«Исторический орнамент. Том 2»

Рис. 237. — Стул, украшенный тисненой кожей; начало XVI века; итальянский стиль. (J.)

Рис. 238. — Французский кабинет; работа XVI века. (P.)

Рис. 239. — Резная деревянная панель; французская; XVI век. (P.)

Когда Возрождение прочно укоренилось в Германии, дизайнеры и резчики алтарей и мебели в целом проявили себя настоящими мастерами стиля и были особенно искусны в резьбе по дереву, как в гигантском, так и в миниатюрном масштабе. Целые фасады домов были богато украшены резьбой, состоящей из фигурных композиций, животных, орнамента и гротесков причудливого и юмористического описания, в то время как чрезвычайно миниатюрные работы с фигурными сюжетами и животными вырезались из самшита и других пород дерева с деликатностью и причудливостью, часто превосходящей резьбу по слоновой кости японцев. Эскритуары, буфеты, кабинеты и другая мебель изготавливались и экспортировались из Германии в Испанию и другие страны.

Фламандская и английская мебель и резьба были очень похожи в правление Елизаветы — тюдоровский период английского искусства — и Якова I, стюартовский или якобинский период. Предметы резной мебели, как фламандской, так и английской, были очень солидными и тяжелыми как по дизайну, так и по толщине материала, который обычно был из дуба или каштана. Так много фламандской мебели импортировалось в Англию в это время, и английские изделия были настолько близки по сходству к первым, что возникает большая трудность в классификации примеров этого периода. Стол, рис. 240, и так называемая «Великая кровать из Уэра» являются примерами мебели елизаветинского периода (рис. 241).

Рис. 240. — Елизаветинский стол. (P.)

В Испании итальянский стиль в мебели был введен в первую очередь благодаря большому импорту из Италии и Германии, но под руководством таких превосходных местных резчиков и дизайнеров, как Фелипе де Боргонья (шестнадцатый век) и Берругете (1480-1561), стиль Возрождения вскоре распространился из Толедо в Севилью и Вальядолид, где в процветающий испанский период шестнадцатого века было выполнено большое количество резных и инкрустированных работ и сложных алтарей.

Рис. 241. — Великая кровать из Уэра; елизаветинская. (P.)

В том же столетии Венеция и Флоренция прославились своим маркетри — инкрустацией из слоновой кости и металла по кипарису, ореху и другим породам дерева; это искусство было заимствовано венецианцами из Персии и Индии и быстро распространилось по всей Европе, пока мебель, украшенная маркетри, постепенно не вытеснила более тяжелые классические архитектурные формы.

В западной части Европы это произошло главным образом благодаря голландским и французским мастерам маркетри, работавшим в XVII веке.

Прежде чем оставить тему итальянского искусства XVI века, необходимо упомянуть зеркала с их искусно вырезанными рамами венецианского дизайна и производства. В этом столетии Венеция славилась производством стекла, чем знаменита и по сей день, и государство предоставляло определенные привилегии исключительно венецианским производителям зеркал. Двум муранским стеклодувам по имени Андреа и Доминико, которые были изобретателями, в 1507 году была предоставлена исключительная привилегия на изготовление «зеркал из хрустального стекла» сроком на двадцать лет. До этого времени зеркала изготавливались из различных полированных металлов. Рамы венецианских зеркал часто были богато украшены резьбой (рис. 242), некоторые из них выполнялись в строго архитектурном стиле, имитируя дверной или оконный проем с пилястрами, фризом, карнизом и подоконником или цоколем. Эти резные рамы часто частично или полностью золотились и экспортировались в значительных количествах. Картины оформлялись в рамы подобным же образом, и вскоре резные позолоченные рамы стали использоваться для картин по всей Европе. Позднее в Венеции стали изготавливать позолоченную мебель всех видов, которая пользовалась большим спросом в других странах континента.

Рис. 242. — Венецианская рама для зеркала; XVI век. (P.)

Уже упоминалось, что производство мебели в технике маркетри голландцами в XVII веке в значительной степени способствовало изменению стиля дизайна мебели от прежнего архитектурного характера к большей простоте конструкции. Большие поверхности панелей использовались для того, чтобы более выгодно показать богатые и яркие цвета различных твердых пород дерева, применяемых в маркетри. В узорах сочетались как натуральные, так и окрашенные разновидности древесины, а в голландском маркетри использовался свободный и живописный растительный орнамент в сочетании с крупными тюльпанами, розами и изображениями птиц. В качестве инкрустации также применялись другие материалы, такие как слоновая кость, черное дерево и перламутр. Во Франции развился схожий вид маркетри, но дизайн состоял преимущественно из фигурных сюжетов и имитаций руин в пейзажах. Полное изменение в дизайне мебели в этой стране также было вызвано стремлением получить большие поверхности, на которых инкрустация смотрелась бы наиболее выигрышно, поэтому пространства больше не разделялись архитектурными молдингами или пилястрами, как это было в более ранних работах.

К концу XVI и в первой половине XVII века роскошная мебель, кровати и общее убранство домов высшего сословия и дворцов во Франции и других европейских странах характеризовались использованием дорогостоящих шелковых парчи, тканей, а также вышитых покрывал и портьер.

Стремясь придать мебели максимально богатый вид, такие предметы, как стулья, кушетки и кровати, в соответствующей степени утратили свою элегантность и прежнюю конструктивную красоту. Под их пышными итальянскими и восточными бархатными обивками каркасная конструкция перестала быть видна. Вышеупомянутые предметы мебели сохраняли свою роскошную обивку и во время правления Людовика XIV, однако столы, шкафы, кабинеты, книжные шкафы, пьедесталы, подставки для часов и футляры попали под влияние архитектуры того периода, когда главный министр короля Кольбер отбирал лучших архитекторов и краснодеревщиков того времени для проектирования мебели для дворцов Тюильри, Лувра и Фонтенбло.

Величайшее имя, связанное с проектированием и изготовлением великолепной мебели периода Людовика XIV, — это Андре-Шарль Буль, чьи работы известны под его именем как «буль». Эта знаменитая мебель представляет собой сложный вид маркетри, материалами для которого служат редкие породы дерева, черное дерево, черепаховый панцирь, латунь, перламутр и белый металл или олово. Крепления, молдинги и другие выступающие элементы выполнены из латуни с красивой чеканкой и отделкой; некоторые крепления имеют форму масок, листвы, картушей, а также голов и лап животных в качестве завершений.

Андре-Шарль Буль родился в Париже в 1642 году. Его отец, Пьер Буль, также был выдающимся ébéniste, или краснодеревщиком, но его более знаменитый сын обладал художественным даром в гораздо большей степени. Помимо изготовления маркетри по собственным эскизам, Буль также выполнил немало своих лучших работ по проектам Жана Берена (1636–1711), своего главного сотрудника. Проекты Берена были более итальянскими по стилю, более симметричными в композиции орнамента и более правильными с архитектурной точки зрения, чем те, что приписываются самому Булю, чьи проекты имели много от непринужденности и свободы, характерных для господствовавшего стиля Людовика XIV.

