно: сначала Хогартом, который имел мужество оставаться верным своей оригинальности, хотя на распродаже его картин появился лишь один покупатель; затем Рейнольдсом, который писал портреты как живых людей, а не простых кукол. Мы видели, как Вилсон и Гейнсборо создали школу английской пейзажной живописи и показали доселе пренебрегаемые красоты нашей собственной земли. Мы отмечали исторических живописцев, храбро боровшихся против пренебрежения: Бэрри, о котором никто не заботился, верившего в свое искусство, и Копли, который обращался с историей свежо и правдиво. Уэсту мы обязаны попыткой изобразить сцены из Священного Писания и смелым выступлением против нелепой моды, представлявшей любого воина, даже краснокожего индейца, облаченным в доспехи древнеримского солдата. И мы не должны забывать поэтические фантазии Ромни, драматическую силу Опи, изящество Стотхарда, великое вдохновение Блейка и дикие кошмарные иллюстрации Фюзели. Мы видели искусство, слишком долго состоявшее в браке с литературой и тем не менее делающее большие успехи благодаря тем, кто обратил свое внимание на книжную иллюстрацию и миниатюрную живопись, поднявшись до большой популярности. Мы наблюдали, как Королевская академия художеств улучшила социальное положение английских живописцев, которых прежде почитали за разновидность лучших домашних декораторов, и как учреждение Обществ акварелистов способствовало развитию отрасли искусства, которая, начавшись с наброска топографа, достигла высокого совершенства и красоты.

Среди выдающихся деятелей начала девятнадцатого века был —

Мастер Ламбтон. Работы ЛОУРЕНСА. 1825 г. н. э. Из собрания графа Дарема.

ТОМАС ЛОУРЕНС родился в 1769 году в Бристоле; его отец, получивший юридическое образование, был в то время владельцем постоялого двора. В раннем возрасте будущий живописец переехал с остальной семьей в гостиницу «Черный медведь» в Дивайзесе, куда его привели обстоятельства жизни старшего Лоуренса. Постоялый двор был известной почтовой станцией на пути в Бат, и у юного Томаса было вдоволь возможностей демонстрировать свои преждевременные таланты гостям, останавливавшимся там. Отец давал ему отрывочные уроки чтения и декламации. Природа наделила его чудесным художественным даром, и уже в пятилетнем возрасте прекрасного ребенка с длинными ниспадающими волосами представляли всем клиентам, и он декламировал Мильтона и Коллинза или писал их портреты в соответствии с их вкусами. Нам рассказывают, что в столь юном возрасте он нарисовал поразительно верное сходство леди Кеньон. Систематического образования Лоуренс почти не имел, за исключением двухлетней школы в Бристоле, но он многое почерпнул из бесед с выдающимися покровителями и друзьями в ранние годы. В 1779 году семья Лоуренсов переехала из Дивайзеса в Оксфорд, где мальчик нарисовал множество портретов. Покинув Оксфорд и обосновавшись в Бате, Лоуренс помогал нужникам семьи, рисуя портреты пастелью по гинее и по полторы гинеи за штуку. Его слава быстро распространилась. Миссис Сиддонс позировала ему, равно как и герцогиня Девонширская, а в 1785 году Общество искусств присудило ему свою серебряную палитру, «позолоченную по всему корпусу», за пастельную копию «Преображения» Рафаэля, исполненную Лоуренсом, когда ему было всего тринадцать лет. Лондон был наиболее подходящим местом для развития стольких талантов, какими обладал он, и потому старший Лоуренс отправился туда со своим сыном в 1787 году, и последний был зачислен студентом в Королевскую академию художеств. Он представил семь работ на выставку того же года, был представлен сэру Джошуа Рейнольдсу и принят им с добротой; великий живописец поддержал юношеский гений и посоветовал ему изучать природу вместо старых мастеров. Лоуренс последовал этому совету и избежал искушения опробовать методы колорита, оказавшиеся губительными для многих работ сэра Джошуа. Путь юноши был путем неизменного успеха. Король и королева проявляли к нему интерес. В 1791 году он был избран членом-корреспондентом Академии, а год спустя назначен придворным живописцем короля — должность, ставшую вакантной после смерти Рейнольдса. Общество дилетантов нарушило свои правила, чтобы сделать Лоуренса своим членом и живописцем общества; в 1794 году, когда художнику было почти двадцать пять лет, он был избран королевским академиком. Едва ли когда-либо живописец поднимался столь стремительно и с таких скромных оснований, и никогда студия не была столь переполнена ситтерами, как студия Лоуренса. Господа Редгрейвы, критикуя его портреты, говорят: «После Рейнольдса и Гейнсборо Лоуренс выглядит мило и живописно-научно; в нем нет той силы объединения фигуры с фоном — того слияния плоти с окружающим светом, которое видно на картинах первого президента. Работа Лоуренса кажется более поверхностной — поистине поверхностной, — тогда как его телесные тона не имеют природной чистоты тех, что принадлежат кисти двух его предшественников; мы находим их милыми у Лоуренса, но мы забываем о красках и живописи, глядя на лицо работы Рейнольдса или Гейнсборо». Те же критики отмечают в отношении детских портретов Лоуренса, что сэр Джошуа значительно превосходил его в этой отрасли искусства и что у первого «не было явного доступа в сокровенное сердце детства». С другой стороны, Фюзели, его современник, считал портреты Лоуренса столь же хорошими или даже лучшими, чем работы Ван Дейка, и рекомендовал художникам оставить надежду приблизиться к нему. В 1797 году Лоуренс выставил картину «Сатана, созывающий свои легионы», ныне принадлежащую Королевской академии художеств. Разнообразны и противоречивы критические отзывы об этой картине, являющейся честным образцом сил живописца в истории. Современный критик говорит о ней: «Фигура Сатаны колоссальна и нарисована с превосходным мастерством и рассудительностью». Фюзели, напротив, характеризует главную фигуру кратко и сильно как «чертовски скверную вещь, конечно, но не дьявола». Сам Лоуренс справедливо считал «Сатану» своей лучшей работой. После смерти Уэста в 1820 году Лоуренс был единогласно избран президентом Королевской академии художеств. Пятью годами ранее принц-регент возвел его в рыцарское достоинство. Иностранные академии осыпали его почестями. Он совершил поездку за границу по просьбе правительства, чтобы написать портреты различных прославленных лиц, участвовавших в борьбе с Наполеоном I. Десять лет спустя после вступления на президентское кресло Лоуренс скончался. Лучшие критики заявляют, что ему не может быть отведено высокое место среди живописцев. Значительная доля его популярности объяснялась тем, что он льстил своим моделям и следовал искусственному стилю того дня. В более поздние годы он утратил свежую силу своей молодости. Следует признать, однако, что он не был подражателем ни Рейнольдса, ни кого-либо еще, но трактовал свои сюжеты в собственном стиле. Его обвиняют в привнесении в свои картины «преобладающей меловатости», унаследованной от ранних занятий пастелью. Когда он умер, не нашлось никого, кто мог бы занять его место. Ватерлооский зал в Виндзорском замке содержит портреты Пия VII, императора Франца и кардинала Гонсальви. Знамениты среди его детских портретов «Мастер Ламбтон», «Леди Пил с дочерьми» и «Леди Гоуэр с ребенком»; за последний он получил 1500 гиней. В Национальной галерее находится девять его работ, включая «Гамлета с черепом Йорика» и портреты Бенджамина Уэста и миссис Сиддонс. Современники сэра Томаса, практиковавшие в портретной живописи, были все обязаны Рейнольдсу.

ДЖОРДЖ ГЕНРИ ХАРЛОУ (1787—1819) вышел из детства, в котором его баловали и портили, в недолгую зрелость, которой общество актеров и актрис отнюдь не пошло на пользу. Некоторое время он был учеником Лоуренса, и предполагается, что, если бы Харлоу жил дольше, он стал бы успешным соперником последнего как портретист. После поездки за границу он, подобно многим своим собратьям, возжелал преуспеть в исторической живописи. Его «Суд над королевой Екатериной», в представании которого миссис Сиддонс выступает в роли королевы, не доказывает, что он преуспел бы в этой отрасли искусства. Она экспонировалась на выставке «Старые мастера» 1882 года.

УИЛЬЯМ ОВЕН (1769—1825), сын ладлоуского книготорговца, прибыл в Лондон в 1786 году после получения хорошего образования в Грамматической школе Ладлоу. Он стал учеником Чарльза Кэттона, пейзажиста и анималиста, а также Академии. В 1792 году он выставил «Портрет джентльмена» и «Вид на Лудфордский мост». Он главным образом известен как портретист и находил эту отрасль искусства прибыльной, но его подлинные вкусы проявились в «Слепом нищем из Бетнал-Грин», «Гадалке», «Школьнице из деревни» и других простых сюжетах сельской жизни. Картина с изображением двух сестер принесла ему в жены одну из них; а портреты Питта, лорда Гренвилла, герцога Баклю и других примечательных лиц вывели его в моду. Овен был избран действительным членом Академии в 1806 году и назначен портретистом принца Уэльского в 1810 году. Он был неутомимым тружеником, и его тематические картины пользовались интересом, который не сохраняется в дальнейшем. В Национальной галере находится «Мертвый малиновый дрозд». Его работы «Уильям Крокер» и «Лорд Лафборо» хранятся в Национальной портретной галерее.

Суд над королевой Екатериной. Работы ХАРЛОУ. 1817 г. н. э. Из собрания миссис Моррисон.

МАРТИН АРЧЕР ШИ (1770—1850), уроженец Дублина, начал художественные штудии в Дублинской академии. В Дублине он стал известен как портретист. Он приехал в Лондон в 1788 году, где был представлен Берку, а через него — Рейнольдсу, который посоветовал молодому живописцу учиться в Королевской академии художеств — совету, которому он следовал с некоторым нежеланием. Постепенно прокладывая себе путь, он стал успешным мужским портретистом. В 1800 году он был произведен в члены Академии. Хотя Мартин Ши посвящал себя портретной живописи, он то и дело возвращался к жанровым картинам, образцами которых являются «Велисарий», «Лавиния» и «Крестьянская девушка». Более амбициозной работой были «Просперо и Миранда», выставленные в 1806 году. Своим избранием в Академию Ши был обязан положению портретиста, и он оправдал этот выбор защитой института от тех, кто нападал на его привилегии. В 1830 году он был избран президентом и возведен в рыцарское достоинство. Три его работы находятся в Национальной галерее: «Младенец Вакх» и портреты комика Мортона и Льюиса в роли маркиза в «Полуночном часе». Первая иллюстрирует поздний стиль Ши; портрет Льюиса, написанный в 1791 году, — его ранний метод. Помимо живописных полотен, Ши был автором нескольких литературных произведений, включая трагедию, роман, «Рифмы об искусстве» и художественные рецензии.

Швейцарская крестьянская девушка. Работы ХОВАРДА.

ГЕНРИ ХОВАРД (1769—1847), хотя изначально не предназначался для художника, рано проявил талант к рисунку, стал учеником Филиппа Рейнегла и Академии, где два года спустя завоевал серебряную медаль Школы натурщиков и золотую медаль Школы живописи за «Карактака, узнающего мертвое тело своего сына», которую Рейнольдс, бывший тогда президентом, тепло похвалил. С 1791 по 1794 год Ховард путешествовал по Италии и написал «Смерть Авеля» для получения стипендии Академии для путешествующих пенсионеров, которой он не добился. Обещание его юности не оправдалось. «Его работы изящны и красивы, отличаются пристойностью и приятны по композиции; его лица и выражения хороши, рисунок правилен, но стиль холоден и слаб». (Редгрейв.) Большинство работ Ховарда невелики по размеру: он выбирал классические и поэтические сюжеты, такие как «Рождение Венеры», «Солнечная система», «Пандора» и «Плеяды», и время от времени писал портреты. Он был секретарем и профессором живописи Королевской академии художеств. В Национальной галере хранится «Цветочница» — портрет его собственной дочери.

ДЖЕЙМС УОРД (1769—1859) начинал жизнь как граввер и только в тридцать пять лет посвятил себя живописи. Он выбрал анималистический портрет, и его излюбленными предметами были быки и лошади. Его самая известная, но не лучшая картина — «Пейзаж с животным скотом» (Национальная галерея), созданная по предложению Уэста в соперничество «Молодому быку» Пола Поттера в Гааге, которого Уорд никогда не видел. Скот Уорда был написан исключительно с натуры. Морленд приходился Уорду шурином, и его влияние очевидно на картинах последнего. Изображенные в натуральную величину животные на упомянутой картине — это олдернейские бык, корова и теленок в центре, а также другая корова, овца и коза на переднем плане. В Национальной галерее также находится его крупный пейзаж «Гордейл-Скар в Йоркшире».

ТОМАС ФИЛЛИПС (1770—1845) был уроженцем Дадли и начинал как художник по стеклу в Бирмингеме. Приехав в Лондон, он получил помощь от Уэста, бывшего тогда президентом Академии, и в 1792 году выставил «Вид Виндзорского замка», а на следующий год — «Смерть Талбота, графа Шрусбери, в битве при Шатийоне». Филлипс был более успешен как портретист: его сходства точны, картины лишены изъянов и обладают приятным колоратом, хотя как колорист он не занимает высокого места. В 1829 году он стал профессором живописи. В Национальной галерее находятся портрет сэра Дэвида Уилки и «Лесная нимфа». Последняя больше похожа на молодую особу, только что из гостиной.

ГЕНРИ ТОМСОН (1773—1843), сын флотского пушечного казначея, родился в Портси или, как говорят некоторые, в Лондоне. Его произведения состоят из исторических и фантазийных сюжетов, а также портретов. Его первая картина, выставленная в Академии, называлась «Дедал, укрепляющий крылья на своем сыне Икаре». Томсон в 1825 году был назначен хранителем Академии в преемственность Фюзели. С 1800 по 1825 год он выставил семьдесят шесть картин, главным образом портретов. «Мертвый малиновый дрозд» хранится в Национальной галерее.

ДЖОН ДЖЕКСОН (1778—1831) поднялся из скромного дома своего отца-портного до высокого места в мире искусства. Он был освобожден от ремесла отца лордом Малгрейвом и сэром Джорджем Бомонтом. Последний поощрял его визиты в Лондон и выделил ему по 50 фунтов стерлингов в год и комнату в своем доме, пока он учился в Академии. Молодой живописец вскоре добился успеха как портретист и в 1817 году был избран действительным членом Академии. В 1819 году он посетил Рим с сэром Ф. Чантри и написал для него портрет Кановы. Портрет Флаксмана, написанный для лорда Дувера, считается шедевром Джексона. Лесли, говоря о приглушенной насыщенности его колорита, утверждал, что Лоуренс никогда не приближался к нему; а сам Лоуренс заявлял, что портрет Флаксмана был «великим достижением английской школы, которым Ван Дейк мог бы гордиться, назвав себя его автором». Три портрета работы Джексона находятся в Национальной галерее — преподобного В. Х. Карра, сэра Джона Соуна и мисс Стивенс, впоследствии покойной графини Эссекс. Автопортрет самого Джексона хранится в Национальной портретной галерее.

ГЛАВА IX. ПЕЙЗАЖИСТЫ.

ДЖОЗЕФ МЭЛЛОРД УИЛЬЯМ ТЁРНЕР (1775—1851) стоит во главе английских пейзажистов. Говорили, что, хотя другие могли равняться с ним или превосходить его в некоторых отношениях, «еще не появился никто с таким универсальным талантом». (Д-р Вааген.) Характер Тёрнера представляет собой смесь противоречивых элементов. Он обладал поразительным пониманием прекрасного в природе, но при этом жил в грязи и запустении и одевался в стиле нечто среднем между капитаном судна и извозчиком. Человек, работавший изысканно, порой бывал суров и неоттесан, хотя и был способен на грубое гостеприимство; недолюбливая общество некоторых из своих собратьев, он тем не менее любил компанию своих друзей и, будучи скупым в некоторых финансовых делах, оставил великолепное завещание своему ремеслу. Тёрнер ничем не был обязан красоте или поэтическому окружению своего места рождения, которым был дом его отца, цирюльника на Мейден-Лейн, в Ковент-Гардене. Но подобно тому, как лорд Байрон, как говорят, вызывал в воображении свои прекраснейшие сцены Греции, гуляя по Албемарл-стрит, ассоциации с Мейден-Лейн не помешали Тёрнеру изображать бурные пейзажи и бесчисленные великолепия природы. Цирюльник справедливо гордился своим ребенком, который очень рано проявил свой гений, и первые рисунки Тёрнера, как говорят, выставлялись в цирюльне его отца. Со временем мальчик раскрашивал гравюры и прописывал фоны на архитектурных чертежах. Доктор Монро, меценат искусств, протянул руку помощи молодому гению с Мейден-Лейн. «Мы с Гёртином, — говорит Тёрнер, — часто ходили пешком в Буши и обратно, чтобы делать рисунки для доброго доктора Монро по полкроны за штуку и на деньги для нашего ужина, когда мы возвращались домой». Он, разумеется, отправлялся не из Лондона.

Большой канал в Венеции. Работы ТЁРНЕРА. 1834 г. н. э.

В 1789 году Тёрнер стал студентом Академии и на следующий год выставил картину в Сомерсет-Хаусе — «Вид архиепископского дворца в Ламбете». Тогда ему было всего пятнадцать лет. С того времени он трудился с неустанной энергий в своем искусстве. Поистине преследование искусства было единственным руководящим принципом его жизни. Он часто совершал поездки (первая была в Рамсгит и Маргит) и накапливал в памяти эффекты шторма, тумана и бури, которые затем воспроизводил. В 1799 году, будучи избран членом-корреспондентом Академии, Тёрнер уже выставлял работы, охватывавшие двадцать шесть графств Англии и Уэльса. В 1802 году он стал действительным академиком и представил в качестве своей дипломной работы «Замок Долбадарн в Северном Уэльсе». В том же году он посетил Континент и увидел Францию и Швейцарию. Пять лет спустя Тёрнер был назначен профессором перспективы Королевской академии художеств. Нам рассказывают, что его лекции читались в столь странной манере, что едва ли несли в себе пользу. О его акварельных картинах и о «Liber Studiorum» невозможно говорить с излишней восторженностью; он создал современную школу акварельной живописи, а его масляные работы оказали влияние на искусство девятнадцатого века. Он впервые посетил Италию в 1819 году; вновь десять лет спустя и последний раз в 1840 году. Его эксцентричность как в манерах, так и в искусстве возрастала с годами. Будучи богатым и имея хороший дом на Куин-Анн-стрит, он умер в убогом жилище у Темзы в Челси за несколько дней до Рождества 1851 года. Тёрнер завещал свое имущество на учреждение богадельни для неимущих художников-мужчин, но предполагаемая неясность его завещания расстроила эту цель. Было решено, что его картины и рисунки должны быть переданы Национальной галерее, тысяча фунтов должна быть потрачена на памятник художнику в соборе Святого Павла, двадцать тысяч фунтов должны быть переданы Королевской академии, а остаток — ближайшим родственникам и законным наследникам. Национальная галерея содержит более ста его картин, помимо большого числа акварельных рисунков и набросков. В своих ранних работах Тёрнер брал старых мастеров за свои образцы: некоторые из его лучших картин демонстрируют черты голландской школы, такие как «Кораблекрушение» и «Восход солнца в тумане». В «Десятой казни» и «Богине раздора» заметно влияние Пуссена, тогда как Вилсону подражают в картине «Эней с сивиллой» и «Вид в Уэльсе». Тёрнер любил состязаться с Клодом; и не только испытывал свои силы в соперничестве со старыми мастерами, но и с удовольствием вступал в честное соревнование с живописцами современности, и когда «Деревенские политиганы» Уилки привлекали всеобщее внимание, Тёрнер создал свою «Кузницу» в подражание ей. В своих поздних картинах Тёрнер жертвовал формой ради цвета. «Туман и пар, освещенные золотым светом утра или озаренные багрянцем вечерних тонов, расстилающиеся, чтобы скрыть даль, или клубящиеся в облаках и бурях, — вот великие характеристики искусства Тёрнера в противоположность мягкой безмятежности чистого безоблачного неба Клода». (Редгрейв.) Тёрнер в своем выборе красок отказался от условности и «отправлялся к водопаду за его ирисом, к пожару за его пламенем, просил у моря его глубочайшей лазури, у неба — его чистейшего золота». (Раскин.) Тот же критик считает период полной силы Тёрнера, полностью развитой и нисколько не ослабевшей, начинающимся с «Улисса» и завершающимся «Тэмерером», — десятилетний период с 1829 по 1839 год.

ДЖОН КОНСТЕБЛ (1776—1837) родился в Ист-Берголте, в Суффолке, 11 июня 1776 года, и солнечная июньская погода, в которую живописец впервые увидел свет, кажется, пронизывает все его картины. Отец Констебла был мельников и предназначал сына для продолжения своего дела; также говорилось, что предполагалось обучить его духовному сану. Однако Констебл был предназначен для художника и стал одним из лучших мастеров пейзажа английской природы. В 1800 году он стал студентом Королевской академии художеств. В 1802 году он выставил свою первую картину. В 1819 году он был избран членом-корреспондентом Академии, а десять лет спустя стал ее действительным членом. Ранние попытки Констебла лежали в области исторической живописи и портрета, но настоящее поприще он нашел в пейзаже. Он был истинно англичанином. Никакой иностранный мастер не повлиял на него, и сельская жизнь давала всё, в чем он нуждался. Он говорил: «Я люблю каждый стебель и пень, и тропинку в деревне: пока я способен держать кисть, я не перестану их писать». Этому решению мы обязаны некоторыми из приятнейших английских картин, полных свежей, ветреной жизни, клубящихся облаков, смоченной дождем листвы и всей зелени островных пейзажей. Он любил писать под солнцем и придавать своей листве сверкающий эффект, который многие критики не могли понять. В действительности Констебл не был оценен по достоинству вплоть до своей смерти. Он, кажется, знал, что так оно и будет, ибо в начале своего пути писал: «Я чувствую теперь сильнее, чем когда-либо, твердое убеждение, что рано или поздно создам хорошие картины — картины, которые будут ценны для потомства, если я не пожну их плодов». Констебл не пытался изображать суровые или горные виды, но любил плоские, солнечные луга Суффолка и заявлял, что река Стур сделала его художником. В Национальной галерее находятся его работы: «Хлебное поле», «Долина-ферма» (см. Фронтиспис) (вид «Дома Уилли Лотта» на реке Стур, вблизи Флэтфордской мельницы, принадлежавшей отцу художника), «Хлебное поле с фигурами» и «На Барнс-Коммон».

Трент в Тироле. Работы КАЛЛКОТТА. Из собрания мистера Сэмюэла Картрайта.

СЭР ОГЮСТАС УОЛЛ КАЛЛКОТ (1779—1844) был назван английским Клодом. Он родился в Кенсингтонских гравийных карьерах — тогда живописном пригородном местечке. Он несколько лет был хористом в Вестминстерском аббатстве, но рано избрал живопись своей профессией. Каллкот был учеником Хоппнера и начинал как портретист. Вскоре он посвятил себя пейзажу с периодическими попытками обратиться к истории. Он стал действительным членом Академии в 1810 году, представив в качестве дипломной работы «Утро». Его лучшие картины были созданы между 1812 и 1826 годами, в каковой период он написал «Старый пирс в Литлхэмптоне» (Национальная галерея), «Вход в бассейн Лондона», «Устье Тайна», «Штиль на Медуэе» (граф Дарем). Каллкот женился в 1827 году и отправился в Италию. По возвращении в следующем году он быстро стал модным живописцем. «Его картины, яркие, с приятной поверхностью и тщательной отделкой, отвечали вкусам публики и не выходили за рамки ее понимания; заказы сыпались на него со всех сторон». (Редгрейв.) Королева возвела его в рыцарское достоинство в 1837 году, и в том же году он выставил «Рафаэля и Форнарину», гравированную для Художественного союза Л. Стоуксом, которая, если и имеет мало изъянов, не вызывает энтузиазма. В 1840 году появилась картина «Мильтон, диктующий „Потерянный рай“ своей дочери» — крупное полотно, перенапрягшее угасающие силы художника. Среди более поздних картин Каллкота — «Голландские крестьяне, возвращающиеся с рынка» и «Вход в Пизу со стороны Ливорно». Как жанрист он не предстает в своей лучшей форме. Примерами этого жанра служат «Фальстаф и Симпл» и «Анна Пейдж и Слендер» (собрание Шипшанкса).

Отплытие рыбака. Работы КОЛЛИНЗА. Написана в 1826 году н. э. для мистера Моррисона.

УИЛЬЯМ КОЛЛИНЗ (1788—1847) родился в Лондоне, где его отец вел дела в качестве арт-дилера в дополнение к несколько неопределенному призванию журналиста. Будущий художник был представлен Морленду, другу своего отца, и перенял многое — кое-что для подражания, а другое для избегания — в студии этого мастера. С 1807 года он выставлялся в Академии, полноправным членом которой стал в 1820 году. За сорокалетний период он выставил сто двадцать одну картину, посвятив себя главным образом пейзажу с бытовыми сценами повседневной жизни. То он писал детей, качающихся на калитке, как на полотне «Счастлив как король» (Национальная галерея); детей, промышляющих разорением птичьих гнезд, или скорбящих по своим товарищам по играм, как в «Продаже любимого ягненка». Коллинз также особенно преуспел в трактовке сельских и прибрежных видов, как в картинах «Места обитания морских птиц», «Ловцы креветок» (Национальная галерея) и «Рыбаки на страже». Посетив Италию, Коллинз на время оставил свою прежнюю манеру и написал «Пещеру Одиссея» и «Неаполитанский залив»; но ни здесь, ни в «Христе среди учителей в храме» и «Двух учениках в Эммаусе» мы не видим его с лучшей стороны. Он мудро вернулся к своему первому стилю.

УИЛЬЯМ ЛИНТОН (1791—1876) служил в конторе мерчанта в Ливерпуле, но оставил ее, чтобы начать карьеру художника в Лондоне. В 1821 году он выставил свою первую картину «Утро после шторма». Посетив Континент, Линтон вернулся в Англию и создал полотна с изображением изученных им классических мест. После второй зарубежной поездки, в ходе которой он побывал в Греции, Сицилии и Калабрии, он выставил «Посадку греков на корабли для похода на Трою», «Храмы в Пестуме» (Национальная галерея) и несколько работ аналогичного характера.

ПАТРИК НАСМИТ (1786—1831), сын шотландского пейзажиста, родился в Эдинбурге и приехал в Лондон. Его первой выставленной в Академии картиной стал «Вид на озеро Катрин» в 1811 году. В галерее Британского института того же года появилась его картина «Озеро Охрей». Насмит наиболее известен своими видами простой английской природы. Он брал Хоббему и Винантса за образцы и выбирал в качестве сюжетов сельские дороги, живые изгороди с карликовыми дубами. Насмит олохнул вследствие болезни и, потеряв владение правой рукой из-за несчастного случая, писал левой. В Национальной галерее находятся «Хижина» и «Уголок рыболова»; в Южном Кенсингтоне — «Пейзаж с дубом», «Хижина у ручья» и «Пейзаж со стогом сена».

Церковь Святого Гомера в Брюсселе. Работы ДЕВИДА РОБЕРТСА.

ДЕВИД РОБЕРТС (1796—1864), уроженец Стокбриджа близ Эдинбурга, начинал жизнь домашним декоратором и, став театральным декоратором, нашел работу в театре «Друри-Лейн» в 1822 году. Заметный успех в этом амплуа побудил его сделать попытку взлететь выше в архитектурном пейзаже. Он выставил «Руанский собор» в Академии в 1826 году и очень часто предоставлял картины для выставок Британского института и Общества британских художников; членом-основателем последнего он являлся. Робертс совершил поездку в Испанию за материалами для картин и эскизов; среди результатов этого путешествия примечательны «Собор в Бургосе», экстерьерный вид, и небольшой «Интерьер» того же собора, ныне находящийся в Национальной галерее. Расширив свои путешествия на Восток, Робертс создал «Руины Баальбека» и «Иерусалим с юго-востока». Он был избран действительным членом Академии в 1841 году и дожил до того времени, когда его картины стали продаваться по ценам много выше тех, что он изначально за них назначал. Девид Робертс хорошо известен благодаря «Зарисовкам на Святой Земле, в Сирии и Египте».

РИЧАРД ПАРКС БОНИНГТОН (1801—1828) провел большую часть жизни за границей. Ребенком он учился в Лувре и получил познания в искусстве исключительно в Париже и Италии. Его влияние на французскую школу бытового жанра и драматического искусства было поистине огромным, почти равным тому, какое Констебл произвел на французских художников-пейзажистов. Он умер в возрасте двадцати семи лет от последствий солнечного удара, полученного во время создания зарисовок в Париже. Бонингтон преуспел в пейзаже, марине и бытовых сюжетах. Он выставлял в Британском институте, помимо прочих картин, два «Вида французского побережья», привлекших большое внимание, и «Колонну святого Марка в Венеции» (Национальная галерея). Сэр Ричард Уоллес владеет несколькими его лучшими работами, в особенности полотном «Генрих IV и испанский посол».

Франциск I и его сестра. Работы БОНИНГТОНА. Из собрания сэра Ричарда Уоллеса, баронета.

УИЛЬЯМ ДЖОН МЮЛЛЕР (1812—1845) был еще одним пейзажистом, чья карьера оказалась короткой и который писал преимущественно зарубежные виды. Он путешествовал по Германии, Италии и Швейцарии и некоторое время практиковал как пейзажист в Бате, хотя и с небольшим успехом. В 1838 году Мюллер посетил Грецию и Египет, а в 1841 году находился в Ликии. Перед тем он обосновался в Лондоне. Его картины представляли собой главным образом восточные виды, и его слава стремительно росла, когда он скончался. Его работы ныне ценятся высоко. В Национальной галерее мы имеем «Пейзаж с двумя ликийскими крестьянами» и «Речной пейзаж».

ДЖОН МАРТИН (1789—1854) занимал выдающееся место как живописец поэтических или фантазийных пейзажей и архитектурных видов. Он родился близ Хексема и начал изучение искусства на скромном поприще росписи карет в Ньюкасле. Прибыв в Лондон, Мартин занимался эмалевой живописью и в 1812 году выставил свою первую картину в Академии — «Садак в поисках вод забвения», которая является одной из его лучших работ. За ней последовали «Иисус Навин, повелевающий солнцу остановиться» (1816), «Смерть Моисея» (1838), «Последний человек» (по поэме Кэмпбелла), «Канун потопа», «Уничтожение Содома и Гоморры» и др. Самые известные произведения Мартина не выставлялись в Академии, например: «Пир Валтасара», «Падение Вавилона» и «Падение Ниневии». Многие его композиции были гравированы, что обеспечило им широкое распространение. Мистер Редгрейв сказал: «Мы едва ли можем согласиться с Булвером, что Мартин был „более оригинальным, более самостоятельным, чем Рафаэль или Микеланджело“». Но если при жизни Мартина превозносили чрезмерно, то впоследствии его несправедливо умаляли. Многие из его собратьев-художников и публика, когда прошло первое изумление, вызванное его картинами, назвали его искусство трюком и иллюзией, его исполнение — механическим, его колорит — скверным, его фигуры — чудовищно нарисованными, а их движения и выражения — напыщенными и нелепыми. Но, признавая это целиком или частично, следует помнить, что его искусство, или манера, были оригинальны; что они открыли новые горизонты, дававшие проблески возвышенного, а также мечты и видения, дотоле не являемые искусством; и что другие художники, лучше подготовленные предшествующим изучением, работая вслед за ним, восхищали и поныне восхищают мир своими произведениями.

Пир Валтасара. Работы Джона Мартина. Выставлялась в Британском институте в 1821 году н. э.

НОРИЧСКАЯ ШКОЛА.

Теперь мы должны сказать о провинциальной школе пейзажистов, которая была основана ДЖОНОМ КРОМОМ (1769—1821). Отец Норичского общества художников общеизвестен как «Старый Кром», дабы отличать его от сына, который также был живописцем. Кром, сын подмастерья-ткача, родившийся в небольшой таверне в Нориче, со временем был отдан в ученики к маляру и вывесочнику. Молодой маляр проводил свободное время за написанием чего-либо более привлекательного, чем стены домов, и выбирал в качестве сюжетов окрестности Норича. Плоские, солнечные пейзажи, усеянные фермами и хижинами, сквозь которые медленно скользила сонная река, и Норфолкские озера-бродвеи с их стаями диких птиц оставались до самого конца излюбленными сюжетами кисти Крома. Решив стать художником всерьез, Кром, по окончании ученичества, пополнял свои скудные средства преподаванием рисования и живописи. В Королевской академии художеств он выставил всего четырнадцать картин, но в родном городе — сто девяносто шесть. За исключением «Кузницы», все работы, показанные в Академии, были пейзажами. «Ему требовалось немного сюжета: старый дуб, головастая ива на берегу медлительных норфолкских рек или клочок пересеченной местности в его руках превращались в картины, очаровывающие нас своим милым колоратом и сельской природой». «Кром, кажется, основывал свое искусство на Хоббеме, Рейсдале и голландской школе, а не на французских и итальянских живописцах; за исключением того, насколько они были представлены нашим соотечественником Вилсоном, чьи работы он копировал и чье влияние прослеживается в смеси с более реалистической манерой, заимствованной у голландских мастеров». (Редгрейв.) В Национальной галерее находятся его полотна «Маусхолд-Хит», «Вид на Чапел-Филд» и «Ветряная мельница на вересковой пустоши»: все виды близ Норича. «Группа деревьев на Холбо-Коммон» (Галерея Фицвильям, Кембридж) — еще один благоприятный образец его искусства.

ДЖЕЙМС СТАРК (1794—1859) был учеником Крома и занимает место сразу за ним в Норичской школе. В 1812 году он был избран членом Норичского общества художников. В 1817 году он приехал в Лондон и стал студентом Королевской академии художеств. Там появились некоторые из его лучших работ: «Купающиеся мальчики», «Ловля камбалы» и «Ламбет в направлении Вестминстерского моста». Болезнь вынудила Старка вернуться в Норич, где он создал «Пейзажи рек Яр и Уэйвени в Норфолке» — серию иллюстраций, гравированных Гудаллом и другими. Старку не хватало силы Крома в цвете и рисунке.

ДЖОРДЖ ВИНСЕНТ (1796 — около 1831) наиболее известен своим полотном «Вид на Гринвичский госпиталь», изображенным с реки. Картина была написана для г-на Карпентера из Британского музея и экспонировалась на Всемирной выставке 1862 года. Винсент особенно любил эффекты солнечного света или облака в своих картинах.

ДЖОН СЕЛЛ КОТМАН (1782—1842), избежав участи приказчика в лавке торговца полотном, посвятил себя искусству и, приехав в Лондон, нашел друга и покровителя в лице доктора Монро. С 1800 по 1806 год Котман выставлял картины в Академии и, вернувшись в Норвич, стал членом и секретарем местного Общества художников. В 1808 году он представил на Норвичской выставке шестьдесят семь работ. Котман неоднократно посещал Нормандию, а после 1834 года являлся профессором рисования в школе Королевского колледжа в Лондоне. Более успешным он был как акварелист, нежели как масляный живописец. Он писал преимущественно пейзажи, марины и исполнил множество архитектурных гравюр.

Норвичская школа больше не существует как обособленное творческое объединение.

ФРЭНСИС ДАНБИ (1793—1861) превзошел Мартина в поэтичности пейзажного искусства. Он родился близ Уэксфорда и первые навыки искусства приобрел в Дублине, где в 1812 году выставил свою первую картину «Вечер». В 1813 году он обосновался в Бристоле в качестве преподавателя акварельной живописи. Он стал известен лондонскому художественному миру благодаря своей картине «Упасовое дерево на Яве», экспонировавшейся в Британском институте в 1820 году — глубоко поэтическому произведению, ныне хранящемуся в Национальной галерее. Его полотно «Закат на море после бури», выставленное в Королевской академии художеств в 1824 году, было приобретено сэром Томасом Лоуренсом. Годом позже Данби выставил картину «Изведение из Египта», за которую был избран ассоциированным членом Королевской академии художеств. Однако наибольшую известность ему принесли тихие виды, спокойные вечера на море и эффекты заката в сочетании с каким-либо поэтическим сюжетом, всегда отличающиеся величайшей яркостью колорита; среди них — «Праздник художника» и «Вечерняя пушка». В Национальной галерее находится картина «Дом рыбака. Восход солнца». Он так и не стал действительным членом Королевской академии художеств.

УИЛЬЯМ КЛАРКСОН СТАНФИЛД (1793—1867) занимает одно из высочайших мест среди английских пейзажистов и маринистов. Начав жизненный путь матросом на флоте Королевского военно-морского флота, он зарисовывал проплывавшие мимо суда. Серьезное падение вынудило его оставить службу на флоте. Он начал свою художественную карьеру в качестве декоратора в театре «Олд Роялти» на Уэллклоз-сквер, а позднее стал главным декоратором театра «Друри-Лейн». Его первой выставленной картиной стал «Речной пейзаж» в Академии в 1820 году. В том же году «Этюд с натуры» экспонировался в Британском институте. В 1822 году он выставил в Институте «Бен-Вену» и «Пейзаж с побережьем». В 1824 году он стал членом-учредителем Общества британских художников и представил пять картин на их первую выставку в том же году. Крупномасштабное полотно Станфилда «Крушители судов у форта Руж» экспонировалось в Британском институте в 1828 году. В 1827 году в Королевской академии художеств появилась картина «Штиль». С тех пор успех Станфилда был обеспечен. Его правдивость в передаче природы — будь то сцены морских сражений, виды зарубежных портов или горные и речные пейзажи — редко, если вообще когда-либо, превосходила чей-либо уровень. Он стал действительным членом Академии в 1835 году. Будучи неутомимым тружеником, он экспонировал в Королевской академии художеств сто тридцать две картины. Можно упомянуть такие работы, как «Трафальгарская битва»; «„Виктори“ с телом Нельсона на борту, буксируемая в Гибралтар»; «Вход в Зёйдер-Зее»; «Озеро Комо» и «Канал Джудекка в Венеции» (все хранятся в Национальной галерее). Среди его ранних работ — «Гора Сент-Майкл в Корнуолле»; «Буря»; «Рыбак близ Онфлёра» и «Открытие нового Лондонского моста».

Terminati Marina. Работа СТАНФИЛДА. 1840 г. Собственность маркиза Лансдауна.

ДЖЕЙМС БЕЙКЕР ПАЙН (1800—1870), уроженец Бристоля, начал жизненный путь в конторе стряпчего, которую оставил ради того, чтобы зарабатывать на жизнь живописью, преподаванием или реставрацией картин. В 1835 году он отправился в Лондон, где выставленная год спустя в Академии картина привлекла к себе внимание и открыла путь к успеху. Он прославился как мастер озерных пейзажей и благодаря псевдотёрнеровской манере передачи эффектов солнечного света.

ТОМАС КРЕСВИК (1811—1869), один из самых приятных современных английских пейзажистов, родился в Шеффилде. Он приехал в Лондон всего семнадцати лет от роду, и в том же 1828 году его картины экспонировались Британским институтом и Королевской академией художеств. Обосновавшись в Лондоне, он радовал любителей пейзажа видами Ирландии и Уэльса, а позднее обратил свое внимание на Север Англии, чьи скалистые долины и реки послужили сюжетами для его лучших произведений. В 1842 году он был избран ассоциированным членом Академии и получил премию в пятьдесят гиней от Британского института за общую превосходность своих работ. В 1851 году Кресвик стал действительным членом Академии, а несколько позже создал полотна, в которые Фрит и Ансделл вписали фигуры и скот. В его картинах есть обаяние, характер которого можно постичь по таким работам, как «Старая пешеходная дорога», «Сад у усадьбы», «Приятный путь домой», «Долина у мельницы», «Веселый ручей», «Через ручей». В Национальной галерее находится картина «Тропинка к деревенской церкви». «Он писал уютные пейзажи своей страны, особенно ее ручьи, во всей их первозданной красоте и свежести; его трактовка и колорит естественны, чисты и просты, отделка тщательна и завершена, во всех его работах царит хороший вкус, особенно заметный в его очаровательных вкладах в труды Офортного клуба, ценным членом которого он состоял, а также в его многочисленных рисунках на дереве». (Редгрейв.)

Приятный путь домой. Работа КРЕСВИКА. Выставлена в 1846 году.

ДЖОН ЛИННЕЛЛ (1792—1882), сын резчика и позолотчика из Блумсбери, первоначально был обучен ремеслу своего отца и имел множество возможностей изучать картины. В восемь лет он копировал Морланда столь искусно, что его работы часто принимали за оригиналы. Вскоре после этого он стал учеником Джона Варли и в его студии познакомился с Малреди и В. Х. Хантом, с которыми часто отправлялся в поездки с целью создания этюдов. В 1807 году, будучи всего пятнадцати лет от роду, Линнелл отправил свои первые картины — «Этюд с натуры» и «Вид близ Рединга» — на выставку Королевской академии художеств, постоянным участником которой он оставался более семидесяти лет. Он часто писал портреты и особенно преуспел в пейзажах с обилием деревьев. Мистер Раскин говорит: «Лесные этюды Джона Линнелла особенно детально проработаны и во многих отношении весьма искусны». Много лет на закате жизни он жил в Редхилле, неподалеку от двух своих сыновей и зятя, Самэвла Палмера, которые также были пейзажистами.

За свою долгую жизнь он написал несколько сотен картин, которые ныне по большей части рассредоточены по частным галереям Англии. Две его работы находятся в Национальной галерее («Дровосеки» и «Ветряная мельница»), а три — в Южном Кенсингтоне («Собирательницы полевых цветов», «Время дойки» и «Перегон скота»).

ЭДВАРД УИЛЬЯМ КУК (1811—1880), сын гравёра, предназначался для профессии отца, однако предпочёл кисть резцу. В 1851 году он был избран ассоциированным членом, а в 1864 году — действительным членом Королевской академии художеств, на выставках которой выступал постояннейшим участником; он также экспонировался в Британском институте. Его произведения представляют собой главным образом виды морских побережий и рек, преимущественно английских, часто на Темзе или Медуэй. Картины его кисти хранятся в Национальной галерее и Музее Южного Кенсингтона.

ГЛАВА X. ИСТОРИЧЕСКИЕ ЖИВОПИСЦЫ.

МНОГИЕ из наших художников, стремившихся к высокому искусству в области исторической живописи, были вынуждены оставить эти амбициозные замыслы и ограничиться более прибыльными отраслями своего ремесла. Иначе обстояло дело с

УИЛЬЯМОМ ХИЛТОНОМ (1786—1839), который, хотя и был охлажден и опечален пренебрежением и в целом не мог продать свои картины, сохранил положение исторического живописца и не позволял ни бедности, ни холодному отношению публики свернуть себя с пути. О его жизни известно немного деталей; он был мягким, молчаливым и застенчивым человеком, познавшим немало горя и избегавшим публичности. Освобожденный от ремесла, к которому был предназначен, Хилтон получил разрешение обучаться рисованию и стал учеником Дж. Рафаэля Смита, мастера меццо-тинто. Он поступил в академские школы и уделял особое внимание анатомии фигуры. Его ранними известными произведениями стали серия масляных элюдов к иллюстрациям для «Зеркала» и «Гражданина мира». Ранние выставлявшиеся работы Хилтона имели классические сюжеты, такие как «Кефал и Прокрида», «Венера, несущая раненого Ахиллеса» и «Улисс и Калипсо». В 1810 году он создал масштабное историческое полотно под названием «Граждане Кале, вручающие ключи Эдуарду III», за которое Британский институт присудил ему премию в пятьдесят гиней. За «Положение во гроб Христа» он получил вторую премию, а за «Эдит, обнаруживающую тело Гарольда» — третью, в размере ста гиней. Тем не менее публика не оценила его работ, и они остались непроданными. Директора Британского института, уже отметившие талант этого живописца, приобрели две его религиозные картины: «Мария, помазующая ноги Иисуса» (которая была преподнесена церкви Святого Михаила в Сити) и «Христос в терновом венце» (переданную церкви Святого Петра на Итон-сквер, однако впоследствии проданную). В 1819 году Хилтон стал действительным членом Академии, а в 1827 году назначен хранителем — на должность, к которой был особо подготовлен и на которой снискал любовь студентов. В следующем году он женился. Смерть жены в 1835 году подорвала его энергию и надежды. Он видел, что пишет для публики, которая не ценит его искусство.

Похищение Европы. Работа ХИЛТОНА. 1818 г. В собственности графа Эгремонта.

В дополнение к вышеупомянутым примерам можно назвать картины Хилтона «Серена, спасенная Рыцарем Красного Креста сэром Калепином», «Встреча слуги Авраама с Ревеккой» (Национальная галерея) и триптих «Распятие», находящийся в Ливерпуле. Большинство работ Хилтона приходят в упадок из-за использования асфальта.

БЕНДЖАМИН РОБЕРТ ХЕЙДОН (1786—1846) был сыном книготорговца из Плимута, и его «непостоянная жизнь», отмеченная «беспокойным и назойливым тщеславием», оборвалась от его собственной руки. Хейдон отказался продолжать дело отца и настоял на том, чтобы стать художником. Мы хорошо осведомлены о его мыслях, надеждах и мечтах. Он имел обыкновение записывать в подробном дневнике все, что касалось его самого. Он прибыл в Лондон в 1804 году с 20 фунтами в кармане, поступил в школы Академии и трудился там с энергией и уверенностью в собственных силах. Норткот не стал обнадеживать своего восторженного соотечественника, заявив ему, что как исторический живописец «он будет голодать со связкой соломы под головой». Мы восхищаемся мужеством Хейдона, оставшегося верным избранной им ветви искусства, однако его эгоизм подтвердил пророчество Норткота. В двадцать один год Хейдон заказал холст для «Иосифа и Марии на пути в Египет» и молился над чистым полотном о том, чтобы Бог благословил его карьеру и позволил сотворить новую эру в искусстве. Лорд Малгрейв стал его покровителем, и это, возможно, прибавило художнику надежд. Он написал «Дентата» и, одурманенный лестью, уверовал, что создание этой, его второй работы, ознаменует «эпоху в английском искусстве». Однако «Дентат» был повешен в прихожей Королевской академии художеств и встречен холодно. В 1810 году он начал «Леди Макбет» для сэра Джорджа Бомонта; поссорившись с покровителем, он лишился заказа, но продолжал работать над картиной. Будучи по уши в долгах, он ссорился с теми, кто мог бы стать его друзьями. Его «Суд Соломона», прекрасное полотно, создавался в условиях величайших трудностей и лишений. Уэст, президент Академии, которого живописец обвинял в неприяприязни к себе, как утверждают, пролил слезы восхищения при виде этой работы и прислал Хейдону в подарок 15 фунтов. «Соломон» был продан за 600 гиней, а Британский институт присудил его автору еще сто гиней премии. В 1820 году Хейдон создал «Вход Христа в Иерусалим», и в процессе работы над ним, как он записал, «общался только со своим искусством и своим Создателем». Картина выставлялась в Египетском зале на Пикадилли и принесла художнику крупную сумму денег. Не найдя покупателя в Англии, работа, от которой Хейдон ждал столь многого, была куплена за 240 фунтов и отправлена в Америку. Он основал художественную школу, где обучилось несколько способных живописцев, однако сам мастер постоянно испытывал серьезные финансовые трудности. В 1823 году он выставил картину «Воскрешение Лазаря», насчитывавшую двадцать фигур, каждая ростом по девять футов, которая ныне находится в Национальной галерее. Об этой работе мистер Редгрейв говорит: «Первое впечатление от картины внушительно; общий эффект мощный и отлично подходит к сюжету; действие и группировка задуманы превосходно; колорит хорош, а местами брильянтен. Христос слаб, вероятно, это самая слабая, хотя и центральная фигура на полотне». Несчастья по-прежнему преследовали художника. Он был брошен в долговую тюрьму; выйдя на свободу, он работал в нищете, страшась своей «златоглазой, морщинистой, вперевалку ходящей, пьющей джин, грязной хозяйки с оборками на платье». Финальные сцены его жизни становились все мрачнее и мрачнее. В 1826 году он по заказу написал «Венеру и Анхиза», начал «Александра, укрощающего Буцефала» и «Эвкла» и снова очутился в тюрьме. Обращение к общественности через газеты принесло достаточно денег, чтобы вновь вернуть ему свободу. Затем появились «Фальшивые выборы» и «Избрание депутата», причем первая была приобретена королем. Тем не менее никакой успех, казалось, не мог остановить поток несчастий Хейдона. В 1840 году он с большим успехом читал лекции об искусстве, продолжал писать ради куска хлеба и, наконец, будучи оттолкнут холодным приемом «Аристида» и «Нерона, наблюдающего за горящим Римом», переутомленный разум несчастного человека не выдержал, и он покончил с собой, оставив в дневнике эту короткую запись: «Прости меня, Бог! Аминь. Конец. Б. Р. Хейдон. „Не мучь меня на дыбе скорбного мира“. — Лир». Печальный конец его амбициозных надежд! Об искусстве Хейдона в целом мистер Редгрейв пишет следующее: «Он был хорошим анатомом и рисовальщиком, его колорит был эффектен, трактовка сюжета и замысел — оригинальны и мощны; но его работы производят поспешный и незаконченный вид, его отделка груба, порой ватоподобна и не лишена вульгарности».

Опасная партнерша по играм. Работа ЭТТИ. 1833 г. В Национальной галерее.

УИЛЬЯМ ЭТТИ (1787—1849), сын мельника из Йорка, имел немного преимуществ, помогавших ему на пути к славе. Его образование было скудным, а ранние годы прошли в учениках у печатника в Халле. Но он твердо решил стать живописцем; его девизом, как он сам говорит, было «Усердие». В 1806 году он навестил дядю на Ломбард-стрит и стал студентом Академии, хотя его первой художественной школой была мастерская гипсовых слепков на Кок-Лейн. Благодаря щедрости дяди он сделался учеником Лоуренса, у которого оставалось мало времени на занятия с ним. Преодолевая непреодолимые трудности, Этти упорно шел вперед. Он усердно трудился в «Натурном классе», тщетно добивался всех медалей, отправлял свои картины в Академию лишь для того, чтобы увидеть их отклоненными; в отличие от Хейдона, он никогда не падал духом. В 1820 году в Академии экспонировались «Собиратели кораллов», а в следующем году — «Клеопатра». Его терпение и прилежание были вознаграждены; с тех пор его карьера пошла по пути успеха. В 1822 году он посетил Италию, а в 1828 году стал действительным членом Академии. Его творчество было крайне неравномерным. Однако главным образом он посвятил себя изображению женщин как воплощений красоты. Как колорист мало кто из английских живописцев мог сравниться с ним, а как мастер передачи человеческой плоти он занимает высокое положение. Демонстрируя различные грани его многостороннего искусства, можно упомянуть «Юдифь и Олоферн», «Ванея», «Канун потопа», «Юность на носу корабля и Удовольствие у руля», «Опрометчивость Кандавла», «Опасная партнерша по играм» и «Магдалина» (все хранятся в Национальной галерее). Этти умер неженатым, оставив после себя значительное состояние.

ГЕНРИ ПЕРРОНЕТ БРИГГС (1792—1844), выдающийся исторический и портретный живописец, начал художественные штудии в Академии в 1811 году и стал ее действительным членом в 1832 году. Наиболее известны его работы «Отелло, рассказывающий о своих приключениях», «Первое свидание испанцев с перуанцами» и «Джульетта и ее кормилица»; две последние находятся в Национальной галерее. В поздние годы этот мастер оставил историческую живопись ради портретного жанра.

Греческие беглецы. Работа ЭСТЛЕЙКА. Написана для сэра Мэтью Уайта Ридли, баронета. Выставлялась в Королевской академии художеств в 1833 г.

ЧАРЛЬЗ ЛОК ЭСТЛЕЙК (1793—1865), сын солиситора Адмиралтейства в том же городе, родился в Плимуте и получил образование сначала в грамматической школе Плимптона, где учился Рейнольдс, а затем в лондонском Чартерхаусе. Избрав профессию живописца, он, несомненно, был ободрен своим земляком Хейдоном, только что выставившим «Дентата». Эстлейк стал учеником этого эксцентричного мастера и посещал школы Академии. В 1813 году он выставил в Британском институте крупное и амбициозное полотно «Христос, воскрешающий дочь начальника синагоги». В следующем году молодой художник был отправлен г-ном Харманом в Париж для копирования некоторых знаменитых произведений, собранных Наполеоном в Лувре. Побег императора с Эльбы и последовавшие за этим волнения в Европе заставили Эстлейка покинуть Париж, и он вернулся в Плимут, где успешно практиковал как портретист. Портрет Наполеона, увеличенный Эстлейком с наброска императора на борту корабля «Беллерофонт» по пути на Святую Елену, появился в 1815 году. Эта картина ныне принадлежит лорду Клинтону. В том же году он выставил полотно «Брут убеждает римлян отомстить за смерть Лукреции». В 1819 году Эстлейк посетил Грецию и Италию, проведя за границей четырнадцать лет, главным образом в Ферраре и Риме. Живописные костюмы итальянских и греческих крестьян настолько очаровали его, что на долгое время он оставил историю ради небольших жанровых произведений, главными сюжетами которых были разбойники и крестьяне. Масштабное историческое полотно «Меркурий несет золотое яблоко Парису» появилось в 1820 году. Семь лет спустя в Академии экспонировался « Спартанец Исид», ныне принадлежащий герцогу Девонширскому, что принесло художнику звание ассоциированного члена. Оно иллюстрирует историю, рассказанную Плутархом в «Сравнительных жизнеописаниях» Агесилая, о молодом воине, которого прямо из бани позвали отражать нападение фиванцев. Выбежав нагой с мечом и копьем, он отбросил фиванцев назад и спасся невредимым. В 1828 году Эстлейк создал «Итальянский пейзаж в Святой год. Пилигримы, увидевшие собор Святого Петра» (эту тему он повторил дважды). В 1829 году экспонировалась «Мечта лорда Байрона», поэтичный пейзаж (Национальная галерея), и Эстлейк, став академиком, вернулся в Англию. Затем последовали «Греческие беглецы», «Бегство семьи Каррара от герцога Миланского» (повторение хранится в Национальной галерее), «Хайде» (Национальная галерея), «Гастон де Фуа перед битвой при Равенне», «Христос, благословляющий детей», «Христос, оплакивающий Иерусалим» (повторение находится в Национальной галерее) и «Агарь и Измаил». К своим трудам художника Эстлейк добавил исполнение обязанностей на нескольких важных постах и ценную литературную работу. Он был секретарем Королевской комиссии по декорированию нового Вестминстерского дворца, библиотекарем Королевской академии художеств, а также хранителем и впоследствии директором Национальной галереи. В 1850 году он сменил сэра Мартина Ши на посту президента Королевской академии художеств и был возведен в рыцарское достоинство. С того времени и до самой своей кончины в Пизе в 1865 году он занимался преимущественно отбором картин для приобретения британским правительством. Он был редактором «Справочника по итальянским школам живописи» Куглера и автором «Материалов для истории масляной живописи».

Иоас стреляет стрелами спасения. Работа ДАЙСА. 1844 г. В собственности г-на Бикнелла.

УИЛЬЯМ ДАЙС (1806—1864), уроженец Абердина, начал обучение искусству в Королевской шотландской академии. Посетив Италию, он изучал старых мастеров, и их влияние оказало неизгладимое воздействие на его стиль. В 1827 году Дайс выставил в Королевской академии художеств полотно «Вакх, вскармливаемый нимфами». В 1830 году он обосновался в Эдинбурге и добился заметного успеха. «Нисхождение Венеры» появилось в Академии в 1836 году. Перебравшись в Лондон, Дайс выставил в 1844 году картину «Иоас стреляет стрелами спасения» и был избран ассоциированным членом. В 1847 году он создал эскиз фрески для Осборн-хауса «Нептун вручает Британнии владычество над морем». Дайс был выбран в 1848 году для росписи Гардеробной комнаты королевы в зданиях Парламента и начал, но не вполне завершил масштабную серию фресок, иллюстрирующих «Легенду о короле Артуре». Он создал и другие исторические произведения, главным образом на библейские сюжеты и выдающегося достоинства.

ДЖОРДЖ ХАРВИ (1805—1876) родился в Сент-Ниниансе (Файфшир) и отдан в ученики к книготорговцу в Стерлинге. Он оставил это ремесло в возрасте восемнадцати лет и начал художественную карьеру в Эдинбурге. В Шотландии он завоевал широкую популярность. Он принял активное участие в создании Королевской шотландской академии и в 1867 году был возведен в рыцарское достоинство. Его излюбленными сюжетами были эпизоды из истории пуритан, такие как «Причастие ковенантеров», «Беньян, представляющий свой „Путь паломника“ в Бедфордской тюрьме» и «Битва при Драмклоге».

ТОМАС ДАНКАН (1807—1845), уроженец Пертшира, впервые привлек к себе внимание картинами «Доярка» и «Сэр Джон Фальстаф». В 1840 году он выставил в Королевской академии художеств историческое полотно «Въезд принца Чарли в Эдинбург после битвы при Престонпансе», а в следующем году создал «Печальное сердце» по балладе «Старый Робин Грей», которое ныне находится в Южном Кенсингтоне.

Гарольд, вернувшись из Нормандии, предстает перед Эдуардом Исповедником. Работа МАКЛИСА. 1866 г. Из «Сказания о норманнском завоевании».

ДАНИЭЛЬ МАКЛИС (1811—1870) родился в Корке и предназначался для неромантичного занятия банковского клерка. К счастью для мира, он вскоре оставил конторку ради студии Коркского общества искусств. В 1828 году он переключил внимание на школы Академии в Лондоне и вскоре завоевал золотую медаль за лучшую историческую композицию, изображающую «Выбор Геракла». Ранее он выставил полотно «Мальволио, очаровывающий Графиню». В свое время в Британском институте появились «Мокканна, обнажающий свое лицо перед Зеликой» и «Ночь игры в яблоки», нашедшие место в Королевской академии художеств. Маклис стал действительным академиком в 1840 году. Последние годы его жизни были главным образом посвящены знаменитым фрескам на водном стекле в зданиях Парламента — «Встреча Веллингтона и Блюхера после Ватерлоо» и «Смерть Нельсона при Трафальгаре». Благородный картон первой из них (купленный на средства, собранные художниками, которые также преподнесли автору золотой порт-крайон) ныне является собственностью Королевской академии художеств. Маклис исполнил множество книжных иллюстраций, в том числе к «Мелодиям Мура» и «Пилигримам Рейна». Он создал великолепную серию рисунков, иллюстрирующих «Сказание о норманнском завоевании». Собрание его рисунков было завещано Музею Южного Кенсингтона г-ном Джоном Форстером. Маклис написал несколько портретов, среди них — портрет Чарльза Диккенса, который так отозвался об ушедшем художнике: «О его колоссальном плодородии ума и удивительном богатстве интеллекта я могу с уверенностью утверждать, что они сделали бы его, пожелай он того, писателем по меньшей мере столь же великим, сколь великим он был живописцем. Самый мягкий и скромный из людей; щедрейший в своем великодушном признании молодых соискателей; откровеннейший и широчайший душой среди равных себе. Ни один художник не отходил ко сну, оставляя столь чистую от примесей золотую память или преданный столь истинной рыцарской любовью божеству, которому поклонялся». Самыми примечательными произведениями Маклиса являются «Макбет и ведьмы»; «Оливия и София снаряжают Моисея на ярмарку»; «Сцена пира в „Макбете“»; «Испытание прикосновением»; «Робин Гуд и Ричард Львиное Сердце»; «Сцена спектакля в „Гамлете“» (Национальная галерея); «Мальволио и графиня» (Национальная галерея).