«Английские живописцы с главой об американских живописцах»

ПРЕЕМНИКИ СЭРА ДЖОШУА РЕЙНОЛЬДСА.

Портретная живопись, всегда популярная в Англии, продолжала процветать после смерти Рейнольдса и Гейнсборо. Хотя волшебную манеру этих мастеров нельзя обнаружить в искусстве их непосредственных последователей, их влияние породило нескольких оригинальных и независимых художников, которые, будучи преемниками, не были подражателями.

Натаниэл Данс (1734—1811) изучал искусство под руководством Фрэнка Хеймана, королевского академика, и посетил Италию вместе с Ангеликой Кауфман. Вернувшись в Англию, он добился успеха как живописец — как в портретном, так и в историческом жанре. Он был одним из членов-основателей Королевской академии художеств, которую покинул в 1790 году после женитьбы на богатой вдове: он принял фамилию Холланд и десять лет спустя получил титул баронета. Его самые известные работы — «Смерть Виргинии», «Гаррик в роли Ричарда III», «Тимон Афинский» (Королевское собрание) и «Капитан Кук» (Гринвичский госпиталь).

Джеймс Норткот (1746—1831), сын часовщика из Плимута, провел семь лет в учениках у отца, все это время тоскуя по живописи. Это был человек неутомимого трудолюбия, который, несмотря на несовершенное образование и скудные возможности для совершенствования, заявил о себе и как художник, и как автор трудов об искусстве. Он был любимым учеником сэра Джошуа Рейнольдса и его первым биографом. Покинув Рейнольдса в 1775 году, Норткот вернулся в Девоншир и два года успешно писал портреты. С 1777 по 1780 год он находился в Италии, изучая старых мастеров, особенно Тициана. Вернувшись на родину, он обосновался в Лондоне и содержал себя портретной живописью. Однако он стремился к успеху в исторической живописи, хотя и был вынужден ограничиваться более ходовыми сюжетами, такими как «Визит к бабушке» и подобные бытовые сценки. Шекспировская галерея Бойделла открыла для Норткота новые возможности в том направлении, которым он страстно желал заниматься. Среди девяти картин, созданных для этой серии, полотно «Убийство юных принцев в Тауэре», написанное в 1786 году, привлекло к художнику всеобщее внимание. «Смерть Уота Тайлера», ныне хранящаяся в лондонском Гилдхолле, — одна из его лучших работ. Его серия «Усердные и распутные слуги», навеянная «Праздными и усердными подмастерьями» Хогарта, сильно уступает уровню оригинальной серии. Примечательными особенностями исторических картин Норткота являются несоответствие костюмов и частые грубые анахронизмы. Так, у него Сисара лежит на перине и одет как кавалерист «железнобоких» Кромвеля, а Иаиль одета как современная служанка на побегушках. На шекспировских полотнах Губерт из XIII века и Ричард III из XV века носят одинаковые костюмы елизаветинской эпохи. Уот Тайлер и убийцы в Тауэре носят одни и те же доспехи, относящиеся к периоду Стюартов. Впрочем, подобные ошибки были обычным делом среди всех живописцев его времени.

«Милосердие». Работа Норткота. 1783 г.

Джон Опи (1761—1807), соперник и друг Норткота, был, как и он, уроженцем западных земель и, подобно ему, вышел из низов. Родившийся в Сент-Агнессе близ Труро, сын плотника, Опи рано проявил сметку и быстроту в приобретении знаний, что выделяло его из среды обычных обитателей плотницкой мастерской. Проявив склонность к искусству и приведя в бешенство отца разрисовыванием мелом лесопильной ямы, он нашел покровителей в лице лорда Бэтмена и доктора Волкота, знаменитого «Питера Пиндара». Некоторые биографы описывали Опи как мальчика на побегушках у доктора, но это ошибка. Волкот привез молодого художника в Лондон и познакомил с сэром Джошуа Рейнольдсом, однако эгоистичное покровительство доктора вскоре подошло к концу. Поначалу Опи бурно рекламировали в Лондоне как «Корнуолльское чудо» —

"the Cornish boy, in tin-mines bred,

Whose native genius, like his diamonds, shone

In secret, till chance gave him to the sun."

Рейнольдс сказал Норткоту, что Опи был «как Караваджо и Веласкес в одном лице». В 1782 году художник женился на своей первой жене, с которой впоследствии развелся из-за ее недостойного поведения. Хотя Опи больше не был чудом часа в изменчивом Лондоне, он завоевывал более прочную славу. Его дефектное образование — как литературное, так и художественное — оставляло многое желать лучшего, и он принялся восполнять свои пробелы с таким кропотливым усердием, которое в конце концов отразилось на его мозге и преждевременно оборвало его жизнь. Его первые работы в Лондоне были этюдами голов и портретами. В 1786 году он создал «Убийство Якова I Шотландского», «Спящую нимфу» и «Купидона, крадущего поцелуй». В следующем году появилась его картина «Убийство Давида Риччо». В 1787 году он был избран членом-корреспондентом Королевской академии художеств, а год спустя — ее действительным членом. За следующие семь лет он выставил двадцать картин, и все они были портретами. Опи получил заказ писать для Шекспировской галереи Бойделла и исполнил пять картин, которые улучшались по мере работы над ними. Портретная живопись оставалась, однако, самым прибыльным занятием, и, познакомившись с некоторыми покровителями в Норидже, Опи встретил и взял в жены Амелию Алдерсон, которая впоследствии написала «Мемуары» о своем муже и описала те тяжелые испытания, с которыми ему порой приходилось сталкиваться. Его любовь к искусству и неутомимое трудолюбие оставались с ним до самого конца. Даже умирая и порой находясь в бреду, он давал советы относительно доработки картин, которые хотел отправить в Академию. О нем говорили, что «в то время как другие художники писали, чтобы жить, он жил, чтобы писать». Он был похоронен в соборе Святого Павла. Опи написал несколько трудов об искусстве и был профессором живописи в Королевской академии художеств. Его ответ на надоедливый вопрос точно выражает характер его творчества: «Чем я смешиваю краски? О, с помощью мозгов». Две картины Опи находятся в Национальной галерее — «Портрет Уильяма Сиддонса» и «Троил, Крессида и Пандар». О его искусстве в целом можно сказать, что он обладал значительной силой и широтой трактовки. Его манера письма часто была грубой, а колорит — резким, особенно в женских портретах; фактически грубость была ведущей характеристикой произведений, которые никогда не были вялыми или бездушными.

Сэр Уильям Бичи (1753—1839) — портретист, пользовавшийся значительным расположением при дворе. Утверждают, что он начинал свой жизненный путь то ли маляром, то ли клерком у стряпчего. Он посвятил себя изучению искусства в Королевской академии художеств. Некоторое время он жил в Норидже, создавал жанровые сценки в манере Хогарта, но в конце концов обосновался в Лондоне как портретист и практиковал с большим успехом. В 1793 году Бичи был избран членом-корреспондентом Королевской академии художеств и исполнил портрет королевы Шарлотты, которая осталась им настолько довольна, что назначила его портретистом ее Величества. Представленный таким образом ко двору, Бичи зашагал по «усыпанной розами дорожке» успеха и в 1798 году написал конный портрет Георга III с изображениями принца Уэльского и герцога Йоркского на смотру в Гайд-парке. Художник был возведен в рыцарское достоинство и избран королевским академиком. Картина «Георг III на смотру 3-го и 10-го драгунских полков» находится в Хэмптон-корте. Его «Портрет Ноллекенса», скульптора, хранится в Национальной галерее. Главное достоинство Бичи — точность сходства.

Джон Хоппнер (1759—1810) — еще один портретист, преуспевший при дворе. Сначала певчий в Королевской капелле, он изучал искусство в академических школах, стал членом-корреспондентом в 1793 году и был избран действительным членом в 1795-м. Он пользовался огромной популярностью как портретист, находя соперника лишь в лице Лоуренса. Множество лучших работ Хоппнера находятся во Сент-Джеймсском дворце. Три из них хранятся в Национальной галерее: «Уильям Питт», «Джентльмен» Смит (актер) и «Графиня Оксфорд». Три его работы находятся в Хэмптон-корте; среди них — «Миссис Джордан в образе Комической музы».

Образцы творчества почти всех вышеупомянутых портретистов можно посмотреть в Национальной портретной галерее в Южном Кенсингтоне.

ХУДОЖНИКИ-АНИМАЛИСТЫ.

Первые анималисты в Англии были готовы зарабатывать деньги, если не славу, запечатлевая портреты любимых скаковых лошадей и призовых быков для деревенских сквайров, которые любили украшать свои стены изображениями своих предков и своих конных заводов. Первым, кто снискал себе имя в этой ветви искусства, стал Джон Вуттон, ученик Джона Вика. Он прославился в скаковых кругах Ньюмаркета благодаря портретам скаковых лошадей и получал крупные суммы за изображения собак и лошадей. Позже он пробовал писать пейзажи, преимущественно сцены охоты. Его работы хранятся в загородных усадьбах, особенно в Бленхейме, Лонглите и Дитчли. Вуттон умер в 1765 году.

Джеймс Сеймур (1702—1752) также прославился как живописец скаковых лошадей и сцен охоты; он наиболее известен по гравюрам с его работ.

Джордж Стаббс (1724—1806) был сыном ливерпульского хирурга, от которого, вероятно, унаследовал любовь к анатомии. Он всю жизнь с одинаковым усердием занимался живописью и анатомическими штудиями и, как говорят, однажды нес дохлую лошадь на спине в свою анатомичку. Эта история более чем сомнительна, хотя Стаббс обладал огромной физической силой. Он первым придал поэзию жизни и движения картинам с животными, выйдя за рамки простого портрета ньюмаркетского любимца или перекормленного быка. Королевская академия художеств избрала его членом-корреспондентом в 1780 году, но поскольку он отказался представить одну из своих работ, его так и не сделали действительным членом. Среди его работ — «Лев, убивающий лошадь», «Тигр, лежащий в логове», благородный портрет в натуральную величину знаменитого скакуна «Уистл-Джекет», который находится в Вентворт-Вудхаусе, и «Падение Фаэтона». Последнюю картину он повторял четыре раза. Он опубликовал «Анатомию лошади» с офортами по собственным препарированиям.

Соури Гилпин (1733—1807) добился значительного успеха как художник-анималист. Он родился в Карлайле и был отправлен в Лондон клерком. Подобно многим другим, он предпочел студию конторе и, заручившись расположением герцога Камберлендского в Ньюмаркете, получил набор комнат и вскоре прославился как живописец лошадей. В 1770 году он выставил в Спринг-Гарденс полотно «Дарий, получающий Персидскую империю благодаря ржанию своего коня», а в следующем году — «Гулливер, прощающийся с гуингнмами». Гилпин был избран королевским академиком в 1797 году.

«Место водопоя». Работа Морланда.

Джордж Морланд (1763—1804), хотя и не был исключительно живописцем животных, наиболее известен именно в этом жанре. История его жизни описывает растраченные возможности, безрассудную экстравагантность и неверно использованные таланты. Воспитанный с неразумной строгостью своим отцом Генри Робертом Морландом (ум. 1797), известным портретистом, Джордж Морланд, едва освободившись от домашней дисциплины, вступил на путь разгульной жизни, которая привела его к бесславной могиле, для которой он сам сочинил эпитафию: «Здесь лежит пьяный пес». Ошибочно полагать, что Морланд был самоучкой, поскольку, хотя его отец возражал против поступления сына в академические школы, он сам был его учителем и столь усердно заставлял мальчика заниматься, что тот возненавидел самое слово «работа».

Еще в 1779 году юный Морленд был почетным экспонентом эскизов в Академии. В девятнадцать лет он порвал с семьей и вел беспутную, разгульную жизнь. Подобно большинству блудных сыновей, мнящих себя свободными, Морленд стал рабом. Его надсмотрщиком был маршан, наживавший состояние на гении юноши, чье падение он же и ускорял. Покинув его, художник отправился в Маргит, некоторое время писал миниатюры, а оттуда уехал во Францию. Он не мог заставить себя заняться регулярным трудом, хотя нужда порой заставляла его браться за работу, чтобы не умереть с голоду. Следующим этапом в жизни Морленда стало пребывание у его друга Уильяма Уорда, мастера меццо-тинто, где искреннее увлечение Нанси Уорд заставило его на время взяться за труд. Картины, написанные им в этот период, были навеяны произведениями Хогарта и изображали сюжеты, с которыми Морленд был знаком слишком хорошо. «Праздный и усердный подмастерье», «Праздная прачка и усердная крестьянка», «Летиция, или Соблазнение» (серия) — все они были написаны с натуры. В 1786 году Морленд женился на мисс Уорд, но образ его жизни не изменился. Иногда его окружали жадные покупатели, и он использовал свою популярность лишь как средство для еще больших транжирства и кутежей. В какой-то момент у него содержалось десять или двенадцать лошадей, а беспутные компаньолы, промышлявшие скачками, тотализатором и торговлей картинами, обманывали его на каждом шагу. Несчастный Морленд становился легкой добычей таких людей. Его картины копировались прямо в процессе работы — в те часы, когда он временно покидал мастерскую. К 1790 году Морленд достиг вершины своего мастерства, а два года спустя появилась картина «Цыгане». Последние дни художника были поистине мрачными. Отягощенный долгами и страшась ареста, он трудился как раб, редко покидая мастерскую, где собутыльники то буйствовали, то позировали ему в качестве натурщиков, а собаки, свиньи и птицы делили с ним это неубранное помещение. В 1799 году он был арестован и жил в пределах Флитской тюрьмы, среди всех безобразий этого мрачного места и времени. Освобожденный по Закону о несостоятельности в 1802 году, художник, с подорванным здоровьем и разрушенной репутацией, был вновь арестован за долги в таверне и закончил свою жизнь в долговой тюрьме 29 октября 1804 года. Его жена умерла от горя тремя днями позже и была похоронена рядом с мужем на кладбище часовни святого Иакова на Хэмпстед-роуд.

Морленд писал преимущественно сельские пейзажи, воскрешая в памяти счастливые дни, и вводил в свои произведения животных, таких как свиньи и ослы. Создававшиеся ради куска хлеба, непостоянно и урывками, его картины рождались в спешке и писались без глубоких раздумий и предварительных штудий. Он внес большой вклад в то, чтобы донести простую красоту английских видов до широкой публики и убедить англичан в том, что им вовсе не обязательно отправляться в Италию на поиски сюжетов для своего искусства. Морленд любил общество простолюдинов даже на своих полотнах и чувствовал себя как дома в разоренном хлева с облезлым ослом и «грязным Бруксом», сапожником. В Национальной галерее хранятся его полотна «Внутри конюшни» (предположительно изображающая трактир «Белый лев» в Паддингтоне) и «Каменоломня с крестьянами». В Музее Южного Кенсингтона находится превосходный образец его искусства под названием «Расчет», а в Национальной портретной галерее представлен его автопортрет, написанный в молодые годы.

ГЛАВА VI. КНИЖНЫЕ ИЛЛЮСТРАТОРЫ.

Самыми ранними книжными иллюстрациями в Англии были миниатюры и их воспроизведения в гравюре на дереве. За ними последовали фронтисписы, на которых портрет окружала аллегория. В этой области искусства работали УИЛЬЯМ ФЕЙТХОРН (1616—1691) и ДАВИД ЛОГГАН (ок. 1630—1693). Затем появились топографические виды, естественнонаучные и ботанические иллюстрации. Рисунки Хогарта к «，Худибрасу» относятся к числу ранних примеров повествовательной иллюстрации. ФРАНСИС ХЕЙМАН (1708—1776), его друг, иллюстрировал пьесы Конгрива, Мильтона, шекспировское издание Хэнмера и другие труды. За ним последовали САМУЭЛЬ УЭЙЛ (ум. 1786) и ДЖОЗЕФ ХАЙМОР (1692—1780), иллюстрировавший «Памелу». Ближе к концу XVIII века книжная иллюстрация стала признанным жанром художественного творчества. Издание «Британские поэты» Белла, начатое в 1778 году, «Британский театр» и Шекспир открыли широкое поле деятельности для художников этого направления. Чиприани, Ангелика Кауфман, Уильям Гамильтон и Фрэнсис Уитли, являвшиеся членами Королевской академии художеств, привлекались к иллюстрированию изданий Белла. Среди книжных иллюстраторов прославился —

Из «Ада» Данте. Работа БЛЕЙКА.

УИЛЬЯМ БЛЕЙК (1757—1827). — Хотя Уильям Блейк, сын чулочника, происходил из простого торгового сословия и родился в столь неромантичном месте, как Брод-стрит на Голден-сквер, он был поэтом, живописцем, гравером и даже печатником. Его гений носил оригинальный, эксцентричный характер, и многие считали его безумцем. На протяжении всей своей долгой жизни он оставался «мечтателем наяву» и поэтическим визионером. То он встречался с «серыми, лучезарными, величественными, колоссальными тенями» Моисея и Данте, то верил, что Лот занимает пустующее кресло в его мастерской. То ему мерещилось, будто покойный брат открыл ему новый способ рисования по меди, который он с успехом практиковал. Отрешенный от мира и непонятый, Блейк всегда был занят работой, всегда беден и всегда счастлив. Он жил вне забот повседневности, в собственном мире грезителя, то и дело «лицезреючи похороны фей или зарисовывая демона блохи». Несмотря на нищету и забвение, поэт и художник был доволен своей судьбой. Спасенный от лавки чулочника, к которой его готовили, Блейк в четырнадцатилетнем возрасте поступил в ученики к младшему Базиру, гравёру. Всю жизнь он трудился не ради денег, а во имя искусства, заявляя, что его дело — «не собирать золото, а создавать прекрасные формы, выражающие богоподобные чувства». Тяжелый труд резчиком давал ему кусок хлеба, а по окончании дневных трудов он мог воплощать переполнявшие его фантазии в картинах и стихах. Поначалу он занимался главным образом книжной иллюстрацией. Женившись на двадцать пятом году жизни, он нашел в своей избраннице по имени Кэтрин Буше верную и полезную помощницу, которая считала, что поступки ее мужа диктуются высшим знанием. Сватался Блейк быстро и в своем неповторимом стиле. Когда он рассказывал будущей жене о неприятностях, вызванных легкомыслием другой девицы, она произнесла: «Как я вам сочувствую!» — «Вы мне сочувствуете? — ответил художник. — Тогда я люблю вас за это!» И они поженились. Неудивительно, что современники почитали Блейка за сумасшедшего, ведь он часто совершал странные поступки. В 1791 году Блейк создал рисунки и выгравировал шесть пластинок к «Сказкам для детей» Мэри Уолстонкрафт, а позднее — «Книгу Иова», «Ад» Данте, «Ночные мысли» Юнга, «Могилу» Блэра и другие циклы. Многие его композиции являют собой величественные и прекрасные замыслы, причудливое, но зачастую парящее и грандиозное воображение, колористическое великолепие, энергию, мягкость и даже красоту форм; они редко бывали лишены поэтичности. Некоторые из них естественны и просты, со вспышками того озарения, которое было свойственно всем произведениям Блейка. Техника рисования на меди — вернее, выдавливания на ней рисунка, — авторство которой, по его утверждению, было открыто ему духом покойного брата, давала рельефную поверхность, с которой Блейк мог печатать как саму иллюстрацию, так и сочинённые им стихи. Этим методом он издал собственные «Песни невинности и опыта» — шестьдесят восемь лирических произведений, о которых говорили, что «они могли быть написаны вдохновенным ребенком и не имеют себе равных по изысканной нежности и страсти, кроме как у Вордсворта». За ними последовали «Америка. Пророчество» и «Европа. Пророчество» — написанные свободным стихом, фантасмагорические и почти непостижимые сочинения. Он иллюстрировал Данте, когда его настигла смерть, и, счастливый до самого конца, он отошел в иной мир, распевая экспромтом песни.

Сон. Работа СТОТХАРДА.

ТОМАС СТОТХАРД (1755—1834) начинал свой путь как рисовальщик узорных шелковых тканей, но, осознав истинное призвание своего дарования, стал создавать иллюстрации для журналов «Таун энд Кантри Мэгезин» и «Новелистс Мэгезин», «Оссиана» и «Поэтов» Белла. Его работы затрагивают более мягкую и светлую сторону человеческой природы, и в них зримо отражается тихий, простой характер самого мастера. Его одиннадцать иллюстраций к «Перегрину Пиклю» увидели свет в 1781 году и служат превосходным примером его правдивости и изящества. Он был по сути своей тихим созерцателем, и сцены страстей и бурь были чужды его натуре. Под его карандашом Траннион и Пайпс становились живыми людьми, а «Кларисса» и другие романы Ричардсона обрели благодаря ему бессмертие, которого они никогда бы не добились собственными достоинствами. В 1788 году Стотхард создал иллюстрации к «Путешествию Пилигрима», которые, обладая нежностью и красотой, все же касаются тем, лежащих за пределами его дарования. Его рисунки к «Робинзону Крузо» принадлежат к числу его лучших творений. В 1791 году Стотхард стал кандидатом в члены Королевской академии художеств (A.R.A.), а в 1794 году — ее действительным членом. Его самая известная живописная работа — «Невоздержанность» на лестнице Берли-Хауса в Нортгемптоншире. В Национальной галерее хранится восемь его произведений, включая первоначальный эскиз «Невоздержанности». Одной из самых популярных, хотя и не лучших его картин является «Шествие кентерберийских паломников». Собрание рисунков Стотхарда находится в Британском музее.

ДЖОН ХАМИЛТОН МОРТИМЕР (1741—1779), уроженец Истборна, приехал в Лондон и многообещающе начал свой путь в мире искусства. Он получил премию в сто гиней от Общества искусств за картину «Обращение апостола Павла в христианство британцев» и написал другие крупные исторические полотна. Однако Мортимер скатился к расточительности и забросил искусство. Его масляные живописные работы «тяжелы и неприятны по колориту», рисунки же удавались ему лучше. Он выполнял иллюстрации к «Поэтам» Белла, «Шекспиру» и другим изданиям, выбирая сцены, в которых видную роль играли бандиты и чудовища.

ТОМАС КИРК (ум. 1797), ученик Косвея, был художником больших надежд. Лучшими его работами стали иллюстрации к «Поэтам» Кука.

РИЧАРД ВЕСТАЛЛ (1765—1836) был как книжным иллюстратором, так и мастером акварели. Он создал пользовавшиеся огромной популярностью рисунки к Библии и Молитвослову. Его самые известные работы — иллюстрации к «Тысяче и одной ночи». Его брат УИЛЬЯМ ВЕСТАЛЛ (1781—1850) был известным мастером рисунка, в особенности пейзажного.

Портрет. Работа СМИРКА.

РОБЕРТ СМИРК (1752—1845), уроженец Уигтона в Камберленде, известен главным образом своими иллюстрациями к произведениям Шекспира и Сервантеса. Он рано приехал в Лондон и в качестве ученика художника-геральдиста расписывал каретные панели. Он учился в Академии и в 1786 году выставил работы «Сабрина» (по поэме «Комус») и «Нарцисс». При избрании Смирка действительным членом Академии его дипломным полотном стал «Дон Кихот и Санчо». В Национальной галерее хранятся двенадцать иллюстраций к «Дон Кихоту» (три из которых изображают сцены из того же эпизода) и сцена из комедии «Лицемер», в которой фигурируют Моуворм, доктор Кентвелл и леди Ламберт.

ТОМАС ЮВИНС (1782—1857) начинал свой путь как ученик гравёра, поступил в школу Королевской академии художеств и прославился как книжный иллюстратор, а также как портретист. Его книжные иллюстрации представляли собой главным образом фронтисписы, виньетки и украшения титульных листов. Ювинс некоторое время состоял членом Общества акварелистов — с 1809 по 1818 год. В 1824 году он посетил Италию и после семилетнего пребывания там вернулся, чтобы заслужить славу и почет своими живописными полотнами маслом. В 1833 году он был избран кандидатом в члены Королевской академии художеств (A.R.A.), в 1839 году — академиком, а впоследствии занимал должности библиотекаря Академии, хранителя картин Ее Величества и смотрителя Национальной галереи. Среди его лучших картин — «Шляпа разбойника» и «Сбор винограда в Клерэ» (Национальная галерея), «Итальянская мать, обучающая ребенка тарантелле» и «Неаполитанский мальчик, украшающий голову своей возлюбленной» (Музей Южного Кенсингтона).

Прежде чем завершить разговор об этой области искусства, необходимо упомянуть человека, который, будучи гравером, а не живописцем, занимает важное место среди книжных иллюстраторов:

ТОМАС БЬЮИК (1753—1828), родившийся в Черриберне близ Ньюкасла-он-Тайн, ввел в практику изысканную манеру ксилографии. До тех пор многие книжные иллюстрации гравировались на меди и неизбежно печатались отдельно от текста. Метод Бьюика позволял отпечатывать гравюру и иллюстрируемые ею строки одновременно. Таким образом он украсил «Басни Гея», «Общую историю четвероногих» и свой самый знаменитый труд — «Историю британских птиц» (1797), в котором проявил глубокие познания естествоиспытателя в сочетании с мастерством художника. Его последней работой стали иллюстрации к басням Эзопа, над которыми он трудился шесть лет. Ему помогал его брат Джон Бьюик, заложивший основы школы мастеров ксилографии, а также некоторые ученики Джона, среди которых были Роберт Джонсон и Люк Клэннелл.

Мы уже видели, что современное английское искусство началось с портретной живописи, которая всегда пользовалась и будет пользоваться популярностью. Мы отмечали некоторых мастеров миниатюры, или «живописцев малых форм», процветавших в XVI и XVII веках, когда в искусстве миниатюры блистал Сэмюэл Купер, чей талант до сих пор не превзойден.

Вальдшнеп. Из книги «История британских птиц» ТОМАСА БЬЮИКА.

ТОМАС ФЛАТМАН (1633—1688), выпускник Оксфорда и барристер, оставивший адвокатуру ради живописи, добился больших успехов в миниатюрном жанре.

АЛЕКСАНДР БРАУН, его современник, писал портреты Карла II и других придворных. Он также занимался гравюрой и в 1699 году опубликовал труд под названием «Ars Pictoria», снабженный тридцатью одним офортом.

ЛьюИС КРОСС (ум. 1724) был ведущим мастером миниатюры в царствование королевы Анны.

Концовка работы БЬЮИКА.

ЧАРЛЬЗ БОЙТ, швед по рождению, работал в этот период как миниатюрист. Потерпев неудачу в ювелирном деле, он покинул Лондон, чтобы давать уроки рисования в провинции. Там он, как утверждается, склонил к обещанию брака ученицу — дочь офицера; когда же эта интрига раскрылась, несостоявшийся жених на два года угодил в тюрьму, где и обучился искусству миниатюрной живописи по эмали. Миниатюрная живопись делится на два вида: портреты акварелью на слоновой кости и эмалью по меди, причем последняя техника является более сложной. Выйдя на свободу, Бойт стал заниматься миниатюрой в Лондоне и запрашивал за свои работы высокие цены, хотя колорит его произведений отнюдь не назовешь приятным. Он пользовался благосклонностью при дворе, но когда он пытался подготовить пластину большего обычного размера для размещения портретов членов королевской семьи и высших придворных, королева Анна скончалась, и Бойт, одолживший денег на приобретение этой пластины, остался без всякой надежды расплатиться с кредиторами. Бежав во Францию, он вновь преуспел в своем искусстве и умер в Париже в 1726 году.

КРИСТИАН ФРЕДЕРИК ЦИНКЕ (1684—1767), уроженец Дрездена, связал свою творческую судьбу с Англией. Он был учеником Бойта, но вскоре превзошел своего учителя. Его живопись по эмали отличалась простотой и изысканностью, рисунок — изяществом, а колорит — приятной гаммой. Георг II был в числе его многочисленных покровителей. Несколько эмалей Цинке хранятся в Королевском собрании.

ДЖЕЙМС ДИКОН сменил Цинке в качестве жильца его дома на Тависток-стрит в Ковент-Гардене и имел все шансы унаследовать его место как мастера миниатюры, однако заразился тюремной лихорадкой во время судебного заседания в Олд-Бейли и скончался в 1750 году.

ДЖАРВИС СПЕНСЕР, бывший некогда домашней прислугой, благодаря своему таланту и упорству занял видное место среди миниатюристов той эпохи. Поистине, после кончины Дикона он стал самым модным художником своего круга. Он скончался в 1763 году.

Некоторые художники сочетали мастерство ювелиров и серебряников с искусством эмальеров. Вошло в моду украшать часы, броши, табакерки и прочие безделушки портретами друзей и возлюбленных владельца, и таким образом ремесло ювелира тесно переплелось с трудом художника-миниатюриста.

ДЖОРДЖ МАЙКЛ МОЗЕР, королевский академик (1704—1783), сын скульптора из Санкт-Галлена в Швейцарии, в юные годы приехал в Англию и впервые обратил на себя внимание как чеканщик по латуни — излюбленному материалу для отделки мебели той поры. Он заслуженно славился как мастер миниатюрной эмали и получил заказ украсить часы Георга III портретами двух старших принцев. Он создал проект Большой государственной печати. Мозер был членом Академии на Сент-Мартинс-Лейн, а в 1766 году вступил в Объединенное общество художников. Он являлся одним из основателей Королевской академии художеств и ее первым хранителем.

НАТАНИЕЛЬ ХОУН (1718—1784) стоит сразу за Цинке как миниатюрист, хотя между ними пролегает огромная пропасть. Он был самоучкой и, покинув родной Дублин, некоторое время пробыл в провинции, практикуя как портретист, после чего добился большого успеха в Лондоне. Он был одним из членов-учредителей Королевской академии художеств, однако навлек на себя немилость этого ведомства, высмеяв президента в картине, которую прислал на выставку.

ЕРЕМИЯ МЕЙЕР (1735—1789), как принято считать, был учеником Цинке, но это, вероятно, ошибка. Выходец из Академии на Сент-Мартинс-Лейн, уроженец Вюртемберга Мейер стал эмальером Георга III и миниатюристом королевы. В его работах заметно тщательное изучение творческого наследия Рейнольдса. Он являлся одним из первоначальных членов Королевской академии художеств.

РИЧАРД КОЛЛИНЗ (1755—1831), ученик Мейера, занимал должность миниатюриста Георга III, и его творения составляли важную часть академических выставок.

САМУЭЛЬ ШЕЛЛИ, хотя и родился в Уайтчепеле — местечке поистине нехудожественном, — обладая скудным художественным образованием, стал модным миниатюристом. Он с пользой для себя изучал Рейнольдса и обращался к историческим сюжетам в миниатюре. Он был одним из основателей Общества акварелистов и скончался в 1808 году.

ДЖЕЙМС НИКСОН, кандидат в члены Королевской академии художеств (ок. 1741—1812), был миниатюристом принца-регента и искусным мастером книжной иллюстрации.

ОЗИАС ХАМФРИ (1742—1810) начал заниматься миниатюрой в Бате, побывав учеником в Академии на Сент-Мартинс-Лейн. По приглашению Рейнольдса он вернулся в Лондон. Выставленная им в 1766 году миниатюра привлекла всеобщее внимание и принесла ему покровительство короля. Вынужденный в 1772 году отправиться за границу из-за слабого здоровья, Хамфри изучал итальянское искусство и пять лет спустя вернулся, снедаемый страстью попробовать свои силы в исторической живописи. Здесь его ждала неудача, и ни исторические сюжеты, ни масляные портреты не принесли ему того успеха, которым пользовались его миниатюры. Разочарованный, в 1785 году он уехал в Индию и писал портреты знатных уроженцев этой страны. Три года спустя Хамфри вновь обосновался в Лондоне как миниатюрист, где в 1791 году был избран королевским академиком. Шесть лет спустя он полностью потерял зрение. О его миниатюрах говорят, что они ближе всего подходят к живописи Рейнольдса. Хамфри также преуспел в работе пастелью (крайонами).

ДЖОРДЖ ЭНГЛХАРТ, выставлявший миниатюрные портреты в Королевской академии художеств уже в 1773 году, в 1790 году был назначен миниатюристом короля. Он писал как по эмали, так и по слоновой кости. Он участвовал в выставках до 1812 года.

РИЧАРД КОСВЕЙ (1740—1821) славился своим искусством миниатюры, в котором с ним в ту пору никто не мог сравниться, а также тщеславием, расточительностью и чудачествами. Его излюбленным приемом было создание небольших ростовых портретов, тела которых исполнялись карандашом, а лица — в цвете. Ни одна красавица того времени не чувствовала себя счастливой, если ее прелести не были запечатлены Косвеем; светские подруги принца-регента числились среди его самых преданных покровителей, а сам принц часто навещал художника. Жена Косвея, Мария, была талантливой миниатюристкой и работала для шекспировского издания Бойделла и «Поэтов» Маклина. О сплетнях вокруг нее и ее мужа нам нет нужды распространяться. В последние годы жизни Косвей уверял, что разделяет учение Сведенборга и идеи месмеризма (животного магнетизма), делал вид, будто беседует с людьми за границей, претендовал на способность воскрешать мертвых и заявлял, что Дева Мария неоднократно позировала ему для портрета. Он был избран ассоциированным членом Королевской академии художеств в 1770 году и действительным членом в 1771 году.

ГЕНРИ БОУН (1755—1834) начинал свой путь как ученик на фарфоровой мануфактуре в Плимуте, где расписывал цветы и пейзажи по керамике, после чего добился успеха как эмальер. Покинув мануфактуру, Боун начал работать в Лондоне, выполняя эмалевую роспись на небольших безделушках. Широкую известность он приобрел в 1781 году благодаря портрету собственной жены. Успех Боуна был стремительным. В 1811 году он был избран академиком и состоял эмальером при Георга III, Георге IV и Вильгельме IV. Самыми известными его работами стали миниатюры по оригиналам Рейнольдса, Тициана, Мурильо и Рафаэля. Примечательны также его портреты членов семейства Рассел со времен правления Генриха VII, знаменитых роялистов времен гражданской войны и восемьдесят пять портретов деятелей елизаветинской эпохи.

ГЕНРИ ЭДРИДЖ (1769—1821) — еще один мастер миниатюры, обязанный частью своего успеха тщательному следованию манере Рейнольдса. Он писал миниатюры на слоновой кости, а некоторое время — на бумаге, используя графитный карандаш поверх отмывки китайской тушью. Он также добился больших успехов как художник-пейзажист, работающий акварелью.

ЭНДРЮ РОБЕРТСОН (1777—1845), сын краснодеревщика из Абердина, прибыл в Лондон пешком в 1801 году и заручился покровительством президента Бенджамина Уэста, чей портрет он написал. В свое время Робертсон стал весьма успешным миниатюристом и практиковал в этом жанре более тридцати лет. Его портретные сходства достоверны, хотя они и не входят в первый ряд произведений миниатюрного искусства.

АЛФРЕД ЭДВАРД ШАЛОН (1781—1860), уроженец Женевы французского происхождения, занимает почетное место в истории английского искусства как портретист-акварелист; его миниатюры на слоновой кости полны жизни, энергии и оригинальности. В 1816 году он был избран академиком (R.A.). Как живописец масляными красками Альфред Шалон добился значительных успехов. Среди его полотен маслом особого упоминания заслуживают «Игра в жмурки», «Самсон и Далила» (выставлявшаяся вторично на Всемирной выставке 1862 года) и «София Уэстерн». Шалон умел не только писать оригинально, но и подражать манере старых мастеров с такой точностью, что некоторые его работы даже знатоки приписывали Рубенсу, Ватто и другим. Его старший брат ДЖОН ДЖЕЙМС ШАЛОН (1778—1854) снискал известность как пейзажист.

УИЛЬЯМ ЭССЕКС (1784—1869) работал в технике эмали и в 1824 году выставил в Королевской академии художеств портрет императрицы Жозефины по оригиналу Изабе. В 1839 году он был назначен художником-эмальером королевы, а в 1841 году — принца-консорта. Он был одним из последних мастеров живописи по эмали.

Утренняя прогулка. Работа Альфреда Э. Шалона.

УИЛЬЯМ ДЕРБИ (1786—1847) славился своими тщательными миниатюрными копиями известных портретов. Он много сотрудничал над изданием «Портреты прославленных лиц» Лоджа.

Сэр УИЛЬЯМ ЧАРЛЬЗ РОСС (1794—1860) завершает плеяду ушедших из жизни мастеров миниатюры. Росс проявлял склонность к искусству еще в детской. Он стал помощником Эндрю Робертсона, и хотя его истинным призванием была миниатюра, он стремился к высотам исторического жанра. Его картины «Суд над Брусом», «Христос, изгоняющий бесов» (выставленная в 1825 году) и «Ангел Рафаил, беседующий с Адамом и Евой» (удостоенная дополнительной премии в 100 фунтов на Выставке картонов в 1843 году) служат образцами его дарования в этой области в разные периоды творчества. В истории же искусства он останется прежде всего как миниатюрист. В 1839 году он был избран действительным академиком и в том же году удостоен рыцарского звания. Двор благоволил ему. Он писал миниатюрные портреты королевы и членов королевской семьи, Саксен-Кобург-Готского дома, а также короля и королевы Португалии. Покойный император французов в бытность свою принцем Луи Наполеоном числился среди его многочисленных моделей.

ГЛАВА VII. ХУДОЖНИКИ-АКВАРЕЛИСТЫ. (1750—1875.)

Акварельная живопись в определенном смысле является древнейшим видом изобразительного искусства. Мы находим ее образцы в гробницах египтян, в римских катакомбах и в домах Помпей. Масляная живопись по сравнению с ней — процесс современный, хотя утверждение, будто она была изобретена братьями Ван Эйк лишь в начале XV века, ныне признано ошибочным. Самые ранние картины исполнялись красками, растворимыми в воде и смешанными с определенными ингредиентами, необходимыми для их закрепления. Таким образом создавались настенные росписи в технике темперы, знакомой нам как живопись клеевыми красками. Картоны Рафаэля представляют собой образцы темперной живописи на бумаге, а «Триумф Цезаря» Мантеньи (Хэмптон-корт) служит примером аналогичной техники на холсте. Искусство акварели практиковалось ранними итальянскими и немецкими художниками, а также мастерами фламандской и голландской школ. Во многих миниатюрах часословов как в этой стране, так и за ее пределами использовались акварельные краски со значительной примесью белил. То же самое было свойственно и ранним английским миниатюристам, которые начинали с применения укрывистых красок и постепенно переходили к прозрачным пигментам. Несмотря на всю древность акварельной живописи, создание школы акварели в том смысле, в каком этот термин понимается сегодня, принадлежит нашей стране. Мы обязаны этой современной школе вовсе не мастерам темперы, не иллюстраторам часословов и не ранним миниатюристам. Ее истоки следует искать в практике топографов, зарисовывавших руины, здания и пейзажи для антикваров. Первые подобные работы выполнялись контуром с помощью тростникового пера. Примеры можно увидеть в некоторых небольших картинах Альбрехта Дюрера в Британском музее. Использовавшиеся пигменты были прозрачными и наносились на бумагу. Самые ранние из этих картин выполнены в монохромной гамме — черной или серой; затем кое-где стали добавлять цвет, и весь эффект в целом напоминал цветную гравюру. Таковы «тонированные», или «крашеные», рисунки, от которых берут свое начало наши современные акварели. Ранний метод господствовал долгое время, что можно видеть по историческому собранию акварелей в Южном Кенсингтоне, однако постепенно искусство развивалось, применялись лучшие пигменты, и уже к 1790 году наметился заметный прогресс, приведший к триумфам Гртина и Тёрнера, а также к более блестящим образцам позднейших дней. У современного направления акварели есть одно великое преимущество: оно оттолкнулось от природы, не будучи сковано условными правилами или традициями. Ранние топографы сталкивались с природой лицом к лицу; некоторые из них, подобные Уэбберу и Александру, расширяли свои наблюдения до дальних стран, другие же, открывая красоты собственной родины, довольствовались копированием природы. Нашим художникам конца прошлого и начала нынешнего века предстояло придать акварельному искусству новый, более высокий характер, благодаря которому оно из скромных зачатков выросло в чисто национальную и самобытную школу. Практикуемая чередой гениальных мастеров, она породила самостоятельную ветвь искусства, занявшую равное место с масляной живописью. Более светоносная и едва ли менее мощная, чем произведения, написанные в этой технике, акварель в умелых руках позволила с полнейшей полнотой выразить природу и идеально воплотить идеал.

ПОЛ СЭНДБИ (1725—1809) вошел в историю как «отец акварельного искусства», однако, поскольку он никогда не шел дальше подкрашенного рисунка и до конца дней использовал тушь для теней, а перо для контуров, это звание незаслуженно. Сэндби был уроженцем Ноттингема и, прослужив в Чертежном бюро в Тауэре, поселился в Виндзоре в 1752 году, став учителем рисования детей Георга III. Он был одним из членов-учредителей Королевской академии художеств в 1768 году и тогда же получил должность преподавателя рисунка в Военной школе в Вулидже. Он написал множество видов окрестностей Виндзора, а для сэра Уоткина В. Уинна и сэра Джозефа Бэнкса исполнил пейзажи Уэльса. Образцы его искусства в технике корпусной краски и тонирования находятся в коллекции Южного Кенсингтона, включая «Древний бук», исполненный корпусной краской; «Круглая темница» выполнена тушью с легкой подкраской; «Пейзаж с собакой и фигурами» решен в манере полноцветной тонировки.

ТОМАС ХИРН (1744—1817) в молодые годы перебрался из Уилтшира в Лондон и предназначался к торговой деятельности. Тем не менее он поступил в ученики к граверу Вуллетту. В 1771 году он отправился на Подветренные острова в качестве официального рисовальщика при губернаторе, и это новое занятие побудило его оставить гравюру ради топографического вида. Он тонировал пейзажи с активным использованием локального цвета. В Южном Кенсингтоне хранятся его работы «Деревенский трактир», «Вид Ричмонда», две марины по оригиналам Ван де Велде и «Замок Кэкстор».

УИЛЬЯМ ПЕЙН, занимавший некогда гражданскую должность на Плимутской верфи, приехал в Лондон в 1790 году. Ранее он экспонировал тонированные виды Девоншира, которые привлекли внимание Рейнольдса. Он наиболее известен как изобретатель нейтрального тона, получившего название «серая пейна».

АЛЕКСАНДР КОЗЕНЦ (ум. 1786), внебрачный сын Петра Великого, родился в России. Изучав искусство в Италии, он прибыл в Англию в 1746 году и практиковал как преподаватель рисования. Обладая тонким поэтическим чувством и благородным пониманием масштабности, этот художник оставил глубокий след в душах своих последователей.

ДЖОН УЭББЕР (1752—1793) путешествовал по Италии, Франции и Швейцарии, создав многочисленные рисунки. Он был официальным рисовальщиком в последнем плавании капитана Кука и свидетелем его гибели.

ДЖОН РОБЕРТ КОЗЕНЦ (1752—1799), сын Александра Козенца, был одним из первых мастеров, практиковавших акварельную живопись в современном понимании этого термина. Его работы в технике тонирования преисполнены поэтической красоты и демонстрируют заметный шаг вперед по сравнению с творениями его предшественников. В Южном Кенсингтоне можно увидеть его «Палаццо Киджи близ Альбано». Констебл, на которого искусство Козенца произвело сильное впечатление, говорил, что он был «величайшим гением, когда-либо касавшимся пейзажа». Он первым вышел за рамки чистой топографии и придал своим картинам подлинный лиризм. Хотя он трудился главным образом в принятой манере тонирования, в его полотнах прослеживаются признаки благородного движения вперед, которому вскоре предстояло стать еще более очевидным.

ДЖОН СМИТ (1749—1831), прозванный «Уорик Смит», вероятно, потому, что путешествовал по Италии с графом Уориком или по его поручению. Шесть его итальянских зарисовок находятся в Южном Кенсингтоне. Гейнсборо говорил, что «он был первым акварелистом, который до конца провел свой замысел». В 1816 году он стал президентом Общества акварелистов. Здесь мы должны вкратце упомянуть ТОМАСА РОУЛАНДСОНА (1756—1827), наиболее известного своими карикатурами, в том числе иллюстрациями к «Доктору Синтаксису», «Пляске смерти» и «Пляске жизни».

УИЛЬЯМ АЛЕКСАНДР (1767—1816) сопровождал лорда Макартни в Китай в 1792 году в качестве художника миссии. Впоследствии он был назначен хранителем отдела гравюр и рисунков в Британском музее. Он иллюстрировал множество книг о путешествиях.

ДЖОШУА КРИСТАЛЛ (1767—1847), один из членов-учредителей Общества акварелистов, неоднократно занимавший пост его президента. Он обычно писал античные фигуры на фоне пейзажей и жанровые сцены. Его картины «Юный рыбак» и «Рыбный рынок на пляже в Гастингсе» хранятся в Южном Кенсингтоне.

ГЕНРИ ЭДРИДЖ, создавший прекрасные рисунки в Париже и Нормандии, уже упоминался нами среди миниатюристов.

РОБЕРТ ХИЛЛС (1769—1844) представлял анималистическую живопись в акварели и может быть назван основоположником этого направления. Он часто работал в соавторстве с другими художниками; так, в картине «Олени в пейзаже» (Южный Кенсингтон) олени написаны Хиллсом, а пейзаж — Барретом.

МАЙКЛ АНДЖЕЛО РУКЕР (1748—1801) начинал свой путь как гравер, но, получив уроки живописи у Пола Сэндби, оставил резчик и занимался как студент в Королевской академии художеств. Впоследствии он стал главным декоратором театра Хеймаркет. Он активно использовал локальный цвет в тонированных рисунках, что можно видеть на примере «Приората Сент-Ботолф» и «Церкви приората Боксгроув» (коллекция Южного Кенсингтона).

Заметное место среди художников, доказавших, что мощь и сочность, приписывавшиеся прежде лишь масляной живописи, достижимы и в акварели, занимал —

ТОМАС ГИРТИН (1773—1802), коренным образом изменивший технические приемы своих предшественников за счет прописки всей картины локальными цветами ее составных частей. Гилтин нашел друга и помощника в лице доктора Монро, обладавшего множеством прекрасных рисунков и открывавшего молодым художникам того времени свободный доступ к ним. В речных пейзажах, открывавшихся из дома доктора в Адельфи, Гуртин находил благодатные сюжеты для своего искусства, равно как и среди старинных уголков Челси и Уэндсуэрта. Позднее он расширил географию своих поездок, выбирая соборные города Английской провинции и посещая Озерный край, Шотландию и Уэльс. Гиртин любил изображать мрачные и суровые виды — такие, как меланхоличные холмы Камберленда и строгие пейзажи Шотландии, — тогда как Тёрнер, его друг и сподвижник по дому доктора Монро, воспевал свет даже при обращении к тем же сюжетам, что привлекали его товарища. Глубоко потратив драгоценное время на создание панорамы Лондона, пользовавшейся большим успехом, художник скончался в возрасте двадцати девяти лет, но успел сделать колоссальный шаг вперед в акварельной живописи, добавив к поэтичности, привнесенной Козенцем, мощь эффекта, колорита и исполнения. Удачные образцы искусства Гиртина можно увидеть на «Виде на Уорфе» и в «Аббатстве Риво» (Южный Кенсингтон).

ДЖОРДЖ БАРРЕТ младший (1774—1842) был одним из членов-учредителей Общества акварелистов. Он особенно увлекался эффектами заката.

Уильям Де ла Мотт (1780—1863) изначально был учеником президента Уэста, но оставил масляную живопись ради акварели. Он писал пейзажи в манере Гиртина, но преимущественно тяготел к архитектурным мотивам и маринам.

О ДЖОЗЕФЕ МЭЛЛОРДЕ УИЛЬЯМЕ ТЁРНЕРЕ (1775—1851) мы расскажем ниже как о мастере масляной живописи; здесь же нам необходимо охарактеризовать его влияние на акварельное искусство, которое оказалось даже сильнее влияния Гиртина. «Многие ведут отсчет полноценного развития акварели от Гиртина, но оно в гораздо большей степени обязано Тёрнеру, который, умея работать в этом материале с силой и мощью Гиртина, приумножил эту мощь деликатностью и фактурным качеством» (Редгрев). Тёрнер славится как живописец как акварелью, так и маслом, а также как создатель серий «Виды южного побережья», «Англия и Уэльс», «Реки Франции», иллюстраций к «Италии» и «Поэмам» Роджерса. Его «Liber Studiorum» представляет собой собрание ценных монохромных этюдов, хранящихся ныне в Национальной галерее. Созданные им на их основе офорты получили широкую известность. Мистер Редгрев пишет о нем: «Если какой-либо литератор и обмакивал перо в поэзию, то Тёрнер несомненно делал это своим послушным карандашом, являясь поистине одним из самых искренних поэтов природы». Его акварельные листы представлены в Национальной галерее превосходнейшим образом.

Вечер. — „Datur hora quieti“. По рисунку ТЁРНЕРА.

Несмотря на заметный прогресс акварельной живописи, до поры до времени не существовало подходящих выставочных площадей для показа созданных в ней произведений. Помещение, отведенное под акварель на выставках Королевской академии художеств, именовалось «камерой смертников». Широкая публика по-прежнему верила в превосходство масляной живописи и преклонялась перед крупными, ничем не примечательными полотнами, оставляя жемчужины искусства висеть без внимания в акварельном зале. Чтобы исправить это положение, 30 ноября 1804 года было создано Общество акварелистов, у истоков которого стояли Хиллс, Пайн, Шелли, Уиллс, Гловер и Варли. Первым президентом стал Уильям Сори Гилпин. Это общество придало новый мощный импульс акварельному искусству, а в 1808 году возникло второе объединение — Ассоциированные художники-акварелисты. Первое общество выставляло работы только своих членов, новое же объединение было менее эксклюзивным; век последнего оказался недолгим. Общество акварелистов со временем также растеряло былую популярность, и в 1813 году его члены приняли решение о роспуск. Двенадцать из них, однако, воспротивились этому шагу и продолжали ежегодные выставки в течение нескольких лет при скромных успехах. Тем временем остальные члены в 1814 году открыли выставку на Нью-Бонд-стрит и пригласили к участию британских акварелистов, не состоявших в других объединениях. Эта попытка провалилась. Первоначальное ядро переименовало себя в «Общество художников масляной и акварельной живописи», на время допустило экспонирование картин маслом и внесло другие поправки в устав, но в 1821 году вернулось к изначальному устройству. В 1823 году оно обосновалось в своем нынешнем помещении на Пэлл-Млл-Ист, с какового момента и процветает. В 1881 году оно получило наименование Королевского общества акварелистов.

В 1831 году было сформировано Новое общество акварелистов — объединение, которое два года спустя изменило название на Новое общество художников-акварелистов. В 1863 году оно превратилось в Институты акварелистов — наименование, сохраняющееся за ним и поныне. Стремительный рост числа художников этого направления диктовал необходимость создания второго общества. Третья акварельная выставка открылась в Галерее Дадли, недавно пережившей реорганизацию своего управляющего комитета.

ДЖОН ВАРЛИ (1778—1842) начинал подмастерьем у серебряника, затем у портретиста и впоследствии у архитектурного рисовальщика. Спустя время он обрел свое истинное призвание в пейзажной акварели. Как мы уже видели, он был одним из основателей Общества акварелистов. Его работы примечательны простотой и лиризмом, однако поздние произведения из-за необходимости работать в спешке отличаются большой степенью незавершенности. Варли писал главным образом уэльские виды, многие из которых находятся в Южном Кенсингтоне (например, «Мост в Беддгеллерте» и «Замок Харлех»).

УИЛЬЯМ ХАВЕЛЛ (1782—1857), еще один член-учредитель Общества акварелистов, неизменно участвовал в выставках до 1817 года, после чего отправился в Индию. По возвращении он отправлял на суд Королевской академии художеств преимущественно полотна маслом. Хавелл был в числе тех, кто способствовал выходу акварели за рамки чистой топографии, а в поздних работах перенял «солнечную манеру» Тёрнера.

САМУЭЛЬ ПРОУТ (1783—1852) наиболее известен своими зарисовками континентальных достопримечательностей (например, «Вюрцбург», «Арка Константина в Риме» и «Портал собора в Регенсбурге» из собрания Южного Кенсингтона). Он преуспел как мастер изображения хижин и древних руин, но ему редко удавалась листва. Он публиковал пособия по рисованию, содержавшие этюды с натуры.

ДАВИД КОКС (1783—1859), сын кузнеца, родился в Бирмингеме. Он рос болезненным ребенком и вместо шумных забав сверстников развлекался рисованием. Получив уроки у местного художника, он нашел работу в качестве росписи медальонов, а также декоратора в театрах Бирмингема и в амфитеатре Эстли в Ламбете. Посвятив себя пейзажу и заручившись поддержкой Джона Варли, Кокс быстро выдвинулся в ряды наиболее выдающихся мастеров своей школы, отличавшихся правдивостью колорита, чистотой и лучезарностью света в своих работах. Он был избран членом Общества акварелистов в 1813 году. Его стиль можно изучить в Южном Кенсингтоне. Ныне его произведения пользуются высочайшим спросом.

ТОМАС МАЙЛЗ РИЧАРДСОН (1784—1848), уроженец Ньюкасла-апон-Тайн, как говорят, загорелся желанием стать живописцем, увидев пейзаж Кокса. Он начал учеником у краснодеревщика. Променяв это ремесло на профессию школьного учителя, он в конце концов выбрал искусство своим призванием и стал выдающимся пейзажистом.

Гробницы Скалигеров в Вероне. Работы ПРАУТА.

ЭНТОНИ ВАНДАЙК КОПЛИ ФИЛДИНГ (1787—1855) оказался достоин носившегося им имени. Он был учеником Варли и представил свою первую картину на выставке акварелей 1810 года. С тех пор его успех был обеспечен. При жизни его работы продавались по очень высоким ценам. В 1831 году он был избран президентом Общества акварелистов и занимал этот пост до самой смерти. Филдинг исполнил несколько прекрасных масляных картин. «Он восхищается дали, просторными равнинами и волнистыми холмами. Правда, хотя пространство часто передано, результатом оказывается пустота». Примером тому служит полотно «Южные холмы в Девоне» в Южном Кенсингтоне. Морские виды относятся к лучшим произведениям Филдинга, но даже они отличаются манерностью.

Питер де Вент (1784—1849) родился в Стаффордшире и имел голландское происхождение. Будучи постоянным участником выставок Общества акварелистов и изображая сцены непосредственно с натуры, он выбирал северные и восточные графства Англии. Хлебные поля и уборка сена относятся к его любимым сюжетам. Он очень широко представлен в собрании Южного Кенсингтона.

ДЖОРДЖ ФЕННЕЛ РОБСОН (1790—1833), покинув родной Дарем, выставлял множество картин в Королевской академии художеств, но лучшие его работы появлялись на выставках Общества акварелистов. Он иллюстрировал много книг и писал совместно с Хиллсом, который изображал животных. Три его работы находятся в Южном Кенсингтоне.

ТОМАС ХИПИ (1775—1835) родился в Лондоне и, будучи, подобно многим другим художникам, отдан в ученики к нелюбимому ремеслу, оставил его ради занятия гравюрой. Это, однако, уступило место живописи, и он начал с портрета. Он впервые выставился в Королевской академии художеств в 1800 году, был принят в члены-корреспонденты Общества акварелистов в 1807 году и в его действительные члены — в 1808 году. Некоторое время он сопровождал английскую армию на Пиренейском полуострове и находил покровителей среди офицеров. В Южном Кенсингтоне хранятся две его жанровые картины: «Прибрежный пейзаж с фигурами» и «Раненая нога».

Бернкастель на Мозеле. Работы ХАРДИНГА.

УИЛЬЯМ ГЕНРИ ХАНТ (1790—1864) был одним из самых оригинальных и универсальных мастеров школы акварели. Начав как пейзажист, в более зрелые годы он преуспел в бытовых сценах из сельской жизни, в то время как в качестве живописца, писавшего фрукты и цветы, он не имел себе равных. Хант был учеником Варли и пользовался преимуществом дружбы с доктором Монро. Разноплановый характер его искусства можно увидеть в Южном Кенсингтоне на картинах «Мальчик и козы» и «Глубокая задумчивость» (негритёнок, ломающий голову над примером на сложение), которые иллюстрируют его жанровые произведения, тогда как «Цветение боярышника и птичье гнездо», «Примулы и птичьи гнезда» и «Сливы» служат примерами другой стороны таланта Ханта. Его юмористические картины «Атака», «Поражение», «Озадаченный политик» и «Цирюльня» хорошо известны.

ДЖЕЙМС ДАФФИЛД ХАРДИНГ (1798—1863), сын художника, предназначался для карьеры юриста, но предпочёл стать живописцем. В возрасте пятнадцати лет он был учеником Сэмюэла Праута, и поначалу его работы во многом были обязаны этому мастеру. Подобно своему учителю, ему не удавалась листва. Хардинг завоевал серебряную медаль Общества искусств за акварельный рисунок и стал очень популярен в качестве преподавателя рисунка. Он издал множество учебных пособий, в которых прибегал к помощи литографии. Его поездка во Францию и Италию принесла многочисленные этюды, которые вошли в «Пейзажный ежегодник». Он представлен в Южном Кенсингтоне работой «Пейзаж с лачугами». Хардинг описывается как первый художник-акварелист, который в значительной степени использовал белила в смеси с прозрачными тонами. Этот пример почти всегда пагубно сказывался на работах.

Вид с Ричмонд-Хилл. Работы ДЕ ВЕНТА.

ДЖОРДЖ КАТТЕРМОЛ (1800—1868) был родом из Диклборо, графство Норфолк. Он начал свой жизненный путь как топографический рисовальщик и изучал архитектурные древности. Это подготовило его к средневековым и романтическим сюжетам, которые он так любил: бригады, разбойники и рыцари занимают значительное место в его работах. Его путешествия по Шотландии принесли плоды в виде иллюстраций к романам Вальтера Скотта. Его картины создавались благодаря памяти, а не новым вдохновениям, и с возрастом они стали блеклыми. Среди главных произведений Каттермола — «Сир Уолтер Рэли, наблюдающий за казнью Эссекса в Тауэре», «Гамильтон из Ботвеллхога, готовящийся застрелить регента Мюррея», «Рассказ оружейника», «Челлини и разбойники», «Пираты за игрой в карты», которые все находятся в Южном Кенсингтоне.

ДЖЕЙМС ХОЛЛАНД (1800—1870) начинал как художник цветов и преподаватель этой ветви искусства. Он нашёл более широкое поприще и известен как мастер пейзажей и морских видов. В его работах поражает яркий колорит. Его «Неймеген в Голландии» находится в Южном Кенсингтоне, где также хранится серия из шестнадцати его рисунков, выполненных в Португалии.

СЭМЮЭЛ ПАЛМЕР (1805—1881) впервые выставился в Британском институте в 1819 году. В 1843 году он был избран членом-корреспондентом Общества акварелистов, а в 1855 году стал его действительным членом; именно на выставках этого общества его работы появлялись чаще всего.

Его живописные произведения представляют собой главным образом пасторальные сцены, трактованные в идеализированной манере, и демонстрируют высокий дар воображения и поэтический гений. Вдохновение для своих картин он черпал из сочинений Мильтона и Вергилия, с которыми был хорошо знаком. В своем творчестве он испытывал влияние произведений Уильяма Блейка и в некоторой степени своего тестя Джона Линнелла. Сэмюэл Палмер исполнил несколько высоко ценимых офортов.