После смерти Жана Масе, королевского краснодеревщика, в 1672 году, который ранее жил в королевских галереях Лувра, должность и помещение краснодеревщика при короле стали вакантными, и Буль по рекомендации Кольбера, министра Людовика XIV, был назначен преемником Масе и поселился в его комнатах в Лувре в 1673 году. Ранее он уже выполнил несколько важных работ для короля и был известен как самый искусный краснодеревщик в Париже того времени.

Происхождение маркетри Буля можно проследить до индийских, персидских и дамасских инкрустаций из слоновой кости, черного дерева, перламутра и металла, которые попали в Венецию, Португалию, Испанию и Францию в Средние века. Эти изделия состояли в основном из шкатулок, ларцов и небольших предметов мебели. В описях имущества Карла V Французского (1380 г.) упоминаются пюпитры и ларцы из инкрустированной слоновой кости или кости, по черному дереву, и подобные работы упоминаются в описях Карла VI (1418 г.) и Анны Бретонской (1498 г.). Это самые ранние упоминания о мебели в технике маркетри, изготовленной во Франции, которая, вероятно, была имитацией восточных изделий.

В эпоху Возрождения Франциск I приобрел у португальских купцов великолепную мебель индийской работы, инкрустированную перламутром, также упоминаются стулья, столы, ларцы, кабинеты и рамы для зеркал, принадлежавшие королеве Марии Медичи (1600 г.), кардиналу д’Амбуазу (1550 г.) и другим высокопоставленным лицам французского двора; все эти работы были выполнены в технике маркетри.

Во Франции до XVI века в качестве инкрустации, помимо восточных слоновой кости, черного дерева и перламутра, использовались черепаховый панцирь, латунь, олово и экзотические породы дерева. Из этого видно, что Буль не изобретал знаменитую технику маркетри, носящую его имя. Однако он довел эту роскошную форму столярного искусства до совершенства и под покровительством Людовика XIV имел все возможности для максимального развития своих художественных способностей.

Процесс изготовления маркетри Буля заключался прежде всего в подготовке шпона из дерева, панциря, олова и латуни одинаковой толщины, каждый из которых имел идеально ровную поверхность; затем этот шпон склеивался парами из противоположных материалов в зависимости от характера эффекта, требуемого в готовой работе, и плотно зажимался в тисках. Затем на поверхность верхнего листа наносился рисунок, и шпон прорезался по линиям узора с помощью штихеля, острого прочного ножа или тонкой пилы; таким образом, за один пропил изготавливались четыре элемента маркетри. Когда пластина, формирующая рисунок, состояла из олова или латуни, которые впоследствии гравировались или чеканились, технически это называлось «буль», а когда рисунок формировался панцирем или черным деревом, это называлось «контр»; оба эффекта вместе известны как «буль и контр», или première et contre-partie.

Более поздний вид работ Буля, известный как «Второй стиль», предполагает наложение шпона из панциря на подкрашенную киноварью или позолоченную основу.

Буль был выдающимся художником, скульптором и чеканщиком по металлу; его крепления в виде листвы и масок, украшавшие его работы, отличаются живостью дизайна, искусной чеканкой и отделкой (рис. 243). Он выполнил большое количество дорогостоящих предметов своей знаменитой маркетри для Людовика XIV и дофина Франции, многие из которых столетие спустя попали в Англию. Образцы работ Буля при продаже, что случается редко, достигают огромных цен. Например, два шкафа, или больших кабинета, были проданы на аукционе коллекции герцога Гамильтона в 1882 году за 12 075 фунтов стерлингов. Шкаф (рис. 244), находящийся сейчас в коллекции Джонса в Южном Кенсингтоне, пожалуй, является лучшим образцом мебели Буля в Англии. Он гораздо изящнее и лучше спроектирован, чем кабинеты Гамильтона, и, вероятно, если бы его продавали сейчас, он стоил бы столько же или больше, чем было заплачено за те кабинеты. Судя по стилю орнамента, вполне вероятно, что он был спроектирован Береном.

После смерти Буля его четыре сына продолжили изготовление этой знаменитой маркетри, но в более грубом и слабом стиле дизайна и с худшим качеством исполнения. Другие краснодеревщики пытались имитировать работы Буля, но их усилия не увенчались особым успехом и представляли собой лишь посредственные подражания.

В Германии в XVII веке наиболее выдающимися именами среди дизайнеров и изготовителей мебели являются Филипп Хайнхофер, Баумгартнер и Ганс Шванхард. Первый был создателем знаменитого Померанского кабинета (1611–1617), который сейчас находится в Королевском музее в Берлине.

Рис. 243. — Кабинет работы Буля. (S.K.M.)

В этом столетии в Италии Андреа Брустолоне (1670–1732) был известен как резчик, позолотчик и краснодеревщик, работавший в экстравагантном стиле Людовика XV, а в первой половине XVIII века (1700–1777) Пифетти, пьемонтский краснодеревщик, был удостоен чести работать при итальянском дворе, для которого он выполнил множество работ по резьбе из слоновой кости и маркетри в стиле Буля. Многие другие краснодеревщики и резчики были наняты для изготовления мебели и украшения королевского дворца в Турине, среди которых можно упомянуть имена Галлетти, преемника Пифетти, и Маджолино из Милана, который в основном изготавливал маркетри из светлых пород дерева. Мы обязаны справочником по мебели г-на Дж. Х. Поллена некоторыми из этих имен, а список многих других можно найти в конце его полезной книги.

Рис. 244. — Кабинет или шкаф работы Буля. (S.K.M.)

Французский архитектор Лепотр (1617–1682) проектировал мебель и декор в тяжелом классическом стиле римской античности, смешанном с ракушечным орнаментом, гротесками и маленькими купидонами или «путти», а также гравировал и опубликовал книгу этюдов римского орнамента по эскизам, которые его учитель, Адам Филиппон, сделал в Италии. Он работал с Лебреном, художником и директором по декору в Версале. Собственные работы Лебрена были тяжелыми и скучными, хотя он стремился к грандиозности и пышности эффекта. Он был директором мануфактуры гобеленов Гобеленов, и его стиль работы гармонировал с помпезными идеями Людовика, «Короля-Солнца». Мадам де Ментенон в одном из своих писем другу пишет, что Людовик был настолько привержен симметрии и величественности в архитектуре, как и в других вещах, что готов был заставить вас «погибнуть в его симметрии», поскольку он приказывал строить двери и окна парами друг напротив друга, что вызывало у всех, кто жил в его дворцах, простуду от сквозняков.

Значительная часть более художественной мебели ввозилась в Англию с континента в течение XVII века, и характерной чертой этого периода была высокодекоративная серебряная мебель, уже отмеченная в главе о работе по металлу.

Рис. 245. — Резной кронштейн; Англия; XVIII век. (P.)

В этом столетии и в начале следующего искусство резьбы по дереву получило большое развитие в Англии, главным образом благодаря гению Гринлинга Гиббонса и влиянию сэра Кристофера Рена; развившийся стиль представлял собой более или менее реалистичную или барочную форму Возрождения (рис. 245, 246). Гиббонс довел некоторые свои резные работы до поразительной степени реализма: букеты цветов, гирлянды из фруктов и цветов, птицы, фигуры и драпировки выполнялись им в максимально возможном рельефе, который выглядел отделенным от фона, и все же они обычно составляли часть цельного дерева вместе с фоном. Орнамент вырезался с исключительной четкостью и, по-видимому, без малейшего колебания со стороны резчика. Хотя мы можем осуждать цветистую свободу стиля Гиббонса, мы должны восхищаться ловкостью мастерства и общим техническим совершенством, приданным всему, к чему он прикасался. Некоторые из его лучших работ до сих пор можно увидеть в Чатсуорте, Петворт-хаусе в Сассексе, Лайм-холле в Чешире, соборе Святого Павла и часовне Тринити-колледжа в Оксфорде. Многие старые английские залы и поместья также содержат образцы резьбы, выполненной либо Гиббонсом, либо его учениками и непосредственными преемниками, а именно Уотсоном, Древо и Лоренсом.

Рис. 246. — Рама для зеркала; XVII век. (P.)

При регентстве Филиппа Орлеанского во Франции (1715–1723) декор и орнамент приобрели легкий и причудливый характер, очень натуралистичный, но все еще имеющий некоторые классические детали; главным представителем этого стиля является Клод Жилло. Ватто, его ученик, сделал себе громкое имя как художник пасторальных сцен, fêtes galantes и всевозможных легких и изящно трактованных сюжетов театрального и искусственного характера композиции. Его колорит был серебристым и гармоничным, иногда он украшал мебель пасторальными сценами.

Рис. 247. — Сосуд для святой воды; Англия; XVII век. (P.)

Стиль рококо начал зарождаться при Регентстве, если не раньше, и такие люди, как Оппенор, Декоты (отец и сын), Франсуа де Кювилье, итальянцы Бернини и Борромини и, наконец, великий апостол рококо Мессонье, были дизайнерами мебели или архитекторами, принадлежавшими к периоду Людовика XV, и выполняли работы, отражавшие свободный и несдержанный характер того времени (1723–1774). Китайские и натуралистические элементы были привиты или смешаны с прежним стилем Людовика XIV, с добавлением натюрмортов, которые заменяли архитектурные формы в предметах керамики и металлоизделиях, а также комбинацией ракушечного орнамента; все эти элементы составили стиль, известный под разными названиями: рококо, рокайль, барокко или Людовик XV.

Мебель изготавливалась с изогнутыми и выпуклыми панелями, чтобы более выгодно показать маркетри или роспись на золотом фоне: такие виды панелей и фризов назывались «бомбе».

Говорят, что итальянские архитекторы Бернини и Борромини первыми ввели стиль рококо во Франции, но никто не заходил так далеко в дикости своих причуд, как француз Мессонье. Его орнамент представляет собой идеальный пример отсутствия баланса и симметрии. Он проектировал мебель, изделия из дерева, серебряную утварь и моделировал декор, и все эти работы иллюстрировали разбитые ракушкообразные панели с оборчатыми и фестончатыми краями и изогнутыми молдингами.

Комнаты обивались зеркалами с такими рокайльными молдингами, которые были хорошо приспособлены для того, чтобы наилучшим образом показать блеск сусального золота, чрезмерно использовавшегося в мебели и декоре периода Людовика XV.

Пьер Жермен, Жан Ресту и Жан Пильман — известные имена других дизайнеров стиля рокайль.

Расписные панели с пасторальными сценами и группами цветов были обычным цветовым декором потолков, мебели, карет и множества мелких предметов, таких как веера, футляры, табакерки и т. д. Последние, более мелкие предметы, а также парадные кареты украшались росписью в стиле, известном как «Верни-Мартен». Мартен был декоратором карет и художником-геральдистом, который изобрел особый твердый лак, носящий его имя. Вполне вероятно, что это была максимально успешная имитация японского золотого лака, которым украшались предметы, ввозившиеся в этот период в Европу голландскими и португальскими торговцами из Японии. Кареты, столы, кабинеты и особенно мелкие предметы, такие как табакерки и футляры для игл, расписывались и украшались в стиле «Верни-Мартен». Некоторые из мелких предметов были красиво оправлены в чеканное золото.

Рис. 248. — Комод с лаковыми панелями и фурнитурой работы Каффиери. Стиль Людовика XV.

Было весьма распространенной практикой покрывать мебель или украшать ее панелями из японского лака и монтировать их в чеканные металлические или позолоченные бронзовые украшения. Уникальный комод проиллюстрирован на рис. 248; он выполнен из панелей очень старого японского лака и богато украшен позолоченной бронзой работы Каффиери, искусного чеканщика периода Людовика XV.

Во второй половине XVIII века в дизайне мебели и орнамента в целом наметилось улучшение благодаря изучению орнаментики и дизайна классических предметов, найденных в погребенных городах Геркуланум и Помпеи. Эти города были обнаружены в 1713 году, и примерно сорок или пятьдесят лет спустя были опубликованы книги с иллюстрациями погребенных останков, что помогло изменить общественный вкус, и постепенно возник спрос на дизайн более строгого и классического толка.

Господствующий вкус тогда, по-видимому, удовлетворялся смешением или прививкой определенного количества классических форм к прежнему легкомысленному стилю Людовика XV.

Стиль в мебели и орнаменте теперь развился в то, что известно как «Людовик XVI» (Louis Seize), и состоял в своем орнаменте из композиции тонких завитков, гирлянд, бантов и колчанов со стрелами, лент и узлов, медальонов с сюжетами, вырезанными в технике камеи. Молдинги были тонкими и изящно украшенными, прямолинейного типа; фактически, прямая линия теперь вновь утвердилась в архитектуре и дизайне мебели (см. рис. 249, 250), создавая освежающий и здоровый контраст с шаткими и буйными изгибами периода Людовика XV и мадам Дюбарри.

Некоторая самая красивая мебель, выражающая предельную элегантность, была изготовлена Ризнером и Давидом и украшена позолоченной бронзой работы Гутьера для королевы Марии-Антуанетты. Ризнер и Гутьер были самыми искусными мастерами своего времени, которые обычно работали вместе над созданием и украшением лучшей мебели этого периода. Нам повезло, что в коллекции Джонса в Южном Кенсингтоне хранятся одни из самых прекрасных образцов этой мебели, большая часть которой была изготовлена для Марии-Антуанетты (рис. 251, 252).

Рис. 249. — Письменный стол в стиле Людовика XVI.

Ризнер обычно работал со светлыми и богато окрашенными породами дерева, такими как тюльпанное дерево, падуб, клен, золотой дождь, пурпурное дерево и палисандр, для своей маркетри, а для подкладки и основы использовал дуб.

Рис. 250. — Кабинет из красного дерева с севрскими вставками. Стиль Людовика XVI.

Лучшие произведения Давида и Ризнера обычно монтировались в позолоченную бронзу Гутьером, которому не было равных как литейщику и чеканщику этого вида работ. Приер также был хорошим чеканщиком периода Людовика XVI. Делафосс был архитектором и дизайнером мебели и декора того периода, чьи проекты были более тяжелого и классического толка. Кове был немцем, работавшим в Париже, проектировал изящные арабески и фигурные работы, а также опубликовал книгу эскизов. Лалонд проектировал работы, которые можно отнести к той же категории, что и работы Кове, а Саламбье был плодовитым дизайнером легкого и свободного вида арабесок. Многие его эскизы для шелка можно увидеть в Музее шелка на Бирже в Лионе. Ленотр проектировал мебель, резьбу, а также был известен вместе с Ла Кинтини как дизайнер парковых и общественных садов.

Рис. 251. — Эскритуар Марии-Антуанетты. (Коллекция Джонса.)

В Италии господствующий орнамент в мебели и декоре был более классическим, чем во Франции. Пиранези, Альбертолли, Перголези и Бартолоцци — имена основных дизайнеров этой страны в XVIII веке, большинство из которых опубликовали обширные труды по орнаменту. Последние двое были привезены в Англию братьями Джоном и Робертом Адамами (1728–1792), которые путешествовали по Италии, привозя с собой классические идеи, которые они развили в Англии и которые в значительной степени повлияли на стиль архитектуры и дизайна мебели в этой стране. Здание Адельфи и дома на Портленд-плейс были построены по проектам Адамов. Все виды мебели, паланкины, кареты, посуда и т. д. изготавливались по их эскизам. Тонкие молдинги, медальоны, розетки, легкие гирлянды, капители в классической форме, каннелированные пилястры и колонны — все это было спроектировано ими с предельной сдержанностью в стиле, вплоть до холодности.

Рис. 252. — Стол Марии-Антуанетты, инкрустированный севрскими вставками. (Коллекция Джонса.)

Томас Чиппендейл был знаменитым краснодеревщиком XVIII века. Его мебель, или даже любая ее хорошая имитация, в настоящее время стоит дорого. В 1764 году он опубликовал книгу по дизайну мебели и интерьеру. Считается, что его сыновья изготовили почти всю лучшую мебель из красного дерева, известную как «Чиппендейл».

Рис. 253. — Гостиные стулья работы Чиппендейла. (L.)

Гостиные стулья (рис. 253) являются хорошими образцами мебели Чиппендейла, а стулья, выполненные в так называемом «китайском стиле» (рис. 254), приписываются старшему Чиппендейлу.

Рис. 254. — Стул в китайском стиле работы Томаса Чиппендейла. (L.)

Шератон и Хепплуайт — имена двух других известных краснодеревщиков, которые изготавливали превосходную мебель из красного дерева в прошлом столетии; оба они опубликовали работы по этой теме в конце века.

Рис. 255. — Табурет и стул, резные с позолоченными креплениями; стиль Ампир. (L.)

Имена Гиллоу, Личфилда, Лока и Коупленда принадлежат выдающимся английским краснодеревщикам и декораторам этого периода, причем две первые фирмы до сих пор существуют в Лондоне.

Рис. 256. — Кабинет из красного чеканного лака (японского) и фарфоровое блюдо. (J.)

Во Франции после Революции (1792 г.) в дизайне мебели и декоре того периода (1801 г.) проявилась более решительная фаза сухого и тяжелого классицизма. Это возвращение к классической тяжеловесности приписывают влиянию академического художника Давида, но, скорее всего, это было потакание национальному поклонению Наполеону и Французской империи. Казалось, всеобщее желание состояло в том, чтобы сделать так, чтобы все в какой-то мере повторяло или отражало славу императора Наполеона I. Самая незначительная вещь имела какой-то символ или аллюзию в качестве декора, которые должны были напоминать всем о величии нового монарха и Французской империи, и, следовательно, тяжелый и громоздкий стиль того периода стал известен как «стиль Ампир». Мебель Ампира обычно изготавливалась из красного дерева, украшалась креплениями из латуни или бронзы в виде сфинксов, грифонов, римских эмблем и античных завитков (рис. 255).

Рис. 257. — Лакированные шкатулки; Синд. (B.)

Персье и Фонтен — имена французских краснодеревщиков и дизайнеров, которые работали в стиле Ампир и опубликовали книгу своих эскизов.

Рис. 258. — Лакированная ножка спинки кровати; Синд. (B.)

В Англии этот стиль копировался, и мы находим, что бесконечные имитации французской моды в столах, диванах, стульях, кабинетах и часах были спроектированы по тем же античным идеалам.

В этой стране в первой половине нынешнего столетия средневековый готический стиль был частично возрожден в архитектуре и мебели, главным образом благодаря усилиям архитектора Огастеса У. Пьюджина. Он спроектировал множество предметов мебели и опубликовал работу, состоящую из готических эскизов, в 1835 году. Несмотря на усилия Пьюджина и некоторых других выдающихся архитекторов и «пуристов», никакого особого длительного впечатления в этом направлении произведено не было.

Если не считать нескольких лучших мастерских краснодеревщиков, где в наши дни изготавливается мебель хорошего дизайна, большая часть такой работы сейчас выполняется машинным способом или слишком часто является делом рук обойщика, и, следовательно, менее художественна и более механистична как по дизайну, так и по конструкции.

Некоторая самая красивая мебель японского и китайского производства изготавливается из резного дерева и покрывается черным или красным лаком. Кабинеты с выдвижными ящиками и причудливо устроенными шкафчиками и нишами (рис. 256) изготавливаются японцами, отделываются лаком и инкрустируются слоновой костью и перламутром. Китайцы особенно искусны в резьбе по красному лаку. Некоторые вазы огромных размеров и изысканного мастерства из этого материала можно увидеть в Кенсингтонском музее.

Лаковые работы также с большим мастерством выполняются туземцами Индии. Браслеты, наручи или голии изготавливаются из лака различных цветов, золотые украшения для которых делаются из оловянной фольги и покрываются желтым лаком, приготовленным из мирры, копала и сладкого масла, сваренных вместе. Шкатулки, столбики кроватей и другая мебель, изготовленная из дерева или папье-маше, лакируются и украшаются плоскими изображениями цветов и условными формами животных и птиц (рис. 257, 258). Все виды игрушек, гирь и мер, кухонной утвари, круглых игральных карт, токарных изделий и т. д. — это предметы мелкой галантереи, выполненные в лучших лаковых техниках Индии.

ГЛАВА VI. ТЕКСТИЛЬНЫЕ ИЗДЕЛИЯ.

Ткачество — это искусство, которое практиковалось с доисторических времен. Травы, полоски коры, камыш, луб и т. д. сначала сплетались и использовались в качестве предметов одежды и покрытий, подобных тем, что мы видим сегодня у нецивилизованных племен мира. Ткацкий станок также является очень древним изобретением и, должно быть, использовался гораздо раньше, чем у нас есть какие-либо записи о нем.

Одной из старейших разновидностей тканей, изготовленных на ткацком станке, является лен, нити которого изготавливаются из волокнистых частей стебля льна. У нас есть не только библейские свидетельства ткачества льна древними египтянами, но и сам материал, который, как доказано строжайшим научным анализом, является продуктом льна.

Старейшим видом египетского льна был тот, что использовался для пеленания мумий, и ранее он был известен под ошибочным названием виссон, причем последний является материалом, сотканным из нитей или бороды pinna marina, или морского моллюска.

Различные методы и процессы, используемые в производстве льна, хорошо проиллюстрированы на египетских картинах и барельефах, таких как трепание льна, чесание, прядение и ткачество на станке. Некоторый египетский лен был чрезвычайно тонким по текстуре и совершенным по мастерству: кусок льна, найденный в Мемфисе, имел 540 нитей на дюйм в основе.

Льняная пряжа и сырой лен экспортировались из Египта финикийцами и карфагенянами в Грецию, Италию, Германию, Испанию и, вероятно, на Британские острова. Греческие женщины ткали лен для своих одежд, как это делали женщины большинства европейских стран в древности и в Средние века. Германия, Голландия и Бельгия с ранних времен были главными странами по производству льна в Европе. Возможно, в наши дни город Белфаст в Ирландии является самым важным центром льняной промышленности в мире, а Данди в Шотландии мог бы претендовать на второе место. Последние двести лет льняная торговля Ольстера находится в процветающем состоянии. Английский парламент со времен Вильгельма III до наших дней поощрял и продвигал эту торговлю, но первоначальный успех этой отрасли был в значительной степени обязан мастерству и энергии Луи Кроммелина и колонии гугенотов, которые прибыли на север Ирландии из Франции после отмены Нантского эдикта (1685 г.) и в 1699 году окончательно обосновались в Лисберне, недалеко от Белфаста. Подобная колония французских протестантов, которые были ткачами по профессии, поселилась в Шотландии в 1727 году под руководством своего лидера Николаса д’Ассавиля.

Великая эпоха в истории ткачества берет свое начало со времени изобретения машины Жаккара, которая произвела революцию почти во всех отраслях ткачества. Жан-Мари Жаккар (1752–1834), изобретатель этой машины, был уроженцем Лиона и шелкоткачом по профессии. Машина Жаккара прикрепляется к любому обычному ткацкому станку, и ее работа заключается в механическом выборе и поднятии нитей основы, когда челнок проходит через станок, причем действие регулируется с помощью карт с пробитыми отверстиями, через которые проходят подъемные шнуры или иглы, а отверстия в картах располагаются или прорезаются в соответствии с заранее задуманным узором, который в конечном итоге проявляется в сотканной ткани.

Первая машина Жаккара, использованная в Англии, была установлена в Ковентри в 1820 году.

Шелк и его производство китайцами были известны и понятны с периода, предшествующего дате за 2700 лет до христианской эры.

Возможно, первое знакомство с шелковыми изделиями в Европе произошло благодаря завоеванию Персии и части Индии Александром Македонским, который вступил в контакт с китайцами или какими-то народами, жившими за пределами Индии и, вероятно, носившими шелковые одежды. Этим народам греки дали общее название Seres. Это название было дано римлянами не только народам за пределами Индии, но и самому шелкопряду. Аристотель, Вергилий, Дионисий Географ, а позже Павсаний упоминают seer, или прядильного червя, из которого изготавливались богатые и ценные восточные одежды. Плиний говорит, что ассирийцы делали шелк из bombyx и обучили этому искусству жителей острова Кос. Памфила, дочь Платеса, делала тончайший тканый шелк на острове Кос. Предполагается, что в первом случае сырье попадало из Китая через Индию, Персию и Аравию на греческие острова, а в конечном итоге в Италию и Западную Европу. В европейских странах шелк поначалу смешивали с шерстью или льном, и одежды из этого материала носили римляне.

Тонкие, похожие на марлю шелковые одежды с острова Кос были чистого качества, ввозились в Рим во втором веке и ценились на вес золота. Примерно в это же время большое количество сырого шелка привозилось с Востока по сухопутному пути и морем, и к концу четвертого века шелк стал настолько дешевым, что стал доступен простым людям (Марцеллин, 380 г. н. э.). Тир и Берит были главными центрами производства шелка, откуда снабжались римские рынки.

В 552 году было зафиксировано событие, которое произвело революцию в производстве шелка в Европе. Рассказывают, что два монаха, греки или персы, были отправлены послами в Китай, где изучили искусство и методы производства шелка у местных жителей. Им удалось тайно вывезти в своих полых тростниковых палках количество яиц шелкопряда, которые они привезли в Константинополь, где их вывели в теплом навозе, а личинок кормили листьями тутового дерева. Вскоре после этого в Константинополе во дворце была создана королевская фабрика. Женщины-ткачихи были принудительно привлечены на службу императору, и была установлена государственная монополия на производство шелковых тканей.

Введение шелкопряда не удешевило цену на шелк; напротив, продукция королевских станков продавалась по чрезмерным ценам, намного превышающим те, что платили за материал до периода разведения шелкопряда в Европе.

Двор Восточной империи недолго удерживал монополию на шелкоткачество, ибо вскоре после этого секрет разведения червей распространился на Пелопоннес и острова Греции, откуда с шестого до середины двенадцатого века Европа снабжалась почти всем необходимым ей шелком.

В 1130 году Рожер I, норманнский король Сицилии, привез колонию шелкоткачей из Афин и убедил их поселиться в Палермо, где уже была развита обширная шелковая промышленность при прежних сарацинских правителях, которые были вассалами независимых Фатимидских халифов Египта в девятом и десятом веках.

После появления греческих ткачей в мастерских Палермо мы видим, как сикуло-арабские узоры меняются от старых круговых панелей сарацинского орнамента, состоявших из изображений птиц и животных, расположенных спиной к спине, или vis-à-vis, месопотамского происхождения, к полосам с птицами, животными и рыбами, гротескными и другими, смешанными с листвой и завитками, содержащими имитации арабских надписей.

Проследить анализ узоров в шелковых тканях — значит проследить историческое развитие самих тканей, ибо узор и производство, исторически рассматриваемые, развивались рука об руку.

Когда мы рассматриваем разновидности, обозначенные названиями византийских, сарацинских или арабских в их различных формах, итальянских и французских, мы обнаружим, что в указанном порядке хронологическое развитие материала и узора протекает параллельно.

Шелк в своем сыром состоянии в течение первых нескольких веков нашей эры прибывал в главные города Малой Азии, в Александрию в Египте и в Византию (Константинополь) из Китая по пути через Индийский океан и Красное море, а также по суше караванами.

Персы и византийские греки с первого по восьмой века монополизировали западное производство шелка, так как у них уже были станки, на которых они изготавливали лен, шерстяную ткань и ковровые гобелены. Потребовалось очень мало адаптации, чтобы превратить их в шелкоткацкие станки, и к началу седьмого века новый материал прочно утвердился в Персии, Сирии и Константинополе.

Узоры по большей части были символическими и крупными по характеру, и почти все они имели свое происхождение в «Хома», или священном «Древе Жизни» (рис. 259, 260), с поклоняющимися по обе стороны, состоящими из царей или других лиц в акте поклонения, что мы находим в качестве общей темы, выгравированной на ассирийских цилиндрах, настенных украшениях и бронзовых блюдах, которые имели свое происхождение в более старых египетских формах. Там, где Священное Древо с животными вместо человеческих фигур становилось особенностью шелковых тканей, материал имел персидское развитие, производное от вавилонских источников, но греки или византийцы использовали этот узор ради целесообразности, а не в символическом смысле.

В Кенсингтонской коллекции есть кусок очень старого византийского шелка, а также кусок того же материала в Музее шелка в Лионе, который состоит из дизайна крылатых персонажей, борющихся со львами; узор соткан полосами, а цвет представляет собой красный фон с белыми, золотистыми, синими и зелеными фигурами. Стиль дизайна и своеобразие ткачества доказывают, что он датируется периодом до восьмого века. Эта конкретная византийская ткань имеет красный уток фона, выполненный в пяти различных оттенках красного цвета, проброшенных поперек (lancé croisé), причем каждый оттенок чередуется по три нити; основа толстая, а челнок проходит прямо через всю ширину, весь материал — чистый шелк; это признаки, по которым известны византийские ткани.

Рис. 259. — Ассирийская Хома или Священное Древо.

Рис. 260. — Древо Жизни, ассирийское.

Только в подлинных образцах византийских греческих тканей мы находим, что человеческая фигура используется в дизайне, или животные свободного и естественного типа, так как византийские шелковые узоры неизменно брались из греческих мифологических источников и библейских сюжетов. Подлинные образцы византийских тканей очень редки, и описанный является подлинным образцом большой ценности.

Когда арабы под предводительством Мухаммеда завоевали страны Персии, Сирии и страны к югу от Персидского моря, они обнаружили в этих местах уже процветающее производство шелка. С этого времени — девятого века — до четырнадцатого мы видим, что от границ Китая и Индии на востоке до Африки и Испании на юге и западе — что охватывает страны, завоеванные сарацинами, — шелковая промышленность тщательно поощрялась под властью мусульман. После драгоценных камней по важности и ценности главными сокровищами халифов Багдада, Каира, Феса и Кордовы были шелковые товары. Базары главных городов были заполнены драгоценным материалом, и периодически проводились шелковые ярмарки или рынки, главным образом в Антиохии, Рее, Эрзуруме, Исфахане, Иерусалиме и Мекке. Мусульманские законы запрещали верным вести дела с (христианскими) неверными, но существовала оговорка, которая помогала им выйти из этого затруднения, позволявшая им торговаться с евреями, и эти посредники не стеснялись вести дела ни с христианским неверным, ни с мусульманином.

Евреи тогда, как и сейчас, были банкирами, купцами и торговцами шелком и драгоценными камнями, и даже до этой даты они были поставщиками всевозможных предметов роскоши для богатых римлян юга, галло-римлян запада и готов Северной Европы.

Несмотря на действовавшие тогда законы об отлучении от церкви, итальянские христианские купцы, так же как и евреи, торговали с мусульманским миром, и как евреи, так и итальянцы путешествовали по Малой Азии, Северной Африке, по всей Италии, Сицилии, Испании, Франции и Англии, распространяя продукцию сарацинских станков и основывая шелковые мануфактуры в христианских странах, особенно на Сицилии и в Италии. Шали, плательные ткани и портьеры были тогда основными предметами шелкового производства.

Персия была первоначальным местом, откуда пришли лучшие узоры и материалы; это был поистине первоисточник текстильных дизайнов, и оттуда они распространились через Аравию в Северную Африку, на Сицилию и в Италию, причем узоры видоизменялись в соответствии с популярным вкусом разных стран и путем введения различных символических черт.

Текстиль Индии.

Текстиль Индии составляет важную часть индустриального искусства этой страны. Материалы, используемые в тканых и вышитых тканях, — это шелк, хлопок, шерсть, волос, цветные травы, джут, золото, серебро и различные мишурные нити.

Среди главных художественных произведений текстиля — кинкобы, или шелковые парчи, изготовленные в Ахмадабаде и Бенаресе, вышитый муслин из Дакки, ворсовые ковры Малабара, коврики Мадраса и шали Кашмира.

Однако природное совершенство в дизайне, цвете и производстве, которое характеризовало эти ткани на протяжении прошлых веков, сейчас находится под угрозой исчезновения — и большой вред уже нанесен — влиянием европейских дизайнов, введением маджентовых и анилиновых красителей, а также конкуренцией с европейскими рынками, что привело к производству более дешевых форм индийских товаров. Только в тех немногих случаях, когда ткани изготавливаются на заказ или под покровительством некоторых из оставшихся индийских принцев, традиционное превосходство производства все еще поддерживается. Другим исключением является производство шелковых парчей, или кинкобов (рис. 261); это в значительной степени связано со спросом на эти товары со стороны китайцев и других восточных народов, которые еще не приняли западные идеи имитации европейского стиля одежды.

Некоторые из этих кинкобов богато украшены переплетенными золотыми или серебряными позолоченными узорами цветочной формы, другие украшены, как в узорах «счастливых охотничьих угодий» бенаресского производства, цветами, птицами и животными. Эта конкретная форма ткани, несомненно, является пережитком, через персидские каналы, вышитых одежд древних вавилонских монархов.

В производстве хлопчатобумажных товаров торговля местной касты ткачей сильно пострадала от большого импорта манчестерского хлопка и от создания гигантских хлопчатобумажных фабрик с механическими станками в Ахмадабаде и других местах. Многие представители касты ткачей были вынуждены заняться сельским хозяйством и другими менее прибыльными занятиями из-за частичного разорения их торговли английской конкуренцией.

Рис. 261. — Кинкоб из Ахмадабада. (B.)

Набивка хлопка, однако, остается важной местной индустрией, особенно в городе Лакхнау, где окраска и дизайн все еще превосходят английские или французские ситцы. Некоторые из лучших индийских, или, скорее, индо-персидских орнаментов встречаются на печатных ситцевых палампорах, или покрывалах, изготовленных в Масулипатаме и других местах. Ситцы, сотканные в различных полосках цветных нитей, клетках и тартанах всех оттенков, являются одними из специализаций индийского текстиля, материал используется для брюк, юбок и нижних юбок.

Некогда знаменитые даккские муслины, которые из-за своей паутинообразной структуры были известны под названиями «вечерняя роса» и «бегущая вода», сегодня практически исчезли, уступив место более дешевым и грубым разновидностям. Муслины из Дакки и других мест, вышитые шелком, по-прежнему широко используются в Индии и в больших количествах экспортируются в соседние восточные страны, включая Турцию и Египет.

Хлопчатобумажные ткани, переплетенные золотой нитью, прежде производились в огромных количествах для удовлетворения потребностей некогда могущественных местных правителей и придворных свит, но теперь, с установлением английского правления в Индии, спрос на этот вид ткани, как и на многие другие предметы роскоши, значительно снизился.

Печать узоров золотой и серебряной фольгой — распространенный метод декорирования темно-фиолетовых или темно-зеленых хлопчатобумажных тканей; муслины также украшают набивными золотыми узорами.

Тонкая золотая и серебряная позолоченная проволока широко используется в Индии для изготовления кружев, ткачества и вышивки. Местные мастера превосходят всех европейцев в искусстве волочения проволоки, а также в производстве золотой и серебряной фольги, мишуры и блесток. Эти промыслы сосредоточены главным образом в городах Дели, Лакхнау, Ахмадабад и Лахор.

Производство шелка по-прежнему является процветающей отраслью во многих частях Индии, однако в некоторых местах оно значительно пришло в упадок из-за европейской конкуренции. Шелк тасар (или туссар) — это местный дикий шелк, из которого сейчас во все возрастающих количествах производят более грубую разновидность ткани, экспортируемую преимущественно из Бенгалии. Это полезный материал, но он не обладает блеском или лоском обычного шелка. Гладкая шелковая ткань производится в Пенджабе, а дамастовая или узорчатая разновидность — главным образом в Бахавалпуре.

Кашмир на протяжении столетий славился своими прекрасными шерстяными шалями, изготовленными из пушма — шерсти кашмирской козы, а также из верблюжьей шерсти; тканый материал из последней известен как «камлот».

Основным мотивом дизайна кашмирских шалей является узор в виде конуса, украшенный мелкими цветами, при этом пространство между конусами также заполнено мелким цветочным орнаментом. Узоры в виде конусов встречаются также на металлических изделиях, эмалях и резьбе из Кашмира и его окрестностей. На подлинных шалях орнамент вышит широкими бордюрами, центральными медальонами и угловыми цветочными группами. Кашмирские шали имитировались французами в тканых шалях, а также в шотландских шалях из Пейсли. Некоторые из самых дорогих кашмирских шалей вышиты «земным раем» из поющих птиц, цветов, животных и фигур.

Индийский орнамент или декор благодаря своему мозаичному или уплощенному характеру чрезвычайно хорошо подходит для украшения текстильных изделий. Местный орнамент состоит из множества плоских изображений маргаритки (свенти), лотоса, гибискуса (рис. 91, 92, 261), узоров из бутонов и цветов, попугаев, павлинов, львов, тигров, слонов, людей верхом на лошадях, охотящихся или сражающихся и т. д., и всегда выполняется плоскими тонами чередующихся цветов на плоском фоне в таких изделиях, как эмали, изразцы, керамика, настенная роспись, лаковые изделия и все виды текстиля. Хотя порой недостатком индийского орнамента является чрезмерное использование мелких деталей, в целом он хорошо подходит для украшения плоских поверхностей. В художественных изделиях мусульманского населения Индии или потомков персидских поселенцев орнамент неизменно состоит из персидских или сарацинских типов; первые отчетливо видны в масулипатамских коврах и палампах, а вторые — в различных художественных работах эпохи Великих Моголов, как, например, в инкрустациях по мрамору и других работах в Агре (рис. 293).

Сасанидские персидские узоры на шелке, как мы видели, были заимствованы из более древних ассирийских и вавилонских вышивок, мотивами которых неизменно были Древо Жизни или «Роща Ашера» с божествами, жрецами или царственными почитателями по обе стороны, причем вся композиция обычно заключалась в круги.

В персидских и более поздних месопотамских мосульских работах место человеческих фигур заняли животные, которых часто располагали спиной друг к другу, разделяя стеблем или фрагментом растительного орнамента — напоминанием о священном древе — и все так же заключали в круговую полосу. Животными обычно были львы, гепарды или грифоны, трактуемые как декоративные абстракции, а промежутки между кругами заполнялись изображениями попугаев или других птиц, выполненными в условной манере.

Ранние сарацинские узоры были копиями этих мотивов (рис. 262). В более поздних сарацинских узорах стало меньше изображений птиц и животных и больше чисто арабского орнамента с добавлением горизонтальных полос куфических надписей, таких как тексты из Корана, хвалебные обращения к султанам и халифам, для которых изготавливались ткани, а также их имена или титулы (рис. 263).

Удивительно, что богатые шелковые ткани, изготовленные для сарацинов и самими сарацинами, почти всегда содержали изображения животных, хотя это противоречило законам их веры; но это можно объяснить их практикой копирования или адаптации форм декора, уже использовавшихся в завоеванных ими странах, и их недостаток оригинальности в дизайне в ранний период был, возможно, самым сильным мотивом, побуждавшим их приспосабливать готовые изобретения для собственных нужд.

Ношение одежды из чистого шелка также было запрещено мусульманской религией, но сарацины преодолевали эту трудность, добавляя несколько хлопчатобумажных нитей в шелковую основу. Египетские мамлюки (1250–1390) были очень расточительны в использовании шелка для платьев, знамен, палаточных пологов, ковров и попон, которые поставлялись с ткацких станков Каира и Александрии, а также импортировались из восточных центров.

Рис. 262. — Шелковый дамаст; XI век; ранний сарацинский стиль (Л. П.)

В XIII веке шелковая промышленность сарацинов находилась в расцвете, с узорами, в основном подражающими персидской школе, а в XIV веке использовались те же мотивы, но расположенные рядами горизонтальных полос — что является по существу греческим методом — и это произошло под влиянием греческих и христианских коптских дизайнеров. Хороший пример этого стиля можно увидеть в узоре с павлином, рис. 264.

Рис. 263. — Шелковая ткань из Икония; арабская: XIII век. (Лионский музей.)

Поскольку побережье Малой Азии имело смешанное население из евреев, христиан и сарацинов, шелковые ткани из этой страны украшались имитациями персидских узоров, содержащими «хома» или «древо жизни», христианские элементы, такие как крест, видимый в «древе жизни» (рис. 265), а также имитациями арабского письма. Сирийские образцы текстиля уступают византийским или древнеперсидским по материалу или качеству исполнения.

Рис. 264. — Арабская шелковая настенная драпировка XIV века. Дж.

Рис. 265. — Апостольское древо жизни с эмблемой креста.

Наиболее интересное развитие дизайна шелковых тканей произошло на Сицилии. Сицилийцев сначала обучили искусству прядения и ткачества шелка и разведению шелкопряда их правители — сарацины Египта, и ранние узоры сицило-арабского стиля, помимо персидских гепардов, индийских попугаев и антилоп, содержат таких животных африканского происхождения, как жираф, слон, газель и другая фауна этого континента. В этих тканях вместе с шелком использовались золотые, серебряные и хлопчатобумажные нити.

Упоминалось, что в XII веке, когда норманны завоевали Сицилию, они привезли шелковых ткачей из Афин и других частей Греции для работы в Палермо. Здесь и в это время (1130 г.) произошло заметное изменение дизайна за счет введения греческих классических и христианских элементов орнамента в сочетании с некоторыми более старыми сарацинскими формами.

Псевдоарабские надписи также широко использовались в этих сицилийских тканях; возможно, это делалось христианскими дизайнерами, не знавшими арабского языка, чтобы придать тканям вид сарацинской работы, что, возможно, способствовало их лучшему сбыту при экспорте (рис. 266).

Еще одной особенностью палермских шелков является множество элементов, встречающихся в узорах. Используются все виды сказочных животных и птиц, как в геральдике: солнечные лучи, облачные формы, христианские эмблемы и элементы, такие как фигуры ангелов с кадилами, инициалы священных имен и эмблематические растения. Использование этих геральдических и христианских элементов в значительной степени было обусловлено влиянием крестоносцев в Средние века. Любимой расцветкой сицилийских шелков были темно-красный фон и зеленая листва; птицы, животные и мифологические элементы обычно выткались золотыми нитями, как в приведенном примере (рис. 267).

Рис. 266. — Шелковый дамаст; сицилийский; с имитацией арабских символов. (Р.)

К концу XIV и в течение XV века узоры стали более растительными, использовались виноградная лоза и гранат, а также формы ваз, которые фактически были развитием и заменой священного древа ранних узоров, и вместо кругового обрамления были введены пламенеющие или стрельчатые линии диаперирования. Этот повторяющийся каркас был заимствован из сарацинской стрельчатой архитектуры и принят в стрельчатой готике того времени (рис. 268, 269).

Рис. 267. — Шелковый дамаст; сицилийский; XV век. (Л. П.)

В течение XVI века ананас широко использовался в различных модификациях в качестве декоративной формы в тканях (рис. 269), часто в сочетании с гранатом. Это произошло после открытия Вест-Индии, откуда ананас был завезен в Европу (рис. 270). Крупноузорчатые дамастовые диаперы, парча и бархат теперь производились во многих местах Италии с узорами, основанными на волнистых линиях или стрельчатых формах, заключающих в себе двусторонние схемы орнамента, все из которых были напоминанием об узорах «древа жизни», и во всех них можно проследить сильное влияние сарацинского дизайна.

Рис. 268. — Шелковый дамаст; флорентийский; XV век.

С XIV по XVI век и даже позже Лукка в Тоскане, Генуя, Флоренция и Венеция славились производством шелковой парчи и бархата, которые использовались для облачений священников, королей и дворян, а также для драпировок.

Рис. 269. — Диапер в бархатной парче; итальянский; XVI век.

Узоры на одежде тех времен были очень крупного размера, такие, которые сейчас используются только для драпировок и обивки мебели. Венецианские и испанские картины того периода содержат множество иллюстраций этих узоров на платьях фигур и драпировках помещений.

Рис. 270. — Бархатная парча; итальянская; XVI век.

Во Франции шелкоткацкая промышленность была впервые основана в Лионе примерно в середине XVI века. Узоры первых работ французских ткачей были очень похожи, если не являлись копиями преобладавшей итальянской школы, но вскоре стали более цветочными по характеру и все более реалистичными изображениями цветов и листвы, вплоть до XVIII века, когда они приобрели тот же характер, что и декор керамики и мебели, который уже был описан. В период Средневековья и Возрождения Франция, как и Англия, импортировала шелк и бархат из Италии и с Востока, а лен и драпировочные ткани — из Фландрии и Германии.

Брюгге во Фландрии был особенно знаменит в XVI веке своими шелками и бархатом, а Ипр — еще больше своими тонкими льняными тканями и дамастом.

До 1629 года в Англии производилось очень мало шелка, когда примерно в это время в Лондоне была основана компания шелкоторговцев. Отмена Нантского эдикта в 1685 году привела к прочному становлению производства шелка в Англии благодаря колонии французских беженцев, поселившихся в Спиталфилдсе, Сент-Джайлсе и Сохо в Лондоне, а также в Кентербери, Норидже и Ковентри. Вскоре торговля распространилась на Манчестер, Маклсфилд и Пейсли в Шотландии, а первая шелкопрядильная фабрика была построена в Дерби Джоном Ломбом в 1717 году и работала на водяной энергии.

Дизайны узоров английских шелков всегда были в большей или меньшей степени имитациями преобладавших французских стилей, и, по сути, Англия до недавнего времени в значительной степени зависела от усилий французских дизайнеров почти для всех своих текстильных узоров. Однако сегодня это уже не так, поскольку английские производители нанимают очень мало иностранных дизайнеров.

Главным центром производства бархата в Германии в настоящее время является Крефельд; Швейцария производит огромное количество шелка, который изготавливается преимущественно в Цюрихе и деревнях на берегах Цюрихского озера, в Базеле и других местах.

Китай, родина шелка, и более молодая Япония по-прежнему славятся своими деликатными тканями из этого материала, откуда сырье в больших объемах импортируется в Европу. В Америке шелковая промышленность за последние годы добилась больших успехов, главным центром производства является город Патерсон в Нью-Джерси.

Англия всегда удерживала свои позиции в производстве шерстяных изделий из хорошего материала, в основном гладких тканей, но иногда с вработанными или вытканными узорами из фигур, животных и растительных орнаментов. В Бате, Норидже, Вустере, а также в аббатствах и крупных религиозных домах в Средние века монахи проводили немало времени за ткацким станком, и значительные количества их работ экспортировались на континент в течение XIV века. Город Ворстед в Норфолке дал название — «ворстед» (камвольная пряжа) — ткани, изготовленной там из новой подготовки шерстяной пряжи, которая состояла в особом скручивании нитей для придания пряже более твердой текстуры. Эта ткань использовалась для церковных облачений, драпировок и покрывал для кроватей.