Литературная и неживописная — если я могу использовать такой неуклюжий термин — природа английского искусства показана, возможно, более сильно в его критиках, чем в художниках или публике. Особенно поражает при чтении критики любого уровня чрезмерная значимость, придаваемая личности художника. Работа этого года оценивается не столько по ее совершенству, сколько по сравнению с работой прошлого года. Картины А., Б., В. и Г. интересны и ценны главным образом как показывающие улучшение А., или спад Б., или неожиданную смену темы В., или тонкий ум и деликатную чувствительность Г.
Мистер Рёскин, без сомнения, самый замечательный из английских критиков и резюмирует так много противоположных теорий и тенденций, что его страницы могут в некотором роде быть приняты как воплощение всего дела. Было бы невозможно извлечь из их огромного объема какую-либо последовательную или непротиворечивую систему мысли или предписания. Его влияние было главным образом через изолированные идеи более или менее правды и ценности. Здесь невозможно проанализировать его работу. Такова смешанная ткань его основы, что плененная принцесса, которой было поручено разобрать комнату птичьих перьев, едва ли имела более трудную задачу, чем тот, кто попытался бы отделить и классифицировать его нити, некоторые бесценные и устойчивые, некоторые гнилые, ложные, вводящие в заблуждение. Мораль, манеры, религия, политическая экономия смешаны с искусством во всех формах — искусство, рассматриваемое теоретически и технически, исторически, философски и пророчески. Различны его взгляды на эти меняющиеся предметы, ни по одному предмету даже они не остаются неизменными. И все же такова прелесть его стиля, восхитительно саркастичного и красноречивого, как кисть мастера, так ярко представлена каждая идея сама по себе, что, каждой идеей наслаждаясь по мере ее появления, все кажутся поначалу равными по ценности. Мы не осознаем ни ошибочности многих, взятых по отдельности, ни конфликта всех, взятых вместе. Его пункты часто ловко и верно поставлены, и наше внимание так приковано к этой ловкости и верности, что мы принимаем как должное правильность его выводов, небрежных, нелогичных или ложных, какими бы они ни были. Что мы больше всего замечаем в его книгах, так это то, как чисто художественный элемент в его натуре — очень высокого уровня и очень верных инстинктов — принижен в полном развитии и задержан в полных результатах теоретизирующим литературным уклоном, который он имеет общего со своим временем и народом. В теоретизировании даже о верно прочувствованных и четко изложенных фактах, в объяснении их происхождения и раскрытии их эффектов его руководство наименее ценно. Мы можем более безопасно спрашивать его «что», чем «почему». Его влияние на английское искусство было велико в момент: будет ли оно постоянным — сомнительно. Одно время говорили, что, не прочитав его книг, можно было сказать по осмотру стен Королевской академии, что мистер Рёскин написал в прошлом году. Сейчас наиболее заметные представители его учения, сознательно или нет, — это, с одной стороны, сияющие светила галереи Гровенор — иерофанты мистицизма, аллегории, символизма, написанных душ и моральной красоты, выраженной во плоти, копирующие линию Боттичелли Рёскина, забывая, что то, что было наивностью в нем, и в нем восхитительно, потому что все до него делали так много менее хорошо, становится сегодня в них самой ужасной аффектацией, предосудительно в них, потому что многие до них делали так много лучше. С другой стороны, у нас есть натуралистическая толпа, которая следует предписаниям мистера Рёскина, когда он перевешивает другую сторону весов и говорит, что искусство должно «никогда не существовать в одиночку, никогда ради себя», никогда, кроме как «представляя истинную» — определенную как фактически существующую — «вещь или украшая полезную вещь»; когда он объявляет, что каждая попытка воображения «возвысить или облагородить здоровое человечество ослабила или карикатурила его». Мистер Рёскин велел людям «идти к Природе со всей простотой сердца и ходить с ней трудолюбиво и доверчиво, не имея другой мысли, кроме как о том, как лучше проникнуть в ее смысл, ничего не отвергая, ничего не выбирая и ничего не презирая»; и мистер Хэмертон буквально следовал ему, когда он изгнал себя на пять лет в хижину на острове на мрачном шотландском озере, чтобы научиться верно изображать берега этого единственного озера. Так ли учился Тициан в юности и научился, как годы спустя в Венеции, писать каштаны и холмы Кадоре в тысячу раз более художественно и более верно, потому что более абстрактно и более идеально, чем могли все «прерафаэлитские» копиисты сегодняшнего дня? Так мы видим две крайности учения мистера Рёскина — видим его в одно время превозносящим воображение и чувство над живописной частью искусства, в другое — низводящим искусство до самого рабского копирования.
Наблюдатели могут не соглашаться относительно того, растут или убывают эти родственные вещи — самосознание у художника, эстетическое философствование у критика и вкус к литературной, а не живописной ценности у публики — в различных центрах искусства. Ежегодные выставки — значительная иллюстрация нашей жизни под высоким давлением в искусстве, как и в других вещах, — по-видимому, имеют тенденцию к углублению этих недостатков. Внимание должно быть привлечено любой ценой, и чем больше число участников и средняя привлекательность их холстов, тем больше становится искушение блистать не совершенством, а эксцентричностями обработки или, еще больше, искусственным интересом «говорящего» сюжета. Не из-за этого ли постоянного желания известности со стороны художника и все большего волнения со стороны публики во всех современных школах пейзажное искусство, как менее возможно подверженное влиянию такого положения вещей, стоит впереди искусства, имеющего человечество своим предметом? Едва ли возможно найти сегодня во Франции фигуриста, который был бы Добиньи, еще меньше — Жюля Дюпре. Рядом с ними, несомненно, стоят такие художники-анималисты, как Бонер и Труайон; и трудно было бы среди самого молодого ряда художников найти фигуриста, который в своем роде соперничал бы с Ван Марке в его. В Англии также пейзаж стоит впереди, и, возможно, при сравнении его с французским пейзажем разница между школами проявляется наиболее верно, хотя и не наиболее ярко. Даже здесь, и в смежных областях анималистической живописи, желание l'anecdote прокрадывается, и Ландсир со всем своим талантом часто проституирует свою кисть в попытке сделать своих животных центром драматического действия и втискивает в них получеловеческие характеристики, чтобы извлечь из них истории или идеи человеческого интереса. Не так писал Веронезе собак или Франс Снейдерс своих львов и кабанов — не так греки вводили лошадь в искусство. И, если взять лучшее современное сравнение, не так спроектированы бронзы Бари.
Пейзаж неизбежно приводит нас к Тернеру. Самый одаренный из всех английских художников, прошлых или настоящих, его гений едва ли был логическим результатом современного духа его нации. У нас нет права говорить это о художнике, нет права называть его аномальным, пока мы все еще сомневаемся, может ли он быть только авангардом нового национального искусства, вестником новой аватары. Но когда он со своим поколением умирает, когда другое поколение развивается и приносит плоды, а третье начинает цвести, и он все еще кажется аномальным, справедливо считать его исключительным в искусстве своей страны, а не характерным для него. Вместе с чудесными дарованиями глаза и руки и колоссальной силой работы, более ранние работы Тернера показывают нам бессознательное развитие и здоровое забвение своей собственной личности. Но позже роковая современная лихорадка вошла в его кровь, закончившаяся чем-то очень похожим на бред. Из художника он стал теоретиком, зараженным потоком критики, одинаково неразборчивой в похвале и неблагоразумной в порицании. Мы увидим пагубные эффекты современных методов, если посмотрим в чудесной серии в Национальной галерее сначала на картины, написанные, когда Тернер был художником, думающим о живописи, затем на те, что сделаны, когда он был самосознающим экспериментатором, думающим о Тернере — Тернере, которому поклонялся Рёскин, Тернере, больном завистью к голландцам и вызовом Клоду.
У меня есть лишь строка для одного или двух других людей с аномально блестящими дарованиями, которых видел этот век. Необычайный талант Анри Реньо был погашен почти на первой искре, и за пределами пророчества сказать, что он мог бы произвести. Его эксцентричности кажутся вполне подлинными, обусловленными избытком силы, а не позированием или гримасой. Его любовь к своему искусству, его страсть к цвету были почти неистовыми в своей интенсивности, но искренними. Некоторая преувеличенная фраза его — лишь протест реакции против литературной живописи, эрудированного и философского искусства его времени. «La vie», — кричит он, — «étant courte, il faut peindre tant qu'on a des yeux. Donc on ne doit pas les fatiguer à lire des stupides journaux». Грубый способ выразить идею, что чтобы быть художником, нужно только искусство.
Другой чудесный талант — Ганс Макарт. Такой глаз для цвета, можно с уверенностью сказать, не рождался со времен Веронезе. Если бы он родился в Венеции среди своих сверстников, вынужденный работать, а не экспериментировать, превзойденный, а не глупо превозносимый, окруженный художниками, чтобы превзойти его, если бы он оступился хоть на мгновение, вместо критиков, чтобы восхвалять его самые вопиющие ошибки, и любителей, чтобы платить тысячи за его испорченную бумагу, у нас было бы другое имя, чтобы использовать его как объяснение гения. Как есть, он, согласно текущим показаниям, совершенно испорчен. Только те, кто знает, как он может рисовать, если захочет, как он писал — портреты лучше всего, возможно, — когда хотел, раздражены сверх меры глупостью, небрежностью и грехами, которые он решает нам дать. Говорили, что Рафаэль Менгс был рожденным гением, испорченным холодностью, псевдоклассицизмом, искусственностью и эклектизмом восемнадцатого века. Портрет-компаньон — Ганс Макарт, разрушенный любительством, рапсодированием, теоретизированием, болезненным самосознанием девятнадцатого.
Так называемая испанская школа сегодняшнего дня пока еще слишком нова, чтобы мы могли видеть точно, куда она стремится. Ее страсть к ярким, металлическим, анилиновым составным оттенкам — оттенкам, которые «кричат», чтобы использовать французскую фразу, — ее ужас перед всей тенью и глубиной и перед чистыми и простыми цветами, однако, совершенно точно нездоровы. Это больной глаз, который в желании насильственного цвета теряет всю память о светотени.
Я оставил до сих пор без внимания современных нидерландских художников, хотя их работы, возможно, более полностью удовлетворительны, чем работы любой из трех школ, которые мы обсуждали. Но их характеристики менее заметно отличны, менее доступны для сравнения и могут быть лучше всего отмечены и оценены предварительно полученным знанием особенностей английской, французской и немецкой живописи. Бельгийская школа наиболее тесно связана с французской, и в технике часто равна ей. В пейзажной и скотоводческой живописи типы схожи, в то время как бельгийская фигуративная живопись выигрывает от отсутствия элемента, который французский критик отмечает, когда говорит, что современное искусство стало mondain — surtout demi-mondain. Нигде современное искусство не кажется столь здоровым и здравым, столь уверенным в себе, столь созвучным лучшей природе и дарам народа, как в Нидерландах: нигде его идеалы не столь свободны от болезненности, аффектации или сентиментальности. Может быть, это потому, что в студиях Амстердама, в великой школе Антверпена, даже в галереях Брюсселя, человек несколько вне самого дикого потока современной жизни — менее движим к анализу, теоретизированию и самосознанию, чем в Лондоне, Париже или Мюнхене? Что бы ни было причиной, что бы ни было следствием, нидерландская школа показывает две вещи бок о бок — наименьшую меру самосознания и самую здоровую современную живопись: если не самую эффективную, то, я думаю, самую полную обещаний. Кажется, формируется самая здоровая национальная почва для развития будущего гения.
В заключение можно отметить, что мы в Америке, чье искусство только начинает делать первые шаги, подвергаемся довольно странному перекрестному воздействию различных влияний. Будучи потомками англичан, мы духовно и по темпераменту во многом являемся их противоположностями. Наш вкус в искусстве, по-видимому, решительно отворачивается от Англии. На каждую сотню французских и два десятка немецких картин, попадающих к нам, сколько приходится английских? Что может узнать об английской живописи тот, кто не пересекал океан, судя по нашим частным коллекциям и лавкам торговцев картинами? Разве не все, что мы знали до выставки 1876 года, было почерпнуто из гравюр «Вернонской галереи» или из «Роджерса» Тернера, или из «Рек Франции»? Но в то время как наши дилеры, студенты и миллионеры толпятся в студиях Парижа и Мюнхена, а наши глаза ежедневно приучаются требовать прежде всего техники, наши умы постоянно подвергаются воздействию потока искусствоведческой литературы из Англии. Вкус тянет нас в одну сторону, а общность английского языка, влекущая за собой открытость английским идеям, — в другую. Картины проповедуют одно, книги — другое. Наш юноша, поработавший в Париже, возвращается домой, чтобы попытаться воплотить идеи Рёскина. Оба влияния слишком новы, а наше искусство пока еще слишком неустойчиво, чтобы кто-либо мог предсказать окончательный результат. Одно можно внушать безоговорочно: давайте избегать самоанализа, самосознания, болезненности, жеманства, позерства. Давайте как можно меньше заглядывать вперед, не отрывая глаз от своих кистей и от мира красоты вокруг нас. Одно можно сказать с уверенностью: если мы являемся или станем народом художников, творцов или ценителей, мы усвоим всю технику, которой мир может нас научить, и усовершенствуем ее, и, возможно, усвоим ту малую долю теории, на которую у нас останется аппетит. Но если мы не художники, ни настоящие, ни будущие, техника будет невозможна и покажется нежелательной. Мы будем жадно наполнять свои желудки ветром философии искусства, будем работать разумом, а не глазом и пальцами, будем символизировать свои стремления, свои теоретизирования, свои души и свою совесть и наивно мечтать, что пишем картины. Или же мы будем с безнадежным стремлением к буквальности копировать первое попавшееся лицо или сорняк и называть несовершенный, механический результат произведением искусства.
М. Г. Ван Ренсселер.
ТРИ ЧАСА
Я сидел в тишине, в лунном свете, что сгущался и сиял далеко над полем и лесом, нежно возрастая: тихие, шумные ветры в деревьях были подобны водам, стекающим из источников страстной радости в океан покоя. И я смотрел, и сердце мое радовалось, хотя тени были глубоки, пока не подошел кто-то и не спросил: «Скажи, почему ты бодрствуешь всю ночь?» И я ответил: «Я сторожу свою радость. Те, кто скорбит, могут спать, но душа, которая радуется, не может расстаться ни с одним часом восторга». Снова в тишине я бодрствовал, и луна зашла; тени скрылись во тьме; ветры стихли; полночь воссела на трон, и драгоценные камни ярко сияли в ее короне, ибо звезды мерцали мягко — о, мягко! — из глубин неба. И я вздохнул, глядя в одиночестве, пока снова не раздался голос: «Ах! Почему ты бодрствуешь? Радость прошла, и печаль тщетна». И я ответил: «Я сторожу свое горе. Пусть спят те, кто радуется, но дух, который любит, не может расстаться ни с одним часом своей боли». Еще раз я сидел, бодрствуя, во тьме, что пала, словно смерть — глубокая торжественная тьма, приходящая, чтобы уступить место рассвету: я смотрел на землю, и она спала без движения и дыхания, и слепо я смотрел на небо, но звезды скрылись. И голос проговорил еще раз: «Прекрати свое бдение, ибо что ты обретаешь?» Но я сказал: «Я сторожу свою душу, обнаженную перед этой тьмой. Пусть спят те, кому любовь дарует радость, кому любовь дарует боль, но душа, оставленная в одиночестве, не может расстаться ни с одним мгновением молитвы». Мэрион Куту.
СЕСТРА СИЛЬВИЯ.
Монте-Компатри — одна из восточных окраинных вершин Альбанских гор, и, как у многих итальянских гор, дорога к ней петляет длинными изгибами к серому маленькому городку на вершине. Этот город Монте-Компатри — полный и шумный улей с массивными кварталами домов и узчайшими улицами, которые время от времени превращаются в лестницы. Ибо те старые строители уважали особенности ландшафта так, словно это были черты лица, и не помышляли о выравнивании неровностей земли больше, чем о сбривании или наращивании носов. Когда у человека был участок в низине, он строил там дом и делал ступени, чтобы спускаться к нему; его сосед, владевший скалистым холмом, строил дом на вершине и делал лестницы, чтобы подниматься к нему. Более того, если земля была немного в городе, дом строился по ее форме и с такой же вероятностью мог иметь тупые или острые углы, как и прямые.
Жители Монте-Компатри гордятся двумя улицами — Лунгарой, которая извивается через центр города, и Джиро, которая делает полный круг вокруг города, оставляя снаружи лишь кайму домов, поднимающихся от края горы, некоторые из которых стоят на естественной скале, а другие пускают корни каменной кладки глубоко в землю.
Один из этих домов на Джиро из поколения в поколение принадлежал семье Гуаи. Один за другим они держали его за умеренную плату у князя Боргезе, владельца города. Виноградник и фруктовый сад внизу, в Кампанье, принадлежали им, и от них происходило их богатство. Ибо для таких людей богатством было иметь дом, полный мебели, белья и фарфора — где, возможно, знаток мог бы найти редкие кусочки старого фарфора, — помимо тысячи скуди в банке.
В таком положении находился глава семьи, когда он умер, оставив взрослого сына и дочь, а его жена должна была стать матерью в третий раз.
«Пепина получит свою долю деньгами, так как она скоро выходит замуж, — сказал отец. — Дайте ей триста скуди золотом и сто жемчугом. Остальные деньги пусть жена использует, как пожелает. А для малыша, когда он появится, Маттео должен каждый год класть в банк тридцать скуди, и когда он достигнет совершеннолетия, будь то девочка или мальчик, он разделит с ним землю поровну